清代著名国画大师孙温用36年的时间,熬尽一生心血工笔重彩绘制的230幅巨幅图画,现存藏于大连旅顺博物馆,2004年在国内首次展出,引起世界性的轰动。大型《红楼梦》电视剧人物服饰、室内布景、室外布景均参照孙温图画设计。其中,新版“红楼梦电视剧”剧照,用的就是孙温的230幅图画中的一幅。

孙温,生于1826年,据考证,孙温系河北丰润人,字润斋,号浭阳居士。在其所绘《红楼梦》于2004年展出之前少有人知。从画上的题款中得知,该画成于同治丁卯(1867年)至光绪癸卯(1903年)年间。从第一百十二回左下角题有“七十三老人润斋孙温”,可断他35岁左右开始绘制此画,尔后历经36载完成。

《红楼梦》作为中国文学史上家喻户晓,老少咸知的名著,从流传之日起便是众多画工心仪的绝佳题材。两百多年来,为《红楼梦》所绘的备类插图,以《红楼梦》中人物为蓝本的肖像系列,受《红楼梦》启发而创作的各类美术作品真是汗牛充栋,不计其数。

然而,真正像孙温所绘《全本红楼梦》这样的出类拔萃之作却是屈指可数。从涵盖全书囊括主要情节而言,从对人物形象的理解和想象而言,从对细节的精确描绘而言,从艺术表现的完美程度而言,《全本红楼梦》可毫不夸张地应列为两百年来的夺冠之作。

据现仅有的一点史料考得:孙温为河北丰润人(即今日的唐山地区),出生于嘉庆年间,生活在同治、光绪年间。

《全本红楼梦》是他尽毕生之力留给后世的唯一巨制,而他本人毕其一生都不过是混迹于市井的无名画师。故此今天我们已无从对他有进一步的了解。

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在近些年的艺术市场上,作为海派后期的大师级人物,吴昌硕画作的市场价格,与早已跻身亿元俱乐部的齐白石、张大千画作相比,并不算耀眼,更不符合其在艺术 史上的地位。那么,究竟为何会出现这样的情况,吴昌硕与齐白石、张大千三者在绘画艺术上又有着怎样差异呢?带着这些问题,中国文物网于近日采访了著名中青 年书画家、书画评论家张俊东,他对于三人的绘画艺术有着自己的看法。

在近些年的艺术市场上,作为海派后期的大师级人物,吴昌硕画作的市场价格,与早已跻身亿元俱乐部的齐白石、张大千画作相比,并不算耀眼,更不符合其在艺术史上的地位。那么,究竟为何会出现这样的情况,吴昌硕与齐白石、张大千三者在绘画艺术上又有着怎样差异呢?带着这些问题,中国文物网于近日采访了著名中青年书画家、书画评论家张俊东先生,他对于三人的绘画艺术有着自己的看法。

1吴昌硕、齐白石、张大千

齐白石比吴昌硕更“接地气”

吴昌硕作为上个世纪四位中国画大师之一,在绘画艺术史上具有继往开来、开宗立派的重要地位。在艺术水平上,至今都难有人能够望其项背。可是,在当前的艺术品市场上,吴昌硕作品和齐白石、张大千的作品相比,价格却相对有些偏低。在张俊东看来,之所以出现这种情况,恰恰说明在当前的艺术品市场上,一个艺术家的艺术水平和其作品在艺术品市场上的行情,其实并没有真正地统一起来。也就是说,市场是市场,艺术水平是艺术水平,两者之间很难做到完全成正比。所以,张俊东认为吴昌硕作品在市场上的行情,并没有与其艺术水平、艺术影响相匹配。

那么,为什么齐白石、张大千的画作要比吴昌硕的画作卖得贵呢?首先来看齐白石,张俊东记得曾经看过一份统计数据,有人在广州做过一个调查,看看现当代这些书画大师们,谁在老百姓当中的知名度和影响力最高。结果排在第一位的是徐悲鸿,排在第二位的是齐白石。像吴昌硕这样的艺术家,老百姓知道的很少,从这一点能够看出什么呢?张俊东指出,齐白石之所以能够成为中国绘画大师,是有多方面的原因,而其中很重要的一点,就是齐白石真正做到了雅俗共赏。什么叫雅俗共赏?就是在专业圈子里,专业人士都认为齐白石画的好;老百姓一看,也觉得齐白石画的好,这就做到了雅俗共赏。吴昌硕画作只做到了让专业人士认可,老百姓的认可程度却没有齐白石画作那么高。而这也正是齐白石画作的价格能够在市场上一直居高不下的一个重要原因。

吴昌硕比齐白石更朴拙天然、随心所欲

从取法上来看,齐白石受了陈师曾的引导和劝说,衰年变法时学习的正是吴昌硕。尽管齐白石从未见过吴昌硕,但齐白石对吴昌硕的崇拜和研究是非常深入的。这在齐白石自己的诗文、画款题跋以及陈半丁、启功、谢稚柳等人的文章中都可以找到出处。齐白石是吴昌硕大写意花鸟真正意义上的继承者、提纯者。而要说到吴昌硕和齐白石究竟谁高谁低,张大千曾言,齐白石做人太小气,他不喜欢,但齐白石的画画得好,超过了吴昌硕。当代评论家陈传席也曾比较说,齐白石清,吴昌硕浊。甚至说吴昌硕的画有点脏。这和吴昌硕的设色法有关。吴昌硕和齐白石设色都比较浓丽。但齐白石采用的是“单色法”,也就是直接用足够厚重的颜色一笔画成。而吴昌硕采用的是“复色法”,就是一笔下去之后,如果觉得颜色还不够厚重,那就再添上去一笔。这就使得吴昌硕的画有时候让人觉得不是很干净。

但是,在张俊东看来,吴昌硕与齐白石相比,其作品最大的特点就是金石气息要比齐白石更厚重,气息更为雄强、朴拙。而齐白石更多的是一种雅致和清新。还有一个区别就是,两人在创作心态上也不大相同。也许是性格使然,或地位使然,当时吴昌硕是海上画坛第一把交椅,整个中国画坛的擎大旗者。而齐白石刚到北京时,一开始他的画没人认,后来有人认了,画价高了又被讥为“野狐禅”,一直没有相应的社会地位与之相匹配,直到1949年新中国成立以后,齐白石才被完全认可,有了自己的地位,但是他的年龄也大了,画风已然形成很难改变。所以,吴昌硕的画里总能有一种大气淋漓、唯我独尊的感觉。而齐白石的画里总有一种小媳妇讨好婆婆的感觉,要考虑市场和买家的喜好。齐白石总想把画画得尽善尽美,画得漂亮;而吴昌硕总是随心所欲,自然而然的呈现自己,甚至有的画像是没有完全画完,直抒胸臆后就直接放在那了,这是何等的大气和真实。

那么吴昌硕和齐白石,究竟谁高谁低?张俊东表示,只能看审美偏好,真的难分伯仲。

张大千比吴昌硕多了些“脂粉气”

再来看张大千。中国近现代画坛还有一位大家叫李可染,他是齐白石的入室弟子。大约是在上世纪五十年代,张大千来到北京,想去拜访齐白石,于是就让李可染帮忙给引荐一下。齐白石知道后回答说:“吾当奴视之。”他认为张大千这个人,一生只是浪得虚名,在绘画上没有什么创造,只不过是画奴而已,后来也就没有见他。从这个事情中,就可以看出齐白石其实是有些看不起张大千的。

陈子庄是现当代四川的一位颇具影响的画家,他也曾多次在他的绘画评论里头提到同是川籍画家的张大千。他认为就张大千的绘画风格而言,走的是青绿山水的路子,画的很淡雅,多多少少脂粉气过浓了一些。张俊东也同样认为张大千画作的脂粉气太浓,与吴昌硕那种雄强浑厚、具有金石味道的作品比起来,张大千画得就稍微有一点“薄”,不够厚重,给人一种轻飘飘的感觉。甚至曾被人讥讽为画有点儿女人味。

所以,综上所述,张俊东认为,吴昌硕画作的价格应该在未来还会有很大的上升空间,大家可以拭目以待。

专家简介:

2张俊东,1973年出生于黑龙江林甸,北京大学书法硕士,中国书法家协会会员,著名中青年书画家、书画评论家。作品入展第七届全国书法展,第八届中青年书法展,首届青年展,第二届中国书法艺术节百家精品展,全国第二届行草书大展,第三届楹联书法展获奖提名。论文《书法艺术审美标准建立的心理描摹》入选全国第六届书学研讨会。出版《王羲之笔法及其流变研究》、《拒绝光滑——张俊东谈艺录》等多部著作。并有百万字书画理论、评论文章发表。近年致力于中国画研究和创作,尤其在花鸟画创作上主张深挖传统、回归笔墨内美,取得一定突破,被业内专家所看重。

石涛对于墨法的运用是其作品的亮点,打开石涛的作品首先是满幅的水墨气氛给观者带来一种清新的感觉,显然石涛在墨法上一定有他过人之处。石涛在其一生中大多生活在气候湿润的南方,空气湿度相对较大,吸水性强的生宣纸在南方空气湿润的条件下也自然保存了一定湿气,画家运笔运墨于纸上画面自然温润总有一种下过雨的感觉,所以石涛的作品中出现水墨氤氲的气象也不足为奇。但是《搜尽奇峰打草稿》图呈现水墨淋漓效果是在相对干燥的北方所作,石涛在笔墨技巧的运用上一定有他的独特之处。而破墨法、泼墨法、误墨法是《搜尽奇峰打草稿》图中主要运用的三大墨法。

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一、破墨法

黄宾虹先生有言:“石涛精于破墨,以浓墨破淡墨,淡墨破浓墨,甚为精彩。”破墨法是中国画水墨技法中基本的墨法类型,自晚唐纯水墨画出现时,水墨技法也随之产生,往后逐渐丰富、完善。“破墨”二字最早的提出是南朝梁萧绎《山水松石格》:“或难合于破墨,体向异于丹青。”张彦远在《历代名画记》中记载“余曾见破墨山水,运笔劲爽”。自古以来破墨法作为一种基本的技巧在不断被画家运用。而善用破墨者不胜枚举,米芾就是善用墨法的大家,其中浓淡兼施,泼破混用等方法均熟练运用。

近代绘画大师黄宾虹先生亦是墨法能手,他对石涛墨法甚是钦佩,又提出七墨法:浓墨、淡墨、破墨、泼墨、积墨、焦墨、宿墨。其在1934 年发表的《画法要旨》中对破墨的运用有详细的阐述:“或言破墨,破其界限轮廓,作蔬苔细草于界处,南宋人多用之,至元其法大备。董元坡脚下多碎石,乃画康建山势,先向笔画边皴起,然后用淡墨破其凹处。着色不离乎此,石之着色重,山石矾头中有云气,皴法渗软,下有沙地,用淡扫屈曲为之,再用淡墨破,是重渲染,亦即破墨法之一要,以能融合,能分明,能为得之。米元章传有纸本小幅,藏张艺堂家,幅首大行书‘芾岷江舟还’,三十六字,其画老笔破墨,锋锷四出,实书法溢而为画,可知破墨之妙,全非模糊。”文中提及破墨法在南宋就有较多画家运用,并阐述了破墨的具体运用方法。

然而,破墨法中最基本的方法即为两种:1、浓破淡,在宣纸上首先以淡墨多水绘出,未干之时,以重墨破之,墨韵效果,自然天成。2、淡破浓:首先较重的墨绘于宣纸,墨迹不易渗化,然后以清水淡墨破之,使原本泼辣、生猛的浓墨变得温润和谐。

23《搜尽奇峰打草稿》

《搜尽奇峰打草稿》图中大量出现破墨法,而石涛并非如此单一的运用此法,他已不局限于淡墨、浓墨的互破法。(图1)远处山体几乎处于一个墨色(淡墨)的范围内,山体和水岸朦胧可辨,我们所看到更多的则是形态之间的相互破坏。

4图1

5图2

图1和图2为石涛《搜尽奇峰打草稿》两个局部

1、淡墨点破淡墨线,以图中较淡墨色的曲线形态大致绘出山体轮廓,随即用墨色变化不大的小点形态打在原本已流畅的线条上,使其时断时连,无规可寻。

2、以淡墨线破淡墨线,在最远处竖立的山体上,为了丰富山石的结构,石涛不顾原本已出现的结构性线条,并迅速的再在其上反复交错出许多条类似的线,或为纠错、或为复加,线与线之间的相互交错、重复使原本结构清晰的山体变得结构迷糊复杂起来,这正是石涛所想要的效果。(图2)中我们可以清楚的看到石涛灵活地运用此法。

6图3 搜尽奇峰打草稿(局部)

3 、以浓墨线破淡墨点。石涛《搜尽奇峰打草稿》图中几乎是以繁、密点线组合出来的画面。(图3)所示,前面清楚可辨的山体轮廓线条明显是后加的,它必定会不由自主的穿过已经原本打在最初淡墨曲线上的点,它对这些点又进行了二次“破坏”。在此过程中某种意义上也涉及到积墨法的运用。此法不仅使画面变得丰富,厚重感也增强了。

d、浓墨点破浓墨线:图中近处显眼的墨点,重重地打在了刚刚复加的轮廓线上,多则成片,少则一两点,好像是对这些重墨线条的几句“教导”。石涛总喜欢不断“破坏”自己的笔墨痕迹,“变化多端”的理念充分的展现在他的绘画实践当中,真正的做到了“浑然一体”的画面效果。

二、泼墨法

石涛在墨法运用上总是相互混淆、错综复杂的,破墨中伴随着积墨法,积墨中又有泼墨法的运用,因此泼墨法在石涛作品中出现的非常多,运用方法也不尽相同。

下面先摘录一段黄宾虹先生对泼墨法的阐述:“唐王洽性疏野,好酒醺酣后,以墨泼纸素,或吟或啸,脚蹴手抹,随其形状,为石为云为水,应手随意,倏若造化,图出云霞,染成风雨,宛若神巧,府观不见其墨污之迹,时人称为王墨。米元章用王洽之泼墨,参以破墨、积墨、焦墨。故浑厚有味。南宋马远,夏珪皆以泼墨法作树石,尚存古法,其墨法之中,运有笔法。吴小仙辈,笔法既失,承伪习谬,而墨法不存,渐入江湖市井之习,论者弗重,董玄宰评古今画法,尤深深痛恶之。唯善用泼墨者,贵有笔法,多施于远山平沙等处,若隐若见,浓淡浑成,斯为妙手。后世没兴马远之目,与李竹懒所谓泼墨之浊者如涂鬼,诚恐学者堕入恶道耳。”可见泼墨法的运用也由来已久。“泼墨”法一般伴随着酣畅、荒率、简约、狂放、粗劲等词语一同出现,它多体现艺术家那狂放不羁的性格。

梁楷,厚东平人,南宋宁宗嘉泰时为画院待诏,其为泼墨法的代表。他虽为画院待诏,但其性格狂放,藐视成规又玩世不恭,常嗜酒自乐,但他的作品传于世的多是“逸笔草草”的简笔风格,这也使画法从梁楷一变,多以泼墨效果绘出的简笔作品给观者眼前一亮,有一种喜墨如新的感觉梁楷的泼墨画法一改北宋以来崇山峻岭式的繁密画风,使作者更容易调动绘画情绪,能让豪放恣肆的性情尽情表达。泼墨法制造出的水墨晕染的不确定性更适合那些不按常理出牌、藐视成规、在机变中寻求乐趣的这些人,石涛当属其中之一。石涛在一幅山水画跋中云:“新安之吴子又和,丰溪人也。游戏于笔墨之外,珍重其书,而不珍重于画。十饽年来,人间浪迹者多。每兴到时,举酒数过,脱巾散发,狂叫数声,泼十斗墨,纸必殆尽,终不书只字于画上。今观此纸,气韵生动,笔法直空。欲令清湘绝倒故书数字其上。”此番话说明了石涛性格狂放,喜用酣畅淋漓的墨法进行创作。

7图4 石涛 暴风雨图

石涛在1699 年创作了《山水人物花卉册》之《暴风雨图》。(图4)所示:作品中水墨淋漓、浓淡渗变、酣畅痛快、泼洒自如的墨浑效果自然流露出来。从作品中可辨石涛对泼墨技法的掌握相当成熟,画面中景处两座山体的对比十分强烈,其中一山体以水墨泼出,与远处的树丛相连,虽为大泼墨,但他对形态的把握依然相当娴熟,而在树丛与远处空间的表现上确是以水泼墨的形式使两个空间自然的连接在一起。整幅画水墨感极强,即使经历了几百年的岁月,画面依然保持着墨晕的鲜明感。在《搜尽奇峰打草稿》图中石涛还没有如此“放纵”,这种大面积的泼墨效果被弱化了,更多出现的是谨慎,只有远处山头的几处用浓墨泼出,还显得不大自然。实则不然,石涛此些时正是运用了他那熟练的泼墨技法,即为“小泼墨”。

8图5 搜尽奇峰打草稿(局部)

1、(图5)所示,以平面浓墨形式出现的远山形象与点、线组合出的山体相接处。石涛以“小泼墨”的方法使原本不太相融的两种山体自然的得到了转换。他把点、线、面的形态自然的融合在一起,在朦胧中展现着无限空间。

9图6 搜尽奇峰打草稿(局部)

2、(图6)所示,远处绵延的山体以重墨写出的山坡处,时隐时现,时断时连,断连处形成的灰色、白色形状与山坳处以直线排列的房屋形象形成互应效果。而浓墨染出的远山同短线的小树正好把体面的建筑挤出来。

10图7 搜尽奇峰打草稿(局部)

3、(图7)所示,轻松虚淡的变现出于水岸相连的丘状山脉,山势越推越远,山势起伏变大,以泼墨法写出,水墨自然散发,山体模糊不清,只留下些白色的斑点,而这些恰好与近处山上的重墨点形成强烈的对比,意为自然天成,实则有意为之。分析以上三图墨法的运用上便可看出,石涛泼墨技法的精妙之处,当处理不同形象关系的物象时,石涛都有他熟练的泼墨技法去应对,这不是酒后狂放的笔墨表达,也不是闲时的随意为之,这似乎是有意的,是在计划当中的。这种变化丰富,又自然合理的泼墨技法,没有清醒而繁多的训练是不可能达到的。如果以此来训练泼墨法还会有“诚恐学者堕入恶道耳”吗!

三、误墨法

石涛在画跋中这样提到:“昔人作画,善用误墨。误者无心,所谓天然也,生烟啮叶,似菊非菊,以为误不可,以为不误又不可,请着一解。”一般而言误墨是指作品中败笔制造的墨迹,作者在作画过程中,几笔墨放在不如意的位置,或为画作时不慎滴落几滴墨点,破坏了原本的画面效果,这样的墨常被称为误墨。误墨现象很常见,即为画者通常都有此经历。但每个人对待误墨的方法都不尽相同,有人将作品弃之,也有人将其变丑为美。

三国时有位叫曹不兴的画家,孙权命他在屏风上作画,不慎一滴误墨点脏绢帛,曹随机应变将墨点描写成苍蝇形象。孙权观画时以假为真用手赶撵,仔细辨认后既为曹所绘于绢帛的假苍蝇,孙权对此以假乱真的画技大为叹赏。王羲之还以此事作诗:“屏风误点惑孙郎,团扇革风柽内史。”自古以来也有不少画家急中生智变废为宝的例证,这些也都处于误墨的纠正层面,以此就会出现两种结果:有成功者,画龙点睛;有失败者,前功尽弃。石涛则不然,前面我们已经分析了石涛泼墨法的具体运用,他以不点、线之间的交错不断的进行画面上的“修正”,对于水墨之间的碰撞效果石涛也并不能完全掌握。他即使能以泼墨法的熟练技巧“调整”形态之间的关系,但不确定的因素依然存在。这“修正”与“调整”产生的墨晕效果正是石涛想要运用的即为“误墨法”。

11图8 搜尽奇峰打草稿(局部)

“万点恶墨,脑杀米癫”其中恶墨的形象是不是石涛有意为之的,并自我很是满意的打了上“万点”。其中得意的语气中还透露出他的“误墨点”既不同于米友仁的点又不同于董源的墨点。而他的墨点是别人认为丑陋的“误墨点”,他以恶墨点作画,,这是石涛“我自有我法”的又一实践表现。贾又福先生是研究石涛理论、实践的主力,他在课徒稿中写到“石涛墨法以积墨为易(一般先淡后浓),破墨、泼墨为难,积墨遍数不多,而且脉络清晰,易于把握。破、泼二法变化多端寻规律,所谓法外法,无法至法也。误笔误墨,以非求似,以乱为工耳。至于放笔野战,误笔主墨,以非求是,以乱求工求奇者,实属难能可贵”。

12图9 王原祁 山水图 局部

可见学习石涛的作品,误墨法亦是其中参悟的要点。“笔无定姿”是石涛画风的基本面貌,在《搜尽奇峰打草稿》图中石涛制造出“绵密繁复、万物混沌、气势磅礴”的景象。前之所述,石涛的反复泼、破的方法创造出画面的“不确定”性,误笔、误墨的成分参杂在其中,必定使画面“躁动”的情绪增强。(图8)画面中的山形不断地以线和大小墨点绘出淡的、浓的、干的、湿的,全部融入其中,他要尽可能的把“诗中画性情中来者也”发挥到最大化。山头处,墨点飞溅横出,山脚处“漫无纪律”意为杂木纵生处,加以繁密的皴点“聊以自娱”,这便是“误笔、误墨,似是而非,以乱为工耳”。其中误墨效果可与精心构思、惨淡经营的王原祁作品进行对比方可一目了然。(图9)误墨法适用不当便成“胡涂乱抹”,适用得体便能提高画面悦动性。

卢楞伽,生卒年不详,大约活动于公元八世纪,长安(今陕西西安)人,曾经跟随著名画家吴道子学画。据宋《宣和画谱》记载:卢楞伽为创作庄严寺三门的壁画,耗尽了心血。其师吴道子叹息道:“此子笔力常时不及我,今乃相类,是子也精爽尽于此矣!”果然,一个月以后,卢楞伽力竭而卒。这套册页已然不复完整了,现在仅存“第三拔纳拔西尊者”、“第八嘎纳嘎拔喇尊者”、“第十一租巴纳塔嘎尊者”、“第十五锅巴嘎尊者”、“第十七嘎沙雅巴尊者”、“第十八纳纳答密答喇尊者”六幅。此画线条流畅细劲,人物的神情与动态均刻得相当生动,富有情味;色彩不多,但光彩夺目,部分地方以淡墨赋染。

此套尊者像原有十八帧,为清内府旧藏,清末时被太监盗窃藏于宫中地板下。至50年代才被发现,惜除此六幅外,皆严重霉变,无法修复了。

1十八罗汉的第八嘎纳嘎哈拔喇镊襟尊者,拄杖跷一足坐于木制凭几之上,身披袈裟,足蹬草履,上身微微前倾,微张着嘴,两目凝视地上放置的一件状似盆景的宝物,正与面前的梵人相互问答,似是询问着宝物的情况。

2画中,十八罗汉的第三拔纳拔西尊者,身披袈裟,合掌端坐,双目微合,神态沉静庄重。

3第十一罗汉查巴(納塔)嘎尊者正在读经

4十八罗汉的第十五锅巴嘎尊者,双手持拂尘,盘膝高坐。由于罗汉本不是佛,而是由佛祖点化的一些凡人,所以,作者笔下的罗汉形象也带有一些世俗化的特征。

5十八罗汉的第十七降龙罗汉袒露右乳,手持锡杖坐在一块巨石上,两目圆睁,逼视着面前须目愤张的巨龙。

6十八罗汉的第十八伏虎罗汉,也是持锡杖跌坐石上,眉峰蹙起,怒视卧伏于面前的猛虎。

作者简介:马未都,1955年3月22日出生于北京,祖籍山东荣成,收藏家、古董鉴赏家,央视《百家讲坛》主讲人,主讲系列节目《马未都说收藏》。现为中国民主建国会会员,观复博物馆创办人。

1中国的文化非常复杂,一两句话很难说清,但我还是想试着总结出中国文化中的几个要点。

首先是枭雄文化。中国人永远盼着出现一个枭雄,中国一旦失去集权,就会陷入混乱,比如我们的五代十国时期、民国时期。为什么呢?因为最大的领导人没出现,一旦出现,社会就变得比较安定。这就是我们的枭雄文化。所以,作为农民的陈胜、吴广起义时会说“王侯将相宁有种乎”,就是你有什么了不起的,我也是个枭雄啊。

其次是不妥协的文化。生活中经常碰到这种情况,某些人一张嘴就说我这人可不能商量啊。这种心态导致中国人很难从谈判中获得利益,经常吃亏。我们解决分歧的方法要不就硬打,要不就吃亏认栽,反正都是走极端。中国人的谈判都是让人拿枪顶着后脖颈子才谈完的。没有人愿意发自内心地去谈判,也不懂得找一个中间点,双方说和。因此,在这种不妥协的文化中,社会交易成本极高。

第三是推卸文化。有事儿了先推出去,千万别找我,不是我干的。生活中,我们看到的最经典的画面是,在公园里,一个学步的孩子突然摔倒,爷爷奶奶一定冲过去,一定要找个事去赖,没有赖的地方也要赖到地身上。我见过无数个老太太抱着孙子拍着地说,都赖它,都赖它。这就等于从小给了孩子一个非常不好的信号——出了事一定先把责任推出去。这让我们成了一个不会道歉的民族,给外人的普遍印象就是中国人不会道歉。我小时候就不会道歉,也绝不道歉,最后都是被老师拧着去道歉的。两个人吵架,吵到最后经常是这两个人梗着脖子说“我是不对,但你也不怎么样”。这就已经算道歉了。你看外国人就很会道歉,他们经常是高跟低道歉,比如父亲跟儿子道歉,丈夫跟妻子道歉。丈夫跟妻子,并没有高低之分,但是按中国的传统,总认为男比女高一头。在西方,丈夫跟妻子道歉的事比比皆是,张口就来。可中国人不会,中国人最多说一句“这事过去就拉倒了”。明白了吧,只要你家丈夫说“这事过去就拉倒了”,那已经是在跟你道歉了,你就赶紧就坡下驴别再不依不饶了。中国人的这种推卸文化导致我们严重缺乏反思精神,出了什么事一定都是先从别人身上找原因,自己永远不承担责任,怨天尤人,不是赖领导就是赖制度,总之先把自己摘干净再说。这就是我们的社会走向文明的最大阻力。

包容的力量

说了这么多枭雄文化、不妥协文化、推卸文化,这些都是负面的,我们也有好的文化。那就是包容。中国人心胸最宽,有容乃大。

文化可以把什么东西都牵进来。比如说我们的餐饮,全世界独树一帜,光是那些古怪的字眼,就连中国人自个儿都说不清楚。比如炝炒和爆炒有什么区别?这中间的分别极其微妙,中国的烹调术语能写满满一本书。西方人有什么烹饪手段啊?少得可怜,但是它能长驱直入。改革开放没多久,北京第一家肯德基在前门开业,那队排得一眼望不到头。然后麦当劳也来了。今天全世界的麦当劳、肯德基有上万家,你出国万一人生地不熟,不确定上哪儿吃饭放心,你就去这两家,绝对不会上当。我在土耳其试过,一尝,跟北京的没啥区别,跟美国的也没啥区别,就是多了一点咖喱。你看中国的麦当劳、肯德基,早餐都有炸油条、蛋花汤了,现在还有麻婆豆腐盖饭呢。你想想,肯德基、麦当劳进入中国才多久?不到三十年。我看再过三十年,我们就得挤对得他们掂勺了。一百年后中国的肯德基、麦当劳全是厨子在那掂勺。这就是包容的力量。

另一方面,我们好像是在不断改变自己,其实是先让你进来之后再悄悄把你改变。我们一般说中华民族是一个大家庭,以汉族为主,但是汉族人所有的生活习惯全是学来的。你的起居原来是坐地上的,现在坐椅子上了;你原来的衣服是宽袍大袖,现在都是紧身的;你吃饭过去是分餐(到了明朝还是分餐呢),清朝人让我们共餐了。大家围在一个桌子上吃,明朝人认为是种野蛮的吃法,应该一人一张桌子,自个吃自个的。日本人现在吃饭都是一人一份,大家坐在一张桌子上。若真按明朝的吃法,今天的我们还真不习惯了。你想想,十个人十张桌子,一人一份地吃,怎么看都觉得像是在号子里。

文化输出的无尽遐想

文化是社会变革最大的一股力量,如果你不能理解文化是你在社会上立身处世的背景,你做什么事都不会太顺。所以官方今天不停地讲要把我们的文化输出去。

美国人靠好莱坞大片输出他们的价值观和理念。我们靠什么呢?我走过全世界很多国家,走到哪儿都发现有中国人开的餐馆。我想,如果通过餐馆来输出我们的文化,那一定事半功倍。我们今天在世界各地看到的中餐馆一般都偏小、偏杂乱,档次不高。我今年去了一趟慕尼黑,人家介绍说有一个特别好的中餐馆,就是有点贵。我问是不是中国人去得不多,他说基本上都是外国人去。我去了之后发现那个餐馆的菜式都是很传统的中国菜,但它的布局和上菜方式非常西化。我觉得这真是一个特别好的文化输出的场合,大量的外国人在里头悠然自得,很享受那个环境。其实,只要你让一个人从胃里爱上你这个国家的菜,他一定会对你的国家有无尽遐想。

马未都:在功利时代 穷则独善其身

来源:新周刊

我不愿看到收藏界变成一个彻头彻尾谈钱的领域。功利会伤害到民族文化、民族精神和民族信仰。既然如此,就按照过去的说法:穷则独善其身。

现在人家叫我收藏家,我并不是很高兴。过去收藏家必须有个标志——“著书立说”,没有著书立说,你算哪门子收藏家呀?而且,今天的收藏,已经大大背离了收藏的原旨。收藏最初的宗旨,往大了说,是一个民族的记忆、证据,也是一个民族文化的实时标高,通过收藏,你能看到我们的商代、周代、秦汉、隋唐、宋元、明清,达到了一个什么样的高度;往小了说,是满足文人雅士的一些内心需求,帮他理解纷杂的世界。

不幸的是,现在基本上全社会的收藏已经转变成为一个商业的博弈,至少99%是为了这个目的而来。所有人的说法都是“未来可以升值”,社会各角度都以“他是否买了贵东西”为标准。从我内心讲,非常不喜欢:不是不喜欢别人加入这个队伍,而是不喜欢把过去唯一干净的净地变得非常世俗化。

每个人的目标过高,就跟唱歌似的,调子一起高了,谁都唱不上去。

我有时也可以理解别人的世俗观,比如,宗教应该是最脱俗的地儿,但今天很多宗教场所并不能免俗;同样,我不能要求收藏界免俗,我们的社会处处体现世俗的话,让收藏界变得高雅也是不现实的。但我也不愿意收藏界变成一个彻头彻尾的、与原旨无关的领域:大家都谈我赚了多少钱、将来可能赚多少钱——我觉得这些没有意义。

其实我能感受到功利对我们严重的伤害,甚至对民族文化、民族精神和民族信仰的伤害。既然如此,就按照过去的说法:穷则独善其身。这个“穷”是指精神上,这社会是一个精神贫穷的社会,但我一定要独善其身,做好自己就可以了,我不能要求别人。

我一个人不可能改善,只能保全我自己不同流合污,不向世俗低头。人是要妥协和自卫的,你妥协的目的是什么呢?是为了下一步的成功。过去人们说,尺蠖之曲,以求伸也——但今天的年轻人,第一不懂得尺蠖之曲,不愿意退回来、软一下,不会;第二,认为前进就一定能成功,但他又没有前进的能力,每个人都好高骛远。

我们常说“励志”,但励志的标准是很高的,很多成功人物背后往往有特殊的因素,如果把他们当作全社会的励志标准,那就大错特错了,普通人就会认为上升通道不够——问题是,你通到哪一站算够呢?

人光有自我判断还不够,很多人认为自己身怀绝技,怎么老也遇不到知音?就是因为对周围环境没有判断。有一天我看到一个资料,说中国缺400万个经理人。我认识的很多老板都说,缺有管理能力的人;我自己也是,想找一个有执行力的博物馆馆长,愿意出百万甚至千万的年薪,但是没有这么一个人。干不了这个活,那你还说什么呢?你觉得你行,但具体的事儿你做不来,然后就会埋怨:团队不好、环境恶劣、潜规则盛行,那别人怎么能够生存呢?我觉得这是个社会的问题——每个人的目标过高,就跟唱歌似的,调子一起高了,谁都唱不上去。

我们这个民族是不看书的。

我们今天全社会的文学修养都不够,因为社会不躺在文学上生存。当然,我们更不注重史学。这非常可怕。中国近几十年的大片,都能看出来,创作者不读书、没思考。很多国内的电影,别人评判的全是技术活儿,哪个镜头用得不好,应该怎样怎样——但我一看,明摆着这导演不读书。

举个例子,同样是表达血腥,《辛德勒的名单》和《勇敢的心》都有对人性的思考。《辛德勒的名单》里最血腥的一幕是:党卫军枪毙工人,“啪”一枪没响,又“啪”一枪没响,再“啪”一枪,三枪没响,滚蛋。这个工人经历了三枪,但子弹就是不响。在我们的电影里,就一定要让子弹响、打得血肉模糊你才觉得血腥,但《辛德勒的名单》里,不,踹开他去干活——当你看到他非常机械地干活,就会知道,人性在面对死亡的时候,会爆发出什么样的力量;而且一个施暴一个受暴,两人的表现截然不同,这里面有明确的对人性的思考。

反观我们的电影,都是单纯的复仇,和《勇敢的心》差千万里。看得越多,就越觉得可笑。我这么说,不是特指电影界,只是电影是特别大众的文化代表,也可以说是民族心态的标志物。

《一九四二》的票房惨败,对冯小刚来说这是唯一的一次惨败,再看之后的《泰囧》,你就会知道,我们这个民族是不看书的。《一九四二》已经变成一声凄厉的鹤唳——鹤呖长鸣,鹤呖是悲哀的,会传很远;但我们的电影都是麻雀窝,叽叽喳喳,说话毫无价值,这是我们社会的一个映射。《泰囧》的商业成功,很多搞电影的也看不懂,本身不可复制,再有个什么囧也不会是那样,我们整个民族没有目标。

我们的电视剧里,永远是儿女跟爹妈大喊大叫,少有社会秩序。

有一种说法是:“中国文化很多成不了体系,不像一棵树,而是永远像同心圆一样。”同心圆的“心”是什么?儒家思想。汉代以后,儒家就确立了老大地位,却没有老二,中国文化就没有“老二文化”。中国文化中,一定是有一位枭雄,就一个,完了就完了,你也不用问二三四。不信你随便抓一个人问奥运会银牌有谁,一个都说不出来,因为大家都不关心这个。

中日韩三国都在儒家文化圈,但侧重点不同:日本侧重忠,韩国侧重孝,我们侧重义,讲义气、两肋插刀,但不幸的是——现在刀插向别人。

同在儒家文化圈,日本人由于忠诚,社会管理成本极低;我们不重忠诚,所以社会管理成本巨大。我常说,在中国能管10个人,到日本就能管500人。经济危机时,韩国、日本的很多企业员工愿意与企业共存亡,愿意减薪一半跟老板渡过难关,我们可能吗?地震时,人家发放矿泉水,只需要一个人,我们就得严阵以待,以免哄抢。讲究孝道,跟韩国不能比,你看韩国电视剧,孝道是第一位的,每个人进屋第一件事要向长辈请安——在韩国的文化输出当中,孝道是第一位的。我们有吗?我们的电视剧里,永远是儿女跟爹妈大喊大叫,少有社会秩序。

我们老说中国法制不健全,其实是个误读。我们在秦汉时期有非常严谨的法律,为什么法律在中国漫长的极权社会中不能得以实施呢?因为用不上,仅道德一项就能把社会治理得很好。法律是高成本的社会治理手段,当你用一道铁丝网就能拦住人,就犯不上筑一道高墙;当你用一根绳就能拦住人,就犯不上用铁丝网;当你划道线就能拦住人,就犯不上拉那条绳——什么成本最低?地上划条线最低。在国外的机场,地上划条线,没有人会逾越;在中国就得拦着,每个角上站一个人看守,那成本多高啊。社会若没有忠又没有孝,就剩下一个功利的“义”时:当我跟你讲义气的时候是求回报的。那我们这个国家怎么治理?完全靠法制,但一个完全靠法制治理的国家是最没有希望的。

问:你怎么看“社会板结”一词折射出的社会现象?

答:所谓社会的“板结现象”,从某个角度讲,其实是现在人的能力不够。我们的社会再板结,也不会像三四十年前那样。打个比喻,今天的社会板结是黄土,而过去是水泥甚至是钢板。我们年轻时,人是没有权利选择工作的,今天你不满意可以转身就走。今天的社会,只要一个人有能力,就一定能够走出来,你没走出来说明你能力不够,或者在某处有缺陷。比如一个人能力非常强,但有性格缺陷,和人不好沟通,那就很难走出来,人家不帮你啊。

一叶扁舟,

天水茫茫,

越发比照人的渺小;

人在旅途,

所见多异乡风物,

孤舟一系故园心。

1▲ 晋代 洛神赋图第一卷(局部) 顾恺之

2▲ 隋代 游春图(局部) 展子虔

3▲ 唐·李思训《江帆楼阁图》(局部)

《江 雪》

柳宗元

千山鸟飞绝,万径人踪灭。

孤舟蓑笠翁, 独钓寒江雪。

4▲ 唐棣(款) 1351年作 朔风飘雪图(局部)

5▲ 五代 《潇湘图》(局部) 董源

《渡荆门送别》

李白

渡远荆门外,来从楚国游。

山随平野尽,江入大荒流。

月下飞天镜,云生结海楼。

仍怜故乡水,万里送行舟。

6▲ 《寒江独钓图》 宋 马远

7▲ 宋 《赤壁后游图》(局部) 马和之

《暮秋扬子江寄孟浩然》

刘睿虚

木叶纷纷下,东南日烟霜。

林山相晚暮,天海空青苍。

暝色况复久,秋声亦何长。

孤舟兼微月,独夜仍越乡。

8▲ 宋 许道宁 《渔父图》局部

▲ 宋 《江天楼阁图》(局部) 佚名

9▲ 宋 《秋山红树图》(局部) 萧照

《旅夜书怀》

杜甫

细草微风岸,危樯独夜舟。

星垂平野阔,月涌大江流。

名岂文章著,官应老病休。

飘飘何所似,天地一沙鸥。

10▲ 宋 夏圭《西湖柳艇图》(局部)

11▲ 宋 《渔舟唱晚图》(局部) 许道宁

《秋兴八首》之一

杜甫

玉露凋伤枫树林,巫山巫峡气萧森。

江间波浪兼天涌,塞上风云接地阴。

丛菊两开他日泪,孤舟一系故园心。

寒衣处处催刀尺,白帝城高急暮砧。

12▲ 宋 《春山渔艇页》(局部) 佚名

13▲ 宋 《风雨归舟图页》(局部)

清代“扬州八怪”之一的郑板桥晚年时曾在一幅《竹石图》中题诗:“四十年来画竹枝,日间挥笔夜间思。冗繁削尽留清瘦,画到生时是熟时”。

郑板桥画了40年竹子,终于悟出绘画须去掉繁杂提炼精髓的道理。

1郑板桥 《竹石图》

喜竹爱竹物我合一

郑板桥的竹风韵超然,首先得之于喜竹爱竹。他认为竹子坚强:不管风吹雨打还是严寒烈日,都是身板挺直。青青郁郁,竹子“虚心”:不论山野巨竹还是房前青枝,都是空心如一,从不妄自尊大。竹子有“节”:经得起磨难不“变节”。竹子的风格与板桥的脾性契合,物我交融。

2郑板桥 《竹》

赏竹嗅竹静观默察

郑板桥曾说:“凡吾画竹,无所师承,多得于纸窗、粉壁、日光、月影中耳。”是的,他一生以竹为伴,他在自家门口种了许多竹子。夏天,他在竹林中放一小床。躺着看书、赏竹、嗅竹。秋冬,他将竹竿截成小段,做成窗棂,再糊上白纸。风和日暖时,一片片竹影映在窗纸上,宛如一幅天然竹画。

胸有成竹反复酝酿

郑板桥曾自述画竹的情景:“江馆清秋,晨起看竹,烟光、日影、露气,皆浮动于疏枝密叶之间。胸中勃勃,遂有画意。其实胸中之竹,并不是眼中之竹也。因而磨墨、展纸、落笔,倏作变相,手中之竹,又不是胸中之竹也”。他的这段道出了绘画创作的规律:眼中之竹——胸中之竹——手中之竹,即看竹、思竹至画竹。写作过程也是如此。写作时我们对于感觉到的东西,往往是有所激动而缺乏深刻的理解,这需静观默察、纵横比较和冷静思考,把握其神貌和实质。

“忆君心似面江水,日夜东流无歇时”。构思时屏气凝神,殚思竭虑、反复酝酿,直到人、物、事、理烂熟于胸,层次,脉络辅排就绪,表现形式考虑成熟。文章胚胎才算初就。

3郑板桥《竹石图》

4兰竹双清 立轴

这幅《兰竹双清》即是板桥最为擅长的兰竹。板桥以简劲笔锋、淡墨勾勒出坚硬的坡石,坡石基本无皴擦,以行笔顿挫为点苔之意,坡石渐尽处,三株细竹挺拔而起,竹杆极细,但挺拔有姿,绝不柔弱,即使最左处初发嫩枝,亦柔韧有劲。叶肥翠欲滴,以深浅墨笔撇捺而出。板桥主张书法入画,以此可见运笔使墨功力。竹叶聚散有度,磊落潇洒,秀洁清明。旁边坡石夹缝处生出数丛山野之兰,板桥撇兰尤显其书法功力,兰叶借草书中竖笔势,长撇运气而成,多而不乱,少亦不疏,兰花如蝶舞清香,如香在鼻。

画面右边空白处,是板桥所题:“深绿叶淡更绿花,唯有青山与翠竹,不分二色合成家。湘雪外,楚孤涯,不同桃李艳,不斗牡丹芽。赤心与素心,千古不争差。赤心留以奉明主,素心留赠良朋好友,一尊酒,一杯茶。板桥居士郑燮画并题。”钤“郑燮”白文印、“直心道场”朱文印。

这幅以竹、兰为主题的画作,体现了画家以“眼中之竹”观察、“胸中之竹”思考、“手中之竹”表现的创作方法,传达倔强刚直、孤傲不驯之气,兰叶的葳蕤则“借草书中之中竖,长撇运之”,直抒书画同源之义。兰出空谷,竹称此君,相伴立根于破岩中,纤弱其表,强劲其髓,画出一股精神力量。画作的题诗是自度曲,属于当时很自由的诗体,有些句子显得“没文化”,而这恰恰是郑板桥的印记。拿他传世的《道情》:“老渔翁,一钓竿,靠山崖,傍水湾”来对比这幅画中的“湘云外,楚水涯,不同桃李艳,不斗牡丹芽”,便知道当年的进士里,也只有郑板桥会写这样的大白话。款识的字体是所谓的“六分半书”。历来文士流行隶篆相参的八分书,郑氏则再加以行楷笔法,创新为八分之八分,戏称六分半,被前人推为纵横错落、瘦硬错落,“乱石铺阶”。这幅《竹石幽兰》题款有四行七十四字,单字皆乱石,狂放不羁;整体已铺阶,通畅如砥。

题款四行七十四字,单字皆乱石,狂放不羁;整体已铺阶,通畅如砥。《维摩诘经·菩萨品》“直心是道场,无虚假故”,印文和题诗都赞美了兰竹清心直傲、不与桃李牡丹争艳的高洁风格,可谓诗书画印相得益彰。清中期社会的发展,扩大了艺术品的受众欣赏阶层,而社会矛盾的激增与经济的进步一起,迸发了初步的民主色彩思想,于是“扬州八怪”在石涛以及清初富有创新精神画家的影响下,发展了重视生活、强烈抒发性灵的大写意花鸟画。郑板桥是扬州八怪中的领军人物,其作书法狂放,诗文不用古人语,直白如话,兰竹潇洒明朗,强化了绘画作品中的人格象征意义,难能可贵的是经常流露对现实生活中下层民众疾苦的关心“一枝一叶总关情”。此幅《兰竹双清》,便是具有象征人格意义的板桥典型画风之作。

567竹石图 立轴 水墨纸本

款识:秋风昨夜窗前到,竹叶相敲石有声。及至晓来浓露湿,又疑昨夜未秋清。板桥郑燮。钤印:郑燮之印(白文)

郑板桥,原名郑燮,字克柔,号理庵,又号板桥,人称板桥先生。江苏兴化人。“扬州八怪”的主要代表,以三绝“诗、书、画”闻名于世的书画家和文学家。《竹石图》作者用简劲的笔锋,勾勒出坚硬的岩石,气势雄伟,好似深山危崖之一角,又一种天然自成之趣。在整个坚硬瘦石折裥处略施以小斧劈皱,崚嶒之态顿出。石前新篁修竹数枝,瘦劲挺拔,竹枝不高,竹干极细,但不脆弱,极其傲然。笔致灵动疏爽,竹浓石淡,浓淡辉映,妙趣横生。两竿老竹顶天立地,叶少而肥。简洁清秀,高低错落,竹有虚实,墨有浓淡,充分体现了郑燮画竹的简瘦美感。

郑板桥尤擅画竹,“四十年来画竹枝,日间挥写夜间思。冗繁削尽留清瘦,画到生时是熟时。”(《题画》)

他一生专注于画竹,格调超人,从而奠定了他在画竹史上别人无法企及的位置。图中书法也妙,熔黄庭坚、苏东坡于一炉,掺篆、隶、楷、行各种书体的杂糅,既有峻峭纵横之雄,又有潇洒秀丽之韵,人称“六分半书”。以兰竹笔画入书,以书法用笔入画。熔真草隶篆于一炉,结诗书画于一体,独树其帜,堪称“三绝”。

1隶书(今隶)的基本笔画及其书写方法解析

我们学习书法都是从临摹古人法帖开始的,但是,学习方法各有不同。大多数初学者忽略“读帖”环节,翻开字帖“照猫画虎”,始终不得其“法”,久而久之染上了“描、画”的习气,这种方法是错误的。正确的学习方法应该先“读帖”,深入揣摩古人的用笔要领,从一点一画学起,待各种笔画的书写要领掌握之后,再集画成字,这种方法才是唯一正确的方法。需要强调的是:临帖,第一是要把帖中的每一个字拆开,琢磨每个笔画是如何写成的,其次才是观察字的结构。这一点往往被一些人颠倒。也就是说:允许临摹的字形与字帖上的字有差别,甚至差别很大。但是,不允许每一笔画的形体特征与字帖上的笔画有较大差距。这样临习出来的字,乍看字形不像,细品笔笔皆像,说明你的方法是正确的。如果字形、点画都相像,说明你成功了。隶书,是书法家的必修课,它的笔法对楷书、行书、草书的创作会起到极大的影响作用。

隶书 又称佐书,它是由小篆递变而来的一种书体。秦始皇时期,官方文字使用小篆,正式公文都用小篆书写。由于公文繁多,篆书的书写缓慢,影响了工作效率。于是,一些“隶人”(底层小官吏)和“书佐”(主管公文的佐官)在抄写非正式文稿时,把小篆圆转修长的笔画拉直缩短,把圆润对称的笔画改成方折,使之书写起来更加便捷,且易于辨认。因此,后人把这些“隶人”和“书佐”使用的,由小篆简化、变形而来的这种书体称为“隶书”或“佐书”。

传说:有一位叫程邈(miǎo)的小官吏,因得罪了秦始皇而入狱。他在狱中耗时十年,研究整理了三千隶书常用字,得到了秦始皇的赏识,因此,程邈获得了赦免,并被封为御史。从此,隶书开始在秦朝使用。

隶书从篆书演变而来,经过春秋、战国、秦朝,到汉朝已经成熟。西汉时期,小篆、隶书并用,但小篆逐渐衰落,而隶书逐渐兴起。到了东汉时期,隶书成为了官方文字。当时,碑刻盛行,碑文多以隶书书写,于是,“汉碑”便成了后人对隶书的代称。为了把秦时期的隶书和两汉时期的隶书区别开来,后人又称秦朝的隶书为“秦隶”或“古隶”;把汉朝的隶书称为“汉隶”或“今隶”。

今隶(汉隶),把篆书中的弧画拉直缩短,并打破了篆书对称的字体结构,还增加了撇、捺、折、钩、提等笔画。定型后的隶书,形成了横、竖、撇、捺、折、点、钩、提等八种基本笔画,为后来楷书的形成奠定了基础。

隶书的形体特征,为扁方形,高和宽的比例大约在三比五左右。个别上下结构和上中下结构的字,会打破正常的高与宽的比例关系。

2本节以汉代《曹全碑》为范本,详细解析隶书基本笔画:横、竖、撇、捺、折、点、钩、提等八类笔画的书写要领。

1.横画( 两种)

从左向右书写的横势笔画。横画有两种:一是平横 ;另一种是带有波磔(zhé)的波横。平横画,笔画两端都是藏锋;波横画,左端藏锋,末端露锋。

3(1)平横 是两端藏锋的平直笔画。书写要领:逆锋起笔,中锋行笔,回锋收笔。与其他笔画搭接时,搭接一端可省略逆锋起笔或回锋收笔的动作。

45(2)波横 带有波磔(zhé)的,末端露锋的横势笔画。书写要领:逆锋向左下方起笔,然后向右上方回转、偏锋行笔、驻笔下沉,最后侧锋向右上方空中出锋收笔完成。此画,要有一波三磔的动感。波横,在每一个字中只能使用一次,切忌出现两个或更多的波横(见图25)。

6 72.竖画(一种)

从上往下书写的下垂笔画。书写要领:向上方逆锋起笔,回转后,中锋行笔,下端回锋收笔。行笔时,用力要均匀。

8 93.撇画(两种)

一种是斜撇,另一种是竖弯撇。

10 (1)斜撇 是从右上方向左下方书写的斜势笔画。书写要领:逆锋起笔,回转后,由中锋经偏锋,逐渐向侧锋过渡,以侧锋向左横势行笔,终端回锋收笔完成。

1112(2)竖弯撇 是竖势转斜势的撇画。书写要领:先写一段竖,然后就势偏锋向左横斜势弯转,终端回锋收笔完成。

13 144.捺画(两种)

从左上方向右下方书写的斜势笔画,有斜捺和竖折捺两种。捺画,有倾斜角度和波磔的小弧度弯曲变化;此画上端藏锋,末端露锋。

15(1)斜捺 是从左上方向右下方书写的斜势笔画。书写要领:顺锋起笔,中锋行笔,驻笔转偏锋横势运行,末端向右上方空中提笔出锋完成。

注意观察下面字中的斜捺笔画。

16 17(2)竖折捺 是由竖向横势转折的捺画。书写要领:先写一段竖,然后转折向右行笔,转折后呈捺画形态,末端出锋收笔完成。

注意观察下面字中的竖折捺笔画。

18 195.折画(两种)

由横或竖转向竖或横的方折笔画。折画有横折、竖折两种。

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(1)横折 是由横转向竖的方折笔画。先写横,然后就势侧锋向下转折。

2122(2)竖折 是由竖转向横的方折笔画。先写竖,然后转向横,末端回锋收笔完成。前端或末端与其他笔画相连接时,可省略逆锋起笔或回锋收笔动作。

注意观察下面字中的竖折笔画。

23 246.点画(四种)

不同方向的点状小笔画,根据它的方向变化可分为:横点、竖点、撇点、捺点四种。 “点”画虽小,但是,它的起笔、行笔、收笔的动作不可缺失,只是缩短了行笔过程。

25(1)横点 呈横势的点状笔画。其书写要领与横画相同,只是短小而已。

26 27(2)竖点 竖势的点状笔画。它是竖画的缩短,书写要领与竖画相同,也要有起笔、行笔和回锋收笔的动作,只是比竖画缩短了行笔过程。

28 29(3)撇点 从右上方向左下方书写的点状笔画。书写要领:横切起笔,侧锋行笔,末端向右下方空中顺势掠出完成。

30 31(4)捺点 从左上方向右下方书写的点状笔画。书写要领:向上逆锋起笔,然后回转向右下方运行,末端向空中提笔出锋完成。

32 337.钩画(一种)

在竖的下端向左侧踢出的钩状笔画。书写要领:逆锋起笔,中锋行笔,出钩处稍拉长变细,然后向空中提笔出锋完成。这种钩画,在隶书中还未成熟,处于雏形阶段,因此,出现较少。当隶书演变成楷书后,钩画才正式成熟定型,成熟后的钩画,在楷书中有十余种之多。

34 358.提画(一种)

从左下方起笔,向右上方挑起的斜势笔画。书写要领:顺锋下切起笔,回转向右上方偏锋行笔,运行过程中逐渐提笔 ,末端向空中提笔出锋完成。

36 37隶书的大多数笔画,基本沿用了篆书中锋行笔的方法。但是,在横、撇、捺、折、提等笔画的书写过程中,创造性地使用了偏锋和侧锋,这是对篆书的重大改革。在创作实践中,我们可以大胆尝试偏锋、侧锋的混合运用,会产生别样的效果。

9.各种笔画练习(上行是《曹全碑》选字,下行是作者对临之作)

(1)横、竖笔画书写练习

38 40 39(2)撇、捺笔画书写练习

41 43 42(3)点 、折、钩笔画练习

44 45 46(4)各种笔画综合练习

4748 52 51 50 49在临帖之前,要熟读字帖然后动笔。读帖时,需要我们用心观察和判断,努力揣摩、还原墨迹原貌;要注意观察碑帖中因石碑残损脱落而产生的白色痕迹,这些痕迹往往和笔画混淆。如若在笔画中有脱落的痕迹,会使笔画变形。还有一些较细的笔画,在拓印过程中会丢失,这些问题要注意,以免产生对原帖误解。

大千早在30年代初已作《仿易元吉槲树双猿图》,直到81岁时又作《攀猿图》。六十年间曾画过不少猿画,其中应以敦煌礼佛后之槲树双猿图最负盛名。

旅美收藏家于士杰医师收藏中有一幅中堂张大千重彩写实工笔画《槲树双猿图》,落款為“易元吉槲双猿,寒斋旧藏,追拟其意,杳杳凄凄,别有彩摇云外,声袅月中之致,与原迹不同也。孝慈先生正之。乙酉嘉平大千张爰,並鈴有白印 “张爰之印” 及朱印 “大千” 二印。

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1 2张大千爱猿。他在论画说中写道:“我爱画马﹑画猿﹑画犬,因之也爱养马﹑养猿﹑养犬。猿是世界上最有灵性,最有感情,但最怕伤感的动物。猿与猴子是不同的,一般人总是分不清。猴子性淫,难分好歹,你喂猴子的东西它乱咬乱丢,明明吃饱了,也要啃一口来吐掉,接过来再抛掉; 猿就不同了,饱了之就不要,还有小孩子手中的食物猿不会抢,猴子可就会乱来,所以我是喜欢猿而从来不养猴子。”

大千曾画过多幅以猿为主题的画作,一方面他认为自己是黑猿转世,另一方面也心中有猿。据先生自叙及张家传说,先生在即将临盆时,其母亲曾友眞曾做一梦,梦见有一长髯老者持一大铜盘送给曾氏,盘中蜷伏着一小黑猿,曾氏接过此物后,老者即倏忽不见。曾氏惊醒后不久,即生先生,故有“黑猿转世”之说。

大千21岁赴上海拜曾熙(农髯) 为师学习书法,曾熙拫剧黑猿转世之说,为他取名为“蝯””(蝯为猿的古字),直到三十年代中才改为“爰”。

大千早在30年代初已作《仿易元吉槲树双猿图》,直到81岁时又作《攀猿图》。六十年间曾画过不少猿画,其中应以敦煌礼佛后之槲树双猿图最负盛名。

旅美收藏家于士杰医师收藏中有一幅中堂张大千重彩写实工笔画《槲树双猿图》,落款為“易元吉槲双猿,寒斋旧藏,追拟其意,杳杳凄凄,别有彩摇云外,声袅月中之致,与原迹不同也。孝慈先生正之。乙酉嘉平大千张爰,並鈴有白印 “张爰之印” 及朱印 “大千” 二印。

3张大千《仿易元吉槲树双猿图》

此图画法是将二只长臂黑猿置于深山峡谷涧湲旁的一株槲树杆上,其中一只黑猿一臂攀援在粗壮的横枝上,正眼注视观者,任观者从哪一个角度来看,此猿总是正正经经的望着你,彼此息息相通,达到神光离合之效应。

另外一只长臂黑猿,其左臂紧握左下直立的槲树杆上,右臂自然垂下,身躯佝偻,双腿蜷缩在山峡涧,充分表现出长臂黑猿的体态特征。黑猿的五官刻画十分精细,先以细笔勾勒,加以浅墨层层晕染,又巧妙地用白粉渲染面部,厚而不腻,薄而不失色,结枸准确,生动自然,毛皮以干笔皱擦,后逐层柒墨,凸显出毛绒绒,厚重的质感。槲树叶以石青石绿染之,阴阳向背层次分明,树干双钩点苔,尤显劲健。

二只黑猿舒展双臂攀缘树上,是北宋易元吉画中的精灵,深厚繁复的点染,凝练沉稳的勾勒,使张大千的纤巧更贴近古人的灵魂。整幅拘图巧妙,双猿一动一静,其面貌描绘一丝不苟,细致传神,双目绰然,其身躯比例均匀,通替短毛绵密,尤具质感,从全画看来,大千总能在工细中见疏香与清雅,散发出宋人院体绘画特有的拙朴。北宋易元吉画猿,入万守山百余里,以观猿﹑狖﹑獐﹑鹿之属,心传目击,悉着毫端。

张大千亦有“今之易元吉”称号,这不只是形容张大千在画猿方面的投入与成就。不同于易元吉的是张大千有黑猿转世的情结,故自称有与原迹不同吧。

4张大千 桂树晓猿图 立轴 纸本 1964年作

5张大千 老树腾猿 镜框 设色纸本 1952年作

6张大千 松猴 立轴 1979年作

7张大千 猕猿 镜片 水墨绢本

张大千经常豢养猿猴作伴,最多时曾有饲养十余只的记录,朝夕相处,使他熟悉猿的各种习性。

《猕猿》整幅用墨笔画一只正面猕猿,五官刻画十分精细,先以细笔勾勒,加以淡墨晕染,又巧妙地用白粉渲染面部,厚而不腻,薄而不失其色,结构准确,生动自然。尤其是炯炯有神的双眼似与画外之人对话交流,堪为佳作。

8张大千 松猿长寿 镜心 设色纸本 1977年作

此作章法,是将黑猿置于一棵遒曲苍劲的青松上,黑猿左臂紧握直立的松树干,右臂自然垂下,身躯佝偻,双腿蜷缩在树干上,充分表现出长臂猿的体态特征。黑猿的五官刻画十分精细,先以细笔勾勒,加以淡墨层层晕染,又巧妙地用白粉渲染面部,厚而不腻,薄而不失其色,结构准确,生动自然。毛皮以浓墨写成,凸显出毛绒绒、厚重的质感。树干、松针的用笔苍老洒脱,与黑猿的细写形成对比。整幅构图巧妙,猿猴形神兼备,又寄寓长寿之意,堪为佳作。

9张大千 猿戏图 镜框

101968年作 柏猿图 张大千

11张大千 峭壁猿啼 立轴 设色纸本 1934年作

12张大千 猿戏图 镜心 纸本 1944年作

13张大千 猿猴 设色纸本 立轴 1950年作