是8月5日，天气清朗，光线极好，一上午的大半时间都花费在赞赏这幅动人心弦的范宽巨制上，艾瑞慈(RichardEdwards)和顾华山(GeorgeKuwayama)两位画迷且高攀对面箱子顶上作壁上观，真可谓淋漓尽兴。

我自觉有一种新奇的预感，将对这幅巨制有新发现或新收获，于是便手持放大镜，在石隙树缝崖边着意找寻，心想，万一给我在什么地方找到范中立的题款，那不是可以决千古之大疑了么?这希望我自知不大，因为经人摩挲得太多太久了，若有名款，自当早被发现，过远者不计，自董其昌以来，不知有多多少少人都曾像我这样着意寻过，梁清标氏以及《石渠宝笈》的编者，还加上我们编辑《故宫书画录》时的着意搜求，都一无所获，我又岂能得天独厚特邀幸运呢?

这一绺思想刚刚掠过我的心头，忽然眼前一亮，我瞥见右下角那一队驮马行旅的后面，正在阔叶树阴的夹隙中，仿佛有两个字样在闪烁一下。我定了定神，拢近用放大镜一看，“范宽”二字赫然呈现!

(藏于阔叶树阴的夹隙中的“范宽”签名)

我没有敢就声张，但审视再三证明无讹之后，一片无比的喜乐悠然涌上心头，我不知道世间更有何乐，遥想裴文中氏发现周口店猿人头骨时其喜乐当亦同样饱和。画迷书蠹所嗜溺的原是常人所不足道者，一画题名之新发现亦足以自我陶乐既永且恒。因为我景仰这幅巨作由来已久，早岁即疑其当有名款，如今就在目前，既能决我千古之疑，又能因此与范华原平结一段文墨因缘，还怎能抑制住我的满怀喜悦之情?

画之立意

世间之美，大别之分为两类：一是阳刚的美，一是阴柔的美。范宽的《溪山行旅图》无疑是属于前者一类的。

面对这幅巨制，明眼人一览之下，峰峦凝重，气势浑雄，便会知道范中立是立意在表扬河朔平原上山川之壮美。范华原当是有感于泰山岩岩登绝顶面小天下的意境，所以才写出这幅高昂巍峨的《溪山行旅图》。由这一幅杰作上，我们真是接触到这位伟大画家的全人格，包括他宽宏大度的豁达襟怀，和他对大自然的深切体。

(范宽笔下的泰山)

(范宽笔下的泰山)

正是因为他的宏阔大度，所以才挣来了范“宽”的名号，正是由于他心胸豁达，所以才能有如本图所表现的浩然襟怀。正是由于他常纵目终南太华之间，所以才能写出这样实感逼人的巨作。这使我们想起了他的千古名句：“师古人不如师造化，师造化不如师心源。”这本是我国绘画理论的中心体系，值得千言万语的详细发挥，但原始要终一以贯之，这幅《溪山行旅图》正是最恰当最具体最完整的精粹诠释。

我常说这幅巨制正站在师古人师造化师心源的“中”道坐标之上，所以才能干载之下，撼人深刻如此!我想着令我们于浩海烟薮的名绘宝卷中，摘出一幅最能代表华夏山水画之真精神者，我同大家一样，首先推崇这幅范华原的《溪山行旅图》。

画之构图

范华原胸襟浩阔，不取小巧捷便，所以他在《溪山行旅图》上所用的构图方式中峰巍峨，顶天立地，亦是堂堂之阵，正正之旗!

依照构图惯例，画家多把主体置于中央而略偏斜的部位，然后再于弱方以宾体补足以求平衡。范华原不阿众好，卓立一峰，顶天立地，正在画之中央，使人览之神旺，观感为新，真是兵法上的奇中之正，对于表现这种巍峨雄浑的意境，异常合适。

由于主峰卓立中央，加以矾头沉重，所以从构图的观点看，上端分量过大，很不容易安排。范华原的办法是先虚其崖脚，以释其重量，再于下端缀以巨石，以求其平衡。——画史上说他水际好作突兀大石，由构图法上讲求，尚非范华原之真知音，因为那只说到其然，没有说其所以然。

另外一项最为大家欣赏叹服的，我知道要说到那条了，这条垂注而下的银瀑，不但界破了青山山色，而且很巧妙地写出了岩壑幽深的实中之虚，又随风飘扬，带来了高山流水的环佩琴音。

(千尺悬瀑)

这条千尺下注的瀑水不但使峥嵘厚重的山峰有了刚柔的对比和水分的润泽，它更肩负了一项“气势贯接”的重要任务。这幅巨制从构图上讲，显然是分为上下两截，以巨壑中的山光岚气为界。这项中线划分的款式，易生腰斩的不快感觉，所以范华原才巧为布置：高高悬瀑，燕尾双歧，这是上势下垂的姿态;同时琳宇宫殿晕飞，松杉塔尖上指，这是下势上接的映照，这样两相迎联，全幅的气势就贯注为一了。

(琳宇宫殿晕飞，松杉塔尖上指)

驿道由左向右倾斜，不但遥承松杉殿阁之余势，更使中流砥柱之主峰由此得一落脚基点。方向之倾斜，至有学问，若横截平铺，则和主峰直角相交，正面冲突，成构图上之大忌。如今漫斜宏阔，既能上承千钧之重，又复斜攲相交，角度典雅，遂能览之而神怡。

用笔

在这幅画上用笔的主调有了长短两种线条。长线条触目可见，如山石的形廓，树木的枝干。这是画大画最后的一道手续，用浓墨甚至于焦墨在紧要处“提”一下，为的是大画须悬起远观，若不重墨提神，那就站立不起，于这里最要见画家的真实工夫。

范宽对“线条”的运用，有两点最使我们倾倒：一在它的转折，一在它的深刻。

(范宽笔下的线条与皴)

长线条转折最难，初着笔时当悠然引来，遇山石面角须转折处，当着意宕荡劲道条畅，住笔时当着意收拾含蓄，都是非有真实工力不能踌躇满志的。

(范宽笔下的线条与皴)

这画面上的短线条亦是惊人的，所谓的“有组织”是也，在这里的短线条，就是通常所谓的雨点皴，亦有人叫做芝麻点的。这是范宽的标准皴法，亦是《溪山行旅图》上的基调笔触，山石坡陀，无处不见这种雨点皴法在散布、在组结，最后构成了这幅巨制主要骨干。

(范宽笔下的线条与皴)

这种皴法，线条极短，但若对原画细看，每一笔都还有轻重浓淡，真的是顿挫有效。更难得的是通体“结组有绪”。短线条多了，最容易发生散漫零落的毛病，但在范氏这幅巨制上，你全看不见一点松懈，借用军事家的术语，全都纳入组织，不见一个散兵游勇!不怕雨点如麻，但方向有趋结组有绪，范氏笔绾造化，一气呵成!短线条用到这种境界，亦可谓出神人化了。

(《溪山行旅图》中的其他细节)

中国书法是抽象的线条艺术。线条则是书法的基础、灵魂，是书法赖以延续生命的惟一媒介，古往今来多少书法家为之顶礼膜拜，如痴如醉!

书法的线条何以具备如此魅力?

或许我们可以从线条的形体中找到正确的答案。线条由骨、筋、脉、肉、皮五者构成，缺一不可，分而为五，合则为一。“骨、筋、脉、肉、皮”，也即中医之“五体”，是构成整个人身形体的重要组织。早在公元前3世纪的我国著名医著《黄帝内经》中就有关于“五体”的论述：“骨为干，脉为营，筋为刚，肉为墙，皮肤坚……”总体来说，以上描述非常确切，符合现代医学。

书法中最早运用医学术语来描述线条的，大概要数晋卫夫人《笔阵图》：“善笔力者多骨，不善笔力者多肉;多骨微肉者，谓之筋书;多肉微骨者，谓之墨猪。”从此，“骨”、“肉”、“筋”等象征力量、生命的字眼开始出现在描绘书法线条的语汇中。自晋以降，各个朝代皆有论述。如清康有为《广艺舟双楫》说：“书若人然，须备筋骨血肉。”更有甚者，元陈绎曾《翰林要诀》和清张廷相、鲁一贞《玉燕楼书法》中，都出现了专论“血法”、“骨法”、“筋法”、“肉法”的章节，可遗憾的是，没有“皮法”一说。线条有骨有肉，岂能无皮?无皮覆体，抛筋露骨，血肉模糊，这样的线条岂能给人以美的享受，倒是给人以头破血流、满身创伤之感吧!因此，线条必须五体具备，不可缺也。下面浅述线条各体。

“骨”，是指线条刚劲有力、气势雄强的状貌。“映日照之，线条中心有一缕浓墨，日光不透”(《梦溪笔谈》)，这是沈括对徐铉书法线条妙处的称赞。这日光不透的线条中心，便是线条之骨，四周略透的便是皮肉筋脉。这种现象与医学上X线片相似，片中只见骨，隐约处则为筋脉肉皮。因“线条中心有一缕浓墨”，才使我们感觉这种线条特别有厚度，可“触摸”到，于是二维空间变成三维空间，便产生立体感。清刘熙载《艺概》：“字有果敢之力，骨也”。可见力是骨体的表现。书法历来强调筋骨及其作用，以骨健筋丰者为上品。清朱履贞《书法捷要》亦云“然血肉生于筋骨，筋骨不立，则血肉不能自荣。故书以筋骨为先。”《玉燕楼书法·骨法》云：“夫骨，非棱角峭厉之谓也。必也贯其力于画中，敛其锋于字里，则纵横大小无或懈矣。惟会心于‘直’、‘紧’二字，斯能得之。”因而，线条骨体与高超的用笔技巧(中锋用笔)最为相关。

“筋”，是指线条紧敛、浑劲内含的状貌。《素问·五脏生成篇》“诸筋者，皆属于节”，筋附着于骨而聚于关节，是联结关节、肌肉的组织，可见筋与骨肉的关系极为密切。《说文解字》释筋为“肉之力也”，《艺概》亦言：“有含忍之力，筋也”，因此，“筋”本身是力的表现，而且这种力量是有深度的，偏于内含而不外露。《翰林要诀》：“字之筋，笔锋是也。断处藏之，连处度之。藏者首尾蹲抢是也;度者空中打势，飞度笔意也。”古人一般把笔锋比作线条之筋，这种说法符合“筋”之本义。若笔锋断处不藏，连处不度，则露筋之病生也。

“脉”，是指线条丰润活脱的状貌。它本义是指血管，《说文解字》释为：“血理分(斜)行体者。”血在脉中循行，外达皮肉筋骨，主要是对皮肉筋骨起营养和滋润的作用。故《难经》有“血主濡之”之说，但血必须循行于脉中，若逸出脉外，即失去濡养功能。前人谓水墨乃字之血，过淡则伤神采，太浓则滞笔锋，需做到“浓欲其活，淡欲其华”(清周星莲《临池管见》)。《翰林要诀》亦云：“字生于墨，墨生于水，水者字之血也。”故线条脉体中循行之血乃水墨也。水墨调和，运用恰当，才能使线条产生丰润而活脱的状貌，才能构成生动活泼的生命之体。《广艺舟双楫》言.“血浓骨老，筋藏肉莹，加之姿态奇逸，可谓美矣”以及蔡邕《九势》中所谓“下笔用力，肌肤之丽”，其“骨老”、“筋藏”、“肉莹”、“肌肤之丽”等种种美的质感都与水墨(“血”)相关。故历来书家对水墨要求很高，诸如墨要生墨，水要新汲，研墨要凉等。

“肉”，是指线条丰满柔韧之状貌。《玉燕楼书法·肉法》：“字之肉系乎毫之肥瘦，手之轻重也。然尤视平水与墨。水淫则肉散，水啬则肉枯。墨浓则肉痴，墨淡则肉瘠。粗则肉滞，积则肉凝。”《翰林要诀·肉法》：“捺满、提飞，字之肉，笔之是也……捺满即肥，提飞则瘦。肥者，毫端分数足也;瘦者，毫端分数省也。”因此，线条的肉质，取决于用笔的轻重深浅及施墨的浓淡枯湿。但肉之“肥”和“瘦”，应视具体情况而定：疏处、平处要捺满，密处、险处要提飞。

“皮”，是指线条轮廓光滑、清晰、亮丽的状貌，起着包裹血肉，不使筋骨外露的作用。(九势》：“下笔用力，肌肤之丽”是说皮肉所具有的“丽”的质感。黄宾虹也说：“凡作画必须能用饱墨，否则笔枯露骨，画无皮肉;使人生憎。”这两个例子，足以证明线条“皮”的重要性。清包世臣《艺舟双楫·述书下》云：“笔锋着纸，水即下注，而笔力足以摄墨，不使旁溢，故墨精在纸内。”“若笔力欠佳，无以摄墨，水墨外溢，皮破血流，成为墨团，或水墨漫漶成块，线条形体何在?因此，线条之“皮”与笔力最为相关。由于宣纸渗晕而产生线条轮廓的含糊朦胧，倒是给人带来空灵虚玄，包孕姻组之感。这种墨迹中的朦胧美，恰如<书谱·序》所云“乍显乍晦，若行若藏”，它暗示着生命律动，诚如我们目睹运动员汗出涔涔的情景。这与皮破血流截然不同，是我们应该注意的：

书法线条要求五体具备，且还需五体匀称协调，否则线条就会丧失美的质感、美的享受。诸如墨猪、肉鸭、春蚓、秋蛇等线条，徒令人生憎，何具美哉?另外，线条形体是神采的载体，若线条五体不备，更何言意态与神韵呢?

宋代书法理论家姜夔在《续书谱·血脉篇》讲到：“予尝历观古之名书，无不点划振动，如见其挥运之时。”居然静卧纸面的线条和点会“振动”起来，可见线条是一个活生生的机体。 “五体”说的引入，是人生生命对线条的观照，赋予了书法线条生动活泼的生命，充分体现了中华民族审美的意向。

作品鉴赏

华喦是个天才型画家，于画几乎无所不能，山水、人物、花鸟、走兽、仙佛乃至肖像都极工能，且气格不低，品入妙、逸。此册写走兽，饮马之安详、山兔之警敏、麋鹿之悠闲及牛犊憇息之态，狸奴酣卧之状，虎之作势欲起，猿之攀援应答，皆栩栩如在目前。构境命意，极尽变化，或柳下坡前，或崖边溪畔，或石上花里，或于水天空阔之处，雪中枯枝之上，荆棘杂草丛中，春花满园之时，随宜置陈，幅幅精妙。笔墨则清溪简逸，潇洒脱俗，韵味悠长。诗题亦可颂：“幽蹊鹿过苔还静，”“鼠翻盆，汝不顾，却来石上花阴卧。”皆恬雅诙谐，读之可忘人世。保存完美，绢色如新，是其精作。

题 识：

(一)凌风直上九霄去，天下苍生望甘霖。

(二)幽蹊鹿过苔还静。

(三)华阴乳犬。仿宋人法。

(四)带犊吴牛傍柳荫。

(五)鼠翻盆，汝不顾，却来石上花荫卧，罪过。

(六)冷猿披雪啸。

(七)善养生者若牧羊。

(八)一啸风生，万壑皆冷。

(九)蓬蓬茂草中，老兔待新月。但恐人知知，一夜迁三窟。

(十)铁喙騧，连钱骢，何年坠影江水中。蒲梢西来八尺龙，天闲十二为尔空，五花云锦吹东风。新罗生。

时下，画坛上“大师”一词可谓十分时髦，一些媒体常常用“大师”一词来标榜某些有成就的画家，而藏界也以收藏“大师”作品为时尚。

记得有一年，中国画展艺委会组织部分专家以无记名投票方式，评出了20世纪13名杰出的中国画大师，排名依次为：齐白石、傅抱石、黄宾虹、吴昌硕、林风眠、李可染、潘天寿、徐悲鸿、张大千、蒋兆和、刘海粟、石鲁、黄胄。

一石激起千层浪，这一排序引起全国美术界的极大关注。于是各地美术家各抒已见，有的评论家认为这样的评选十分幼稚和荒唐，有的还专门召开了研讨会，对这一仿效当今流行音乐排行的做法进行了热烈的讨论。

李公麟《五马图》

笔者以为，大师这顶“帽子”不是随便可以戴的。大师是一个时期的代表人物，一个时期可能会涌出一大批知名的画家，但是要产生大师级的画家恐怕寥寥无几。以明清为例，上下500多年，有名有姓的画家至少也有上千人，但能流芳百世的大师级画家屈指数来也只有明四家、陈淳、徐渭、陈洪绶、董其昌、清四僧、清四王、吴历、恽寿平、龚贤、扬州八怪、赵之谦、任伯年等。如果按词典中的解释，大师是指在学问或艺术上有很深的造诣，为大家所尊崇的人。假若将大师搬到画坛上，以笔者看，中国画大师应具备以下条件：

八大山人《孤禽图》

一 、 具独特风格，影响几代人

一个画家如果没有自己的风格和个性，既使画得再像，他只能称为画匠。而画家一旦形成了自己的面目，那么，他就是一位成功的画家;假若他的艺术创作在当时有一定影响，他可以称为优秀画家或是绘画高手;只有他的艺术创作能影响一代人乃至几代人，或是开宗立派画家才具备中国画大师的条件。

傅抱石《醉僧图》

记得海派画家中有一位王个簃，他是吴昌硕的高足，在高手如云的上海也颇有知名度。其诗、书、画、印样样精。论传统笔墨，恐怕现在很难找出与之抗衡的人物，但他的绘画总体上没有跳出吴昌硕的格调和圈子，因而王个簃去世后的作品在市场呈现逐级走低的态势，现海内外各大拍卖会上已很难见到王个簃的作品，偶有亮相，价格平平，已沦落为市场上的冷门人物，同样张大千、齐白石、傅抱石、徐悲鸿、李可染、黄宾虹、潘天寿等人的作品艺术个性十分强烈，所以他们的作品极受海内外藏家的青睐，价格也居高不下。

张大千荷花作品

二 、 在前人基础上突破与创新，被后人广泛应用

一个画家如果在技法上有创新，并能影响整个画坛，那么他同样能具备中国画大师的条件。翻开二十世纪中国美术史，在技法上创新画家也不少，比如，张大千在海外总结中国传统笔墨之后，创造了大泼墨、大泼彩的技法，不仅使大千在驾驶笔、墨、色、水、纸方面达到了出神入化的境地，而且为中国画开辟了新的表现道路，今天他的大泼墨、大泼彩的技法已被人们广泛地应用。有人评价说“国画家能够上承古代美术遗产，兼摄世界美术之长，使国画的技巧境界向上延伸一步的，在今天只有张大千。”除张大千外，傅抱石的“抱石皴”、高剑父的撞水和撞粉法等都对中国传统技法的发展作出了贡献。

徐悲鸿作品

三 、 经典作品问世

张大千曾经说过：“会作文章的一生必要有几篇大文章，……这才可以站得住，画家也必须要有几幅伟大的画，这才能够在画坛站得住”。纵观中国美术史，各个时代都为后人留下了不少经典之作，如五代顾闳中《韩熙载夜宴图》、北宋张择瑞《清明上河图》、南宋李唐《万壑松风图》、元代黄公望《富春山居图》、明代沈周《庐山高图》、清代任伯年《群仙祝寿图》等。而现在名家中也有不少经典名作问世，如张大千《长江万里图》和《庐山图》、傅抱石的《丽人行》、石鲁《转战陕北》等，这些经典之作都是画家倾注了画家毕生之心血，耗费了大量时间和精力才创作的，并在中国画坛乃至世界画坛上有很大影响，同时载入中国美术史册。因此，有无经典大作品问世也是画家具备中国画大师条件之一，这方面中国很多画家都是欠缺的，包括吴昌硕、齐白石、黄宾虹。

《韩熙载夜宴图》局部

张择端《清明上河图》

《万壑松风图》

《富春山居图》

《庐山高图》

《群仙祝寿图》局部

四 、 极高画外修养

从历史上看，真正的绘画大师除了谙熟传统绘画程式并能以之熟练地创作画外，他们还有渊博诗文、书法、历史、文学、美术理论乃至篆刻等。海派名家陆俨少曾经说过：“三分写字、三分画画、四分读书”，这一经典的论述，可以说是陆俨少总结前人和自己绘画创作的体会。

文徵明的书画造诣极为全面，其诗、文、画无一不精。人称是“四绝”的全才。文徵明在书法史上以兼善诸体闻名，尤擅长行书和小楷。

一幅《唐人宫乐图》，一场宫廷女人的欢聚盛宴，十二位美女齐聚一堂，品茗、奏乐和行酒令，如此具有文化内涵的业余生活，好不热闹，令人神往!

《唐人宫乐图》

唐 作者不详 唐人宫乐图卷 8.7cm× 69.5cm 台北故宫博物院藏

《唐人宫乐图》描绘了唐朝宫中女眷宴饮行乐的场面，画中共有十二位宫廷美人，她们环案而坐，各自吹奏畅饮，展现才艺，好不热闹。画面以巨型方桌为中心，活动内容分为品茗、奏乐和行酒令三部分。

画面中绷竹席的长方案、腰子状的月牙几子、饮酒用的羽觞，还有琵琶横持，并以手持拨子的方式来弹奏等，均与晚唐的时尚相侔。

《唐人宫乐图》(局部，右下)

右侧画面，从近至远坐着三位仕女，坐姿各不相同。第一位坐在四足方凳之上，第二位与前一位相对而坐，她左手扶着凳，右手端着碗，身体侧扭向外。

《唐人宫乐图》(局部，右中)

第三位仕女端端正正坐在桌案边，她正专注地用茶杓从茶釜中盛茶汤，分入茶盏以备饮用。茶釜放置于桌案中间，茶杓的柄杆大约有一臂之长，方便使用。茶盏为碗状，有圈足，便于把持。

《唐人宫乐图》(局部，正上方)

上半部分画面为奏乐助兴，共有五人参与，自右而左，分别演奏筚篥(bìlì)、琵琶、古筝、笙等，管弦乐器兼有。

《唐人宫乐图》(局部，右上)

右起第一位女子吹奏筚篥，她双手执管，满目深情。筚篥也称管子，在胡笳的基础上发展而成，是古代流行于我国北方的一种吹管乐器。

《唐人宫乐图》(局部，正上方)

画面正上方第二位仕女弹奏琵琶，她横抱琵琶，左手执柄，右手直握着拨子，正在认真深情地演奏。她横抱琵琶的姿势以及用拨子演奏的方法，与现在极为不同，这是晚唐之前流行的琵琶弹奏方法。

《唐人宫乐图》(局部，左上)

第三位弹奏古筝，一手按弦，一手拨弦，很是自得。她身着红裙，头戴花冠，神情专注，完全沉浸在所演奏的音乐里。

《唐人宫乐图》(局部，左中)

第四位吹笙，她双手握着笙斗，嘴型微动，正在送气。笙是我国汉族古老的吹奏乐器，春秋战国时期已非常流行。1978年，湖北省随县曾侯乙墓出土了2000多年前的笙，是目前发现的最早的笙。

《唐人宫乐图》(局部，左上)

在这几位深情演奏的同时，旁立站立的侍女中，还有一人轻敲牙板，为她们打着节拍。

她们演奏的音乐颇为动人，吹笙者旁边那位头戴花冠的仕女，轻摇团扇，面向奏乐者，倾心而听，俨然一副陶醉其中的神态。

《唐人宫乐图》(局部，左下)

在画面的左下角，有两位女子像在行酒令。外面这名女眷虽然左手已经扶着几案，右手仍然送杯入口。身后的侍女或许担心她会喝醉，已经上前轻轻搀扶着了。

画中人物的发式，有的发髻梳向一侧，是为“坠马髻”，有的把发髻向两边梳开，在耳朵旁束成球形的“垂髻”，有的则头戴“花冠”，凡此，都符合唐代女性的装束。

《唐人宫乐图》(局部，正下方)

画面最前方，有一只小狗和两只方凳。小狗安静地蜷卧在桌底下，像是被音乐打动了一样。两只四足方凳上面覆以大红花丝绸坐垫，色彩艳丽，十分抢眼。

《唐人宫乐图》(局部，左下)

这件作品原本的签题标为“元人宫乐图”，但其所绘内容却是唐代的景象，故而实为《唐人宫乐图》。图中所绘绷竹席的长方案、腰子状月牙几子等器物均与晚唐的时尚极为相合。

释文丨

玉露凋伤枫树林，巫山巫峡气萧森。

江间波浪兼天涌，塞上风云接地阴。

丛菊两开他日泪，孤舟一系故园心。

寒衣处处催刀尺，白帝城高急暮砧。

释文丨

千家山郭静朝晖，日日江楼坐翠微。

信宿渔人还泛泛，清秋燕子故飞飞。

匡衡抗疏功名薄，刘向传经心事违。

同学少年多不贱，五陵衣马自轻肥。

释文丨

闻道长安似弈棋，百年世事不胜悲。

王侯第宅皆新主，文武衣冠异昔时。

直北关山金鼓振，征西车马羽书驰。

鱼龙寂寞秋江冷，故国平居有所思。

残荷画法(一)

第一步：用淡墨调赭石色画叶子，这是已经干枯卷曲的叶子，将之分成三组，上部与侧部都是叶子的反而，用淡墨调赭石画，下部是正面下垂的叶子，所以用重些的色墨画，然后，顺势勾叶脉。

第二步：画残荷时，荷梗比较多，多大呈下垂状，但其残败程度不一样，各自的表现也有区别，有的残败是刚刚开始，还比较挺立，有的则完全残败，画荷梗要注意线的横竖穿插。

第三步：在横出的荷梗顶部，用淡墨加赭石画一片卷曲下垂的枯叶，顺势用重一些的色墨勾叶脉。

第四步：用淡墨加赭石画右下角的背景垂叶，在还挺立的荷梗顶端画一枝莲蓬和三片没有垂落的花瓣，莲蓬用中墨勾形，花瓣用点厾法，用重墨勾点蕊，用浓墨画水草，用干一点的重墨画两只鸭子完成。

注：此作提及的是画面物与物之间的虚实关系，荷花用色墨画得较虚，鸭子和水草用重墨画得比较实，这样虚实对比，显出了空间的层次。

残荷画法(二)

第一步：用重墨画开裂、断裂、下垂的荷盖和后边的叶子，顺势用浓墨勾叶脉。

第二步：用重墨画荷梗。

第三步：用淡墨画花头、莲蓬，浓墨点花蕊，花头的花瓣，因为只是残荷，只有几瓣，显露出莲蓬和花蕊，花瓣较敞开，两边的花瓣不相同，预示着这几瓣花瓣很快也要落了。

第四步：用淡墨调赭石画背景荷叶，用浓墨画前面的水草，干了以后用淡墨调赭石色染一下第一片叶子和花头、莲蓬。等画面全干了以后，用朱砂色复勾水草，以表现被霜打过的红色水草。

上升式画法(一)

第一步：用浓墨，边勾边厾画荷盖叶。

第二步：画荷梗和画荷花，荷花用淡墨勾画，然后用色来勾纹路。

第三步：画荷花花朵背景的荷叶。

第四步：用草绿色染叶与水面的绿色。

注：初学画时用笔容易出现生、简单、板滞的毛病，这是一个过程，只要经常练习，从整体出发，从大局入手，增加用笔的起伏、提按，缺点就会逐渐得到克服。

上升式画法(二)

第一步：用淡墨勾花头、花苞。

第二步：用浓墨画荷梗。

第三步：浓墨画水草，方法可参考兰叶的方法。

第四步：用重墨画前面的苍鹭，先从眼画起，接着画嘴、勾头，用浓墨画背，勾翅。前面的苍鹭画好后，用淡一些的墨画后面的一只，并与前面的一只成交叉状。画荷叶的方法，可采用半写实半抽象的方法，概括性的表现，增加与前景、写实景致的虚实对比。

老缶自言学画较晚，但在书法金石的根基扎实上，复得师友之间的任伯年点拨，其画势具后来居上之势。本册写于1905年，在昌硕书画创作历程中，或可归入初踏成熟期的作品。较诸晚岁之老辣恣放，如铁笔刻凿之刚猛遒劲，则大异其趣。若论用笔之明快流畅，敷色之秀润鲜丽，隐然可见任伯年影响之痕迹，惟纵放豪迈之气度则过之。其表现重点非全然置于追求状物逼真，而更着眼于自然神韵的捕捉，从中流露了个性感情的抒发。

册中十二开，设色为主，水墨居辅，分取牡丹、兰花、枇杷蒲草、荷花苇草、桃实，茶壶幽兰、竹石、芍药、菊石、荔枝、白菜、杏花入画，未有连贯性或季节性顺序编排，全是信手拈来，可谓兴到笔随，毫无刻露的设计摆布。故构图布局简约清雅，无冗赘繁琐，纯率性而为，极得飘逸之韵致，恰好是画家文人本质的流露。题跋中多配诗咏物为之，偶有提及前人，如张镠，如陈鸿寿，无论是朱漕帅，又或张十三峰，毕竟全是缶老融汇前人技法下的自我面貌呈现。用笔灵活流转，色墨渲染光润剔透，堪称悦目耳!

扉页乃缶老题于册成后八年的癸丑年底，即1913年，日本册为“同社子祥购得”，按是年乃昌硕获西泠印社推举为第一任社长，册端署签者楼村亦西泠中人，故称子祥为“同社”，应属西泠社员。册上具“今藏张氏寿芝阁”、“张子祥鉴藏书画章”藏印，可知藏者即张子祥，但与海派的张熊并非一人，详情待考。惟在支那〈南画大成〉早经著录，足见流传有绪，质量、水准如何，当年多位日藉巨眼之判断品评，早有定案耳!