正月是农历的元月,古人称夜为“宵”。正月十五日是一年中的第一个月圆之夜。这个一元复始、大地回春的夜晚,也被称为“上元节”。按中国民间的传统,在这皓月高悬的夜晚,会合家团聚赏月、燃灯、吃元宵。

其实,正月十五最早不叫元宵节,而叫上元节。这得从中国道教说起,道教文化的核心之一是“三元”神说,所谓“三元”,即上元、中元、下元。这“三元”都是神官,上元是天官,中元是地官,下元是水官,生日分别是:上元正月十五,中元七月十五,下元十月十五。在古代,逢“三元”生日,都要举行盛大祭祀活动。直到宋代,关于上元节民俗的记载,也找不到吃的元宵。我们吃的元宵,到了宋末才出现。

按照民间的传统,北方人在这天讲究吃元宵,南方则吃汤圆。两者最大区别在于制作方法:汤圆用糯米粉加水和成面,再加馅包制而成,元宵是直接用糯米粉一层层滚出来。如今的元宵,花样繁多,口味丰富。然而,在上世纪贫瘠的年代,一包元宵就是最美好的记忆,尽管做元宵的馅相对单调,仅仅只有核桃、花生、芝麻等有限的几种,有些甚至还略微发硬,却足以让唇齿留香多日。淡淡的糯米香,热气腾腾的乳白汤汁,原始的香味,往往让人回味无穷,至今想起,仍会口齿生津。人心灵中最深的记忆,一定是简单和单纯。

中国人在每一个节气中,都有约定俗成的物象推波助澜,渲染氛围。当然,属年的物象最多,鞭炮、年画、春联、糖果、饺子等。元宵节中也有很多,然而就食物而言,元宵和汤圆几乎就是专宠。各种口味的元宵或汤圆,代表着不同地区人们的饮食喜好和心情。元宵和汤圆虽有差异,也是大同小异,本质相同。这就是中国文化同源共生的特点。无论是元宵还是汤圆,都预示着团团圆圆,热热闹闹。俗话说,过了元宵节,才算过完了年。一切情绪和气氛慢慢变得平淡,直至归于平静,这也见证了生活是一个永不停息的轮回。

单纯地吃元宵或汤圆,自然比不上亲自下厨来煮。当看到元宵或汤圆在沸腾的水中翻滚,就会想到平常人奔波的生活。如今想来,洁白的元宵与粗笨的黑锅形成了鲜明的黑白对比,加上芝麻汤圆,令人印象更深刻,白皮黑馅又是一层黑白对比,就会让人立马想到书法,同样是黑白的世界。古人专门在元宵节当天或前后几天,写下几行字,将时间记得清清楚楚,许多年之后,仍然可以想象到当时的情境,这是何等的美妙。活在当下的书家,也不妨在元宵节的晚上,出门走走,领略“人约黄昏后”的意境,回家后泼墨挥毫,给远方的亲友留下好书数行。

1a元 杨维桢

杨维桢册页《元夕与妇饮诗》,纵28.7cm,横57.3cm,美国王季迁旧藏。

全篇真、行、草相杂,行草中多带入章草笔法和结体。下笔力透纸背,老辣之甚。字形大小悬殊,章法跌宕起伏,似乱石铺街,全篇有一种跳荡、激越的节奏,气势豪放雄宕,狂怪清劲。

杨维桢(1296-1370),字廉夫,号铁崖,晚年自号老铁。元末明初著名诗人、文学家、书画家和戏曲家,与陆居仁、钱惟善合称“元末三高士”。最富特色的是古乐府诗,史称“铁崖体”,极为历代文人所推崇;书法以行草最工,笔势开张,用笔放荡不羁,结体诡异而不可预料,与赵孟頫等人拉开距离,墨迹多见于书札及书画题跋。

释文:元夕与妇饮 问夜夜何其,睠兹灯火夕。月出屋东头,照见琴与册。老妇纪节序,清夜罗酒席。右蛮舞袅袅,左琼歌昔昔。妇起劝我酒,寿我岁千百。仰唾天上蜍,誓作酒中魄。劝君饮此酒,呼月为酒客。妇言自可听,为之浮大白。

老妇曰:“人言天孙思妃,不如月娥守孤。”不知羿妇相弃以犇,曷若织女相望以久久也。录呈子刚节判宗唐秋官一笑,竹林先生见此,烦缮写一本到秋官牙,仍要光和见教。老铁桢再拜。

2a明 董其昌

董其昌跋王羲之《兰亭序》(天历本)。其小楷极为罕见,出入晋、唐、宋、元诸家,尤其得力于米芾,融合了一些行书笔意,化裁一家。笔法极其严谨,功力深厚,可以看出是下了极大功夫的。最可贵的是,没有当时流行的程式化馆阁体的陈腐之气。

董其昌(1555-1636),字玄宰,号思白,谥“文敏”。明代具有代表性的书画家。书法出入晋唐,自成一格,兼有“颜骨赵姿”之美。倡“南北宗”论,为“华亭画派”杰出代表。

释文:万历丁酉观于真州吴山人孝甫所藏,以此为甲观,后七年甲辰上元日,吴用卿携至画禅室,时余已摹刻此卷于鸿堂帖中。董其昌题。

3a明 董其昌

董其昌临米芾《天马赋》册页(局部)。此时功力已登峰造极,随心所欲,不为范本所限,名为临,实是自抒胸臆。世人皆言董其昌淡墨氤氲,实际并非完全如此,此册页便是浓墨重彩。笔法灵动细腻,结字疏密有致,飘逸多姿。

释文:余从长安购得米元章帖,不类刻本,展玩弥日,乘兴临此,殊有合处。时甲戌春正上元日也。八十翁董其昌识。

1a他是一代山水画大家,也是著名书画大师启功的老师

2a吴镜汀(1904—1972)、

他的作品功力深厚,风格飘逸俊秀。3a 5a 4a

 

他前半生的作品多以细笔设色,综合运用古人画法,根据自己的体悟,形成了清劲有力的画风。

6a7a解放后吴镜汀遍游名山大川,力图以写生求变化,他后期的作品更注重场景气氛的刻画,笔墨着色上绚丽悦目,有时用没骨法,有时用泥金勾勒、金碧罩染,别有一种韵致。

8a9a10a吴镜汀一生潜心山水画,只知埋头在山水画上用功夫,不事张扬,不求闻达,与世无争,虽然他曾担任过中国美协理事、全国人大代表、北京画院副院长等职务,但都是被动的,不得已的.

11a12a13a他性格内向,不擅交际,寡言少语,常为这些挂名职务于心不安.他是北京中国画院(现北京画院)首批聘任的老画师,曾是当今著名书画家启功、孙奇峰的老师.他在1972年去世时年仅68岁,如果没有十年浩劫,他定会长寿,艺术生命也会长得多,还会创作出更多的传世精品.

第一法:狸猫换太子法——把伪作掺杂入真画集

“狸猫换太子“的手法,就是几页真画,再夹杂几页伪作,再几页真的,掺杂几页伪作……现在,陆俨少的画作最少也要十万元一平尺,至于画册出版过的,更要达到几十万每平尺。造假者的暴利,可想而知。

1a第二法:出其不意法——伪造画家早期作品

这是近年才出现的一种新动向。怎样才能蒙住这些行家?造假者把视线转向了画家的早期作品,那个时候,画家的艺术风格还未成熟,他的作品也很少被人看到,包括画家家属都很容易在这样的作品面前“傻眼”。

2a第三法:异地造假法——到北京造新金陵名家的假

拍卖有一定的地域性。比如,北京的书画市场,对于新金陵画派画家的作品就缺少鉴别力,很容易受蒙蔽。所以,在北京的拍卖会上,更容易出现新金陵名家的伪作,因为当地对他们的研究远不如江苏充分,经手的也比较少。同样,在江苏造关山月、黄胄等画家的假,也是比较常见的。

3a第四法:自由创作法——造假造得挥洒自如

造假中,最容易识别的就是临摹——依样画葫芦法。高级的仿假,就是用你的笔法、用你的精神,他对你的创作风格揣摩已久,最后能达到自由挥洒的境界,完全能够不局限于某张画过的画,画出来很生动,不呆滞,有脱稿创作的成分,就像张大千仿石涛,很难分出真假,最难辨别,因为这是一张全新的作品。”只有功力到家、水平到位的鉴定家,才能不被这样的仿作所迷惑。

4a第五法:借鸡生蛋法——照着真迹下“蛋”

此类手法就是买来一幅真迹,再照着真迹下一个一模一样的“蛋”。这已成行内的一种恶习而现代技术的发展更为“下蛋”提供了技术支撑,他可以将原作复印后对在宣纸上,对着描,这样下的“蛋”可以与原作不差分毫。

5a第六法:改款割款法——小名头换成大名头

这种手法比“下蛋”更具欺骗性,做出来的是“非常厉害的假画”。一般是把二流画家的款裁掉,换上一流名家的款,由于是同时代的画家,笔墨水平也不差到哪里,所以很难让人区别。

话说人物画界江湖以长江为界,主要分为两派——北方的“京派”与南方的“浙派”。

1a“京派”大本营在北京的中央美术学院。中央美院的教育体系一直为“京派掌门”徐悲鸿所左右。解放后,实际上只存在“南潘北徐”两大教育体系。因为时代的需要,“京派”和“浙派”曾领导一个时代的潮流,在美术史上产生过巨大的影响。这两派貌似相同,实际上是不同的,在很多方面是相反的,而且两派的指导思想也是完全不同的。

2a“浙派”的大本营在浙江美术学院(今改称中国美术学院)。原为国立艺专,创始人是蔡元培和林风眠。林风眠曾为实际“掌门”,后来换了很多“掌门人”,其中有潘天寿。他们两人的观点不一致,林风眠要“调合中西”,潘天寿要“拉大中西距离”。解放后,林的影响虽在(实际也没有影响了),但其教育思想对这个学校已完全不起作用了,代之而起的是潘天寿的教育思想和体系。

“京派”以“掌门人”徐悲鸿的艺术思想为理论基础。徐悲鸿提倡“写实主义”,又说:“素描为一切造型艺术之基础。”因而,“京派”的人物画都是以素描为基础的。大部分画家是用“干笔”贼擦出素描效果,着色也要达到素描效果。

3a徐悲鸿 《立马图》

对“京派”产生较大影响的画家还有“左护法”蒋兆和,其次是“右护法”叶浅予。蒋兆和是“京派”的核心人物之一,他的人物画也是用素描法。他的人物形象是用线勾后,先用干笔妓擦,再用湿染,最后着色。他用墨更多、更重、更大胆。他虽用素描法,但敷擦见笔,更加生动,而且笔笔写出,更近于中国传统。

4a蒋兆和 《杜甫》

“左护法”叶浅予是画速写的,严格地说,他不算“京派”,他是浙江人,但也不算“浙派”。他指导过“京派”学生创作,所以,对“京派”的勾线法多少有一点影响,但影响不太大。

5a叶浅予 《荀灌娘》

“京派”的重要成员还有李斛、李琦、卢沉、周思聪、姚有多、杨之光等人。

6a李斛 《人物》

7a李琦 《主席走遍全国》

8a卢沉 《机车大夫》

9a周思聪 《人民和总理》

10a姚有多 《新队长》

11a杨之光 《一辈子第一回》

见识完了“京派”武功,接下来我们来看看“浙派”功夫。“浙派”的“掌门人”是潘天寿,但潘天寿只组织和指导,自己不画“浙派”人物画。“浙派”更具传统,更活跃,更讲究笔墨效果,都是潘天寿具体指导的结果。“浙派”人物画虽然利用西画式的造型,但不用或极少用干笔效擦,只在眼窝、鼻翼等处用湿笔一点,然后着色。“浙派”画家着色和画衣服的线条及大笔墨都来自写意花乌画的笔法,面及手部着色也有空白处,但这空白处是“见笔”而不是留高光点。当然有时“见笔”处也正与光亮处合。作大笔墨衣服,犹如花鸟画中的石头、荷叶或树叶等。因而,“浙派”强调传统笔墨,强调“写”,少用“擦”,尤其不用干笔擦出素描感。

在潘天寿的指导下,浙派人物画的重要人物有:方增先,周昌谷,李震坚和吴山明。

12a方增先 《粒粒皆辛苦》

13a周昌谷 《两个羊羔》

14李震坚 《易安思词图》

15吴山明 《叶圣陶先生》

“京派”人物画以素描为基础,用“干笔”画出素描效果,用型重,用笔严谨,气势较大,分量亦重。“浙派”人物画用“湿笔”,借助大写意花鸟的方法,画出秀润、清淡、水墨淋漓的效果。“京派”画一般说来多严肃规正,“浙派”画一般说来多趣味、潇洒。“京派”和“浙派”影响都很大,五十至七十年代,两派充塞中国画坛,人物画家不师“京”,即师“浙”,或者“京”“浙”同师,成为中国人物画的两大主力。

过年回家遇到一个十多年没见面的朋友,不算太熟的那种,打招呼的时候他说:兄弟,你还欠我一幅画。

我什么时候欠他一幅画呢?

其实这样说我欠他们的画的人还真不少了,细数数得有三五十人。

现在的人一见到画家吧,就说别人欠他一幅字,欠他一幅画。

有更牛的人,拉着你说你什么时候状态最好的时候给我画一幅。

那神情,还不会要你的应酬之作,给他的还必须是经典之作。

书画家们几十年如一日挑灯夜战,也不说为了艺术牺牲了多少其他爱好,至少得尊重我们的劳动成果吧。

为你写字画画,还得倒贴纸和墨。你凭什么啊?

索画者,古已有之,及今渐盛,人已不以为怪,反以不予画者为怪。世之咄咄怪事哉。索画者往往若无其事、大言不惭,每言必“此画送吾乎”,“此画吾喜爱尤甚”,“君尚欠吾精品一幅”,“吾之新居尚留墙待君之画耳”……其言下之语气如对自家物、自家仆般之意满志得、探禳取物、不容推却。作画者之不满与愤懑却无从表达、泄发。

索画者却说,我喜欢你的画、你就得高兴地让我喜欢、让我拿。呜呼,难道我喜欢女明星我就得让她高兴地让我摸一把么?对任何人的尊重、对任何人劳动的尊重应该是人际之首重,而非你喜欢而我并不喜欢的强迫症发作。

上面是大多数书画家都会碰到的问题,

那么他们为什么不轻易赠人作品?

1a1 | 画作难免有瑕疵

随着水平的提高,画家对自己的作品要求越来越严。国画的特点是只能有“加法”,不能有“减法”。即每落一笔,就不能将它从宣纸上去掉。于是稍不留意,就会出现“败笔”。有时,画一幅画花了好长时间,突然一笔画坏了,咋看咋不舒服,但又无法将它抹掉,前功尽弃,真是烦恼极了。如果一幅画从头到尾不出现败笔,真如“叫花子拾金—-满心欢喜”。可惜,这种机会不多,往往一幅画要重画多次,才能满意。这样得来的作品,更舍不得送人了。于是出现这样的情况:有瑕疵的画拿不出手,满意的作品舍不得送人。(据说,每个画家每年都要烧掉一些有瑕疵的画,这些画是既不能卖、也不能送人的,只好烧掉。)

2a2 | 画一幅画的“成本”较大

以画一幅六尺宣纸的画为例,完成这张画,一张纸最少要七元(质量好的纸一张要十几元或更多),颜料钱约三到五元,花鸟画一般要花两天时间,山水画要花四天时间。举个例子,以现在农民工工资标准每天四百元,这样,不算长时间学画投入的“培训成本”,只算眼前最基本的“物质成本”,完成一张画也要花费千元左右,如果是工笔画,往往一幅画需要半个月甚至一个月才能完成,这还是以“一次性成功”来计算的,如果因出现败笔而返工,成本就要大大增加。想想这个成本,要送人,不是件轻而易举的事。

3 | 画画费脑力,也费体力

画一天,真的很累,如果我们请一个小工做点体力活,如搬煤、运白菜之类,干一次也要付对方上百元;如果请人写一篇文章,也要自觉地送人几千元。不然从心里感到对不起别人。但要求送画的朋友不会这样想,他们认为画画不费气力,是件好玩的事,所以得画后往往心安理得,很快就忘了,不会考虑绘画者付出的劳动。得画后也不会珍藏,请人简单装裱一下,挂在家里,两年后,就坏了,然后毫不犹豫地丢掉。

有画家曾经在垃圾堆里看到过当年赠给朋友的一幅画,这使辛苦作画的画家很苦恼,觉得自己的劳动没有价值,连一个干体力活的农民工也不如。因此,更不愿送画了。

4 | 画作的实际价值

有不少书画家就以销售书画为生,养家糊口,收藏家们真金白银花钱买了作品,如果白送给你,你一分钱没花,这对于收藏家们来说极不公平,如果被收藏家知道画家竟然免费赠送作品,这等于得罪了收藏家们,你没有花钱购买,也很有可能低价转手出售,这对于书画家正常稳定的价格体系等于是致命的打击,会让收藏家们望而却步,这对书画家的事业生涯来说可谓自断前途。

书画家们一般为了顾及你的颜面,很少直接明白的拒绝你的要求,大多会以“最近忙,没时间画”,“今后再说吧,我记着了“……等等话语应付你,如果你还不懂其中的意思,就只能说是情商欠缺了。

3a5 | 当代画作的名人效应

上了年纪的“非著名画家”,想到那些著名画家,仅一幅画就能卖出几十万甚至几百万元,而自己辛劳一生,画的画没价值,越想越沮丧。这时,即使有人向他买,钱少了他也不愿,何况要他白送!

6 | 画要拿得出手

一般要20–30年的功夫,不要光看着成手了,画幅画就一天半天的功夫。而之前这二三十是没有收入的!且要勤奋过得也很辛苦,那么农民的产品是粮食,每一粒他们血汗的结晶,你能背着她一袋子粮食就走吗?书画家的产品就是字画,也是他们血汗的结晶。那么你为啥要求他们白送?你凭什么?如果真的喜欢。请拿出人民币来尊重一下他们的劳动。用您的血汗钱来购买书画家血汗的结晶。那是应该的。

4a7 | 再就是没完没了的索字画

要了也给了。过一段时间又开始第二轮的索画。第三轮······给亲戚要。画家还常常听到的话就是:xx老师你还欠我一幅画。无语了。你说画家凭啥就欠你的了?劳动付出就应该得到相应的报酬,没有人会走进商店说这东西送我吧,但经常会有人对书画家说,送我幅字画吧,这不尊重他人劳动的表现,就是人品欠缺。

因此,画家没特殊情况一般不赠画;画家也决不会要求同行无偿赠画。在此,要真心地对所有朋友们说:请别让画家为难。

作画者,世上之最可怜虫也为得绘画之理想,经年累月,抛家弃子,熬更打夜,殚精竭虑,呕心沥血,耗资尽银,尚且未必有所正果,遇有豪抢强夺则无异于天灾人祸矣,已所不保,哪还有精力和毫银上孝父母、下育幼童,更何况回馈社会、发达文化呢?作画者,外人以为终不过一技术手艺耳,其哪知张张画作实为一段生命、一堆心血亦不为过。作画者之生命,画一张即少一曰,人不惜之、吾必自惜,人不重之、吾必自重。白索之画,人不以为贵反以为贱; 索画之人,自以为贵,而吾必贱之。

1a康有为《行书云鹤神鸾五言联立轴》 纸本行书 170cm×43cm×2

释文:云鹤有奇翼,神鸾调玉音。

题识:润臣仁兄,康有为。

钤印:康有为印(白文)、维新百日出亡十六年三周大地游遍四洲经三十一国行六十万里(朱文)

2a康有为(1858-1927)

又名祖诒,字广厦,号长素,又号长素、明夷、更甡、西樵山人、游存叟、天游化人,晚年别署天游化人,广东南海人,人称“康南海”,清光绪年间进士,官授工部主事。出身于士宦家庭,乃广东望族,世代为儒,以理学传家。近代著名政治家、思想家、社会改革家、书法家和学者,信奉孔子儒家学说,并致力于将儒家学说改造为可以适应现代社会的国教,曾担任孔教会会长。著有《康子篇》、《新学伪经考》等。

康有为在书法艺术方面所作的贡献,绝不比他在政治舞台上的作为逊色。他是继阮元、包世臣后又一大书论家。他于光绪十五年(1889年)所著的《广艺舟双楫》从理论上全面地系统地总结碑学的一部著作,提出“尊碑”之说,大力推崇汉魏六朝碑学,对碑派书法的兴盛有着极其深远的影响。他以晚清书法巨子身份,对帖学一系作全面否定,大肆鼓吹“尚碑”意识,造就一代新风,提出“卑唐”,将有唐数百年来书家创作一笔抹杀,终觉太过偏激。大凡有成就的理论家很难成为创作大家,因为理论和实践之间既有相辅相成的一面,也有相矛盾对立的一面。理论需要冷静的逻辑分析,创作需要发自心胸的激情,理论强调公正,创作必须“偏激”,才能显现个性的建立。自古以来,象孙过庭、苏轼和米芾这样的理论实践均有极高造诣的双栖人物极为少见。康有为振聋发聩的理论是为自身创作服务立言。以他在政坛上曾经叱咤风云而最终遭惨败流亡的情况看,以胸中郁勃不平之气作书,不会倾心于柔媚一路的赵董一流,也是情理中的事。况且在他出生之前,碑学的发展已是风起云涌。康有为不能容忍帖学的存在,即使象赵之谦这样以帖写碑的人都逃脱不了频频讥讽,而他却对张裕钊则大加称赞,不惜抬举到“国朝第一”的高度,他的偏激之处由此可见,同时也说明,他的偏激也造成了很多的失察之处,但必须辨证地看,正是他的偏激使碑学发展达到了崭新的历史高度。

就康有为的创作而言,对《石门铭》和《爨龙颜》用功尤深,同时参以《经石峪》和云峰山诸石刻。书写上以平长弧线为基调,转折以圆转为主,长锋羊毫所发挥出的特有的粗茁、浑重和厚实效果在他书作中有很好的体现,迥然异于赵之谦的顿方挫折、节奏流动,也不同于何绍基的单一圆劲而少见枯笔,这是他的别开生面处。至于线条张扬带出结构的动荡,否定四平八稳的创作,也是清代碑学的总体特征表现。就创作形式上来说,以对联最为精彩,见气势开张、浑穆大气的阳刚之美。逆笔藏锋,迟送涩进,运笔时迅起急收,腕下功夫精深,从中也可以看出康有为的运笔轻视帖法,全从碑出。转折之处常提笔暗过,圆浑苍厚。结体不似晋、唐欹侧绮丽,而是长撇大捺,气势开展,饶有汉人古意。也有人认为这是表面上虚张声势的火气,潘伯鹰先生评说康有为的字“象一条翻滚的烂草绳。”认为康有为线条没有质感,滥用飞白,显得很虚浮。康有为在笔法上力倡圆笔,反对方笔,这是造成他笔法单调的一个很重要的原因,常常起笔无尖锋,收笔无缺锋,也无挫锋,提按不是很明显,线条单一,缺少变化。粗笔时见松散虚空,不够凝敛紧迫,当是一病。用墨上缺少变化,表现形式不足,起笔饱蘸浓墨,行笔中见飞白,仅此而已。从他的中堂作品来看,章法方面落款常有局促之意,这是对帖学否定所致,实质上他早年日课,还是以欧虞为主的。

综合来看,康有为的《广艺舟双楫》发动了近代书法领域内的一场深刻的“变法”运动。相比较而言,他的书法创作胜过阮元和包世臣,但就他自身而言,创作和理论成就相比,还是有段差距,他并不是最杰出的碑学实践者。

1a梁实秋,原名治华,字实秋,1903年1月6日出生于北京,浙江杭县(今杭州)人。笔名子佳、秋郎、程淑等。中国著名的散文家、学者、文学批评家、翻译家,国内第一个研究莎士比亚的权威,曾与鲁迅等左翼作家笔战不断。一生给中国文坛留下了两千多万字的著作,其散文集创造了中国现代散文著作出版的最高纪录。代表作《莎士比亚全集》(译作)等。

2a中国的书法和画法一样,在世界艺术史上独树一帜,有极特殊的造就。但是也和画法一样,其前途是颇可虑的。

艺术创造离不了工具,中国字需要用毛笔写,需要用墨,需要用手制纸。这些年来,这些用具的制造已告衰退,写字的人也不考究笔墨纸张了,由学校出身的人,用钢笔、自来水笔的时候多,使用毛笔往往觉得为难了。

写中国字,需要若干年功夫,方得横平竖直,再加若干年的临摹体会,方能希望有一点风格,至于写到不俗,那就要看个人的资质如何了。由学校出身的人,哪里有那么多闲工夫写字?社会生活如此忙迫,哪里有兴致欣赏书法?

所以中国书法,至晋唐而登峰造极,厥后虽历代有名家,究竟不得有更高的造诣,至于晚近,遂急剧衰落。其主要原因乃社会性质之根本的改变。所谓士大夫阶级,所谓文人雅士,根本衰落了。其所拥有的艺术之一——书法,当然也只好跟着式微。譬如瓷器,从前多少名窑在争奇斗妍,如今只好在博物院里陈列着供人欣赏了,中国书法的前途是不是也要和瓷器一般的无望呢?这很可虑。

3a我觉得我们应该更有意地把书法当作是一种艺术来看,这便是挽救书法的颓运的一线生机。过去的书家,与其说是由于艺术的自觉,毋宁说是环境的产物。因为过去所谓读书人,人人都有书法的基本训练,引动天才,遂称名家。我们以后要改变一下态度。要把书法当作一种艺术去培养,因为大量的具有书法基本训练的读书人既不可复得,便只好有计划的培植有志于书法的艺术天才,使他们在书法上用几十年的功夫,就像音乐、国画一样,或者还可以维持这种特殊的艺术于不坠。

1a米芾《逃暑帖》纸本 行书 纵30.9厘米 横40.6厘米 美国普林斯顿大学艺术博物馆藏2a 5a 4a 3a

释文:

芾顿首再启。芾逃暑

山,幸兹安适。人生幻法,中□

为虐而热而恼。谚以贵□

所同者热耳。讶挚在清□之

中,南山之阴。经暑衾□

一热恼中而获逃,此非幸□。

秋可去此,遂吐

车茵。芾顿首再启。