200余件作品背后书写的不仅是老舍、胡絜青夫妇与众多艺术家交往的美好故事，更是传承了中国文人的古风与雅趣。近日，“人民的艺术家——老舍、胡絜青藏画展”在中国美术馆开幕。作为新中国第一位获得“人民艺术家”称号的作家，老舍对绘画更是有自己的美学追求。他与夫人胡絜青在长达几十年里与画坛友人交往，收藏了大量的书画。此次展出的200余件作品便重现了当年的文坛、艺坛佳话。

《雏鸡出笼图》是老舍收藏的齐白石的第一幅画作，是生长女舒济那年求来的。

有些是艺术家主动送的，也有不少是老舍、胡絜青从文化、历史角度收集来的。

“人民的艺术家——老舍、胡絜青藏画展”是收藏展也是遗作展，更是致敬展。今天是老舍先生诞辰116周年纪念日，为此，中国美术馆首次完整呈现了老舍、胡絜青所作所藏的书、画、印、砚。

在老舍之子舒乙看来，老舍是“当代文坛上最懂画的文人”，他“不光收画藏画，他还评画论画，写一系列关于美术的文章，高屋建瓴，指点江山，对同时代的每一位大画家都有评论，充分肯定他们的成就和长处，又尖锐地指出其缺点不足，提出指导性的意见和建议，甚至预言其未来的走向，和艺术家们结为贴心好友”。

老舍曾向齐白石求《蛙声十里出山泉》，并注明了构图。

同时，老舍夫人胡絜青曾先后师从齐白石、于非闇，成为我国20世纪女艺术家的代表人物之一。舒乙告诉记者，世界上的名作、杰作不少为皇帝、教皇的定制，但此次展览则展现了大文人与大艺术家的互动，他们包括齐白石、黄宾虹、任伯年、吴昌硕、林风眠等著名艺术家，“有些是艺术家主动送的，也有不少是老舍、胡絜青从文化、历史角度收集来的。”

对此，中国美术馆馆长吴为山指出，在老舍夫妇的收藏中有着众多的美术史上闪亮的坐标，连同他们的作品和风格，在一代文豪的收藏世界里，形成了一个魅力无穷的文化场，“老舍自身就是人民的艺术家，他的鉴赏眼光、审美格调、价值判断决定了藏品的品位和艺术成就，类似他与齐白石等艺术家之间的交往就谱写了近现代收藏的美妙篇章。”

展陈 还原“老舍画廊”

老舍、胡絜青常把藏品挂于客厅的西墙，不仅定期更换，更邀请好友共同赏玩。

老舍、胡絜青雅好收藏，家藏颇丰。他们的藏画，或为友人馈赠，或为间接求得，或为市场购入，所藏作品纵跨古今，尤其以20世纪以来中国画作品最为突出。收藏的同时，他们也将中国文人的古风与雅趣体现到了极致。他们常把这些藏品张挂于家中，同时继承了传统文人的雅集形式，不仅定期更换，更邀请好友共同赏玩，长此以往，他们客厅的西墙在当时有了“老舍画廊”之称。如今观众步入展厅，将再度看到这个“老舍画廊”被引入中国美术馆，不仅是藏画的完整呈现，在展陈上主办方也做了相关的复原。

老舍、胡絜青夫妇二人书画合璧作品。

记者在现场看到，在“文心雅兴：老舍、胡絜青自作书画作品”开篇中，老舍、胡絜青二位先生书画唱和的日常细节得以再现。而“夫子千秋：老舍、胡絜青藏齐白石书、画、印作品”板块则是此次展览的重点，集中展示了老舍、胡絜青在与艺术大师齐白石的交往中所收获的珍贵友谊，所产生的一段段艺坛佳话，以及70余幅优秀的齐白石作品。其中不仅有老舍和齐白石珠联璧合的诗画之作，更有大量的作品记录了老舍、胡絜青以及他们的子女与艺术大师之间的交往。如《雏鸡出笼图》是老舍收藏的齐白石的第一幅画作，与长女舒济同庚，老舍夫妇曾说：“这是生小济那年求来的”。而《蟹虾图》则是齐白石为答谢胡絜青辅导其大儿子语文课而作的酬礼。当然这样的交往与友情在第三部分“积萃藏珍：老舍、胡絜青藏历代书、画、印、砚作品”依然延续，吴昌硕、黄宾虹、陈师曾、于非闇、林风眠、傅抱石等绘画名家展现了20世纪中国特别是北京艺坛交流、创作与收藏的一个个典型个案。

与此同时，老舍、胡絜青的四位子女舒济、舒乙、舒雨、舒立将家中所存父母旧藏的多幅书画作品无偿捐赠给中国美术馆，既包括如赵之谦的《手札》、翁方纲的《行书〈吴静岩传〉》等明清时期书画作品，还有任伯年、吴昌硕、齐白石等近现代艺术大师的书画佳作。除此，由中国嘉德历时一年多编纂的《老舍胡絜青藏画集》一套五卷，近期将由北京出版社出版发行。

老舍出题 齐白石应画

自古以来文学和美术交融互惠的关系，也透过老舍、胡絜青藏画得到了最美妙的诠释。自收藏齐白石画作后，老舍与齐白石相交，老舍除了到荣宝斋等地购藏齐白石画作外，也亲自向齐白石当场求画，照价付费。在舒乙的回忆中，老舍曾选了一组苏曼殊的诗句请齐白石按诗绘画，一共四句，分别是“手摘红樱拜美人”、“红莲礼白莲”、“芭蕉叶卷抱秋花”、“几束寒梅映雪红”。齐白石拿到诗句一看，噢，春夏秋冬，容易，一气呵成，画了四幅立轴，以四季花卉为主题。而老舍在拿到这四张画时，眼睛发亮，不仅画好，画上还有这样的题词：“老舍命予依句作画”，“应友人老舍命”。如今，这四幅画作也出现在这次展览中，主办方专门在第二板块中开辟出“老舍属诗 白石应画”专题加以呈现。

齐白石应老舍命画诗意四图

作家、艺术家之间的文化激荡、对话，使得艺术家创作灵感、涌动得到了最大的激发，其最著名的例子要数《蛙声十里出山泉》。在有了苏曼殊四句诗句的先例后，老舍决定给齐白石出“难题”了。其中有查初白的“蛙声十里出山泉”。而齐白石在画作中则用焦墨画了两壁山涧，中间是急流，远方用石青点了几个山头，水中画了六个顺水而下的蝌蚪。吴为山指出，这件作品成为白石老人晚年的代表作，是顶峰之作。

事实上，在一封2012年于北京画院档案中发现的老舍信件中披露，老舍曾为所求《蛙声十里出山泉》注明构图：“蝌蚪四五，随水摇曳，无蛙而蛙声可想矣”。在文学家的想象中此时无声则蛙声一片，深谙其意的齐白石则用其精炼的笔墨呈现了极具生命律动的蝌蚪和潺潺出谷之山泉，“两位大师的唱和竟无意中拓展了中国绘画表现的领域，它创造了以形表声会意的可能，”吴为山指出。

米芾《中秋登海岱楼作诗帖》即为《中秋诗帖》(草书九帖之六、七)，纸本，草书，纵25.2厘米，横36厘米，日本大阪市立美术馆藏。

释文：目穷淮海两如银。万道虹光育蚌珍，天上若无修月户。桂枝撑损向西轮。(中为米芾批注：三四次写，间有一两字好，信书亦一难事。)目穷淮海两如银。万道虹光育蚌珍。天上若无修月户。桂枝撑损向东轮。

海岱楼位于涟水(江苏涟水)，是著名的风景名胜，米芾时常登楼，眺望淮河入海处辽阔壮丽的景色。在本诗帖中，米芾形容海口一片水光粼粼，好似银泻大地，而天际出现万道虹光，孕育出宝贵的珍珠。在诗的后半，米芾则引“吴刚伐桂”的典故，谈到若非吴刚日复一日，不停地砍伐桂树，快速生长的桂枝，必定撑破月轮。米芾以此暗喻自己的仕途常为人所阻，无法充份施展。

在帖中米芾前后共抄录诗文两次，中间加入一行批注：“三四次写间有一两字好，信书亦一难事”，可见对书法求好的态度。涟水时期，米芾勤于练习晋人草书，此帖与《焚香帖》、《草书论书帖》都是其中的例子。另外，米芾也经常与薛绍彭书信往返，讨论购帖事宜、交换习书心得，或是品评论书，两人堪称最佳书画友。

米芾担任涟水军使(江苏涟水)期间，最喜欢登临游览的景点就是海岱楼。海岱楼在江苏涟水地区，是唐、宋时代十分著名的望海楼，自古以来，便是许多文人登览赋诗的最佳旅游景点，唐代诗人杜甫曾以“浮云连海岱，平野入青徐”来形容它视野辽阔、宏伟壮丽的景观。它在米芾的诗文中也经常出现，例如〈焚香帖〉(大阪市立美术馆藏)：“雨三日未解，海岱咫尺不能到”，便提到在淫雨霏霏之日，他登海岱楼所见迷蒙的景致。在另一阙词〈蝶恋花?海岱楼玩月作〉中，米芾也提到：“千古涟漪清绝地，海岱楼高。下瞰秦淮尾，水浸碧天天似水，广寒宫阙人间世。”并将海岱楼比喻为月亮上的“广寒宫”，诗人登楼眺望，颇有遗世独立的感觉。

书法艺术最集中地体现了中国传统的美学思想，因而书法欣赏的过程也就是具体把握中国传统美学思想特点的过程。欣赏书法要把握书法美的几个主要方面：

1.气韵生动

中国传统艺术尤其是书法艺术的最高的境界是气韵生动，要达到气韵生动的表现，就必须要”骨法用笔”，也就是说要写出有弹性、有力度的线条。原始社会先民们在陶器上刻划的符号，已经具备了文字的雏形，线条也已经具备了书法的意味，天真朴拙。商周时代的甲骨文绝大多数都是以刀代笔刻画出来的作品，线条以方直线为主，劲挺明快(图9-1)。青铜铭文是先做成泥范，然后以铜浇铸而成,称为金文。金文拓本书法线条遒劲朴厚，结体天真烂漫。先秦的书作虽然力能扛鼎，但都系工具刻画而成，线条还缺乏生动的表现。秦汉以下毛笔作为书写工具普遍被采用。毛笔是用狼毫等兽毛制成，具备 “尖、圆、齐、健”的特点，书写得法，能产生刚健、遒婉、秀逸、凝重、流丽的非常生动的表现。而且书法作品多采用墨汁书写，色泽鲜亮而又沉着，干湿浓淡的丰富变化又会产生生动的墨韵，使书法线条的表现更加传神。

所以如何用笔用墨就成为书法家终身追求把握的基本功和审美的关键。古代书法家总结出一整套用笔、用墨的原则和方法。比如执笔要以意念带肩，肩带肘，腕竖掌平，五指齐力，力注笔尖，这样写出的线条才能达到有力而不浮滑。书写笔画要藏头护尾，逆入平出，中锋用笔等等，这样笔画才能达到匀实遒劲而不妄生圭角，产生诸如”柴担”、”蜂腰”、”鹤膝”等病笔。用墨要浓而不滞，清而不弱，水墨相渗，达到墨分五色的生动表现。总之好的书法作品都灌注了作者”精、气、神”，体现出气韵生动的高超的艺术境界。

(图9-1 仰韶陶器刻符)

2.形和意的合一

汉字以象形和会意为造字的基础，每个单独的字都是古人创造的写意的造型艺术作品。例如:”德”字金文里写作” “，表示”道德、品德”的意思。分别由象形的”心”和”目”组在一起形成的会意字，从”目”上的直线表示视线，这个字以造型的方 式喻示了词义，德不是外在于人的行为规范，而是心的道德自觉，由心灵的窗户眼 睛里流露出来的正直的目光中可感受到的品质。这样书法家在书写这个字时，就会感受到写意绘画的美感享受，把这种绘画感受造型和书法造型感受结合起来就是完整的形意结合的书法感受。

3.点线面的结构美

汉字是以点线来造型的，线与线之间所界定的就是面。点线面构成的书法结构美是书法形式美的重要方面。书法的结构美类似于建筑美感。古代书论里谈书法结体构字的文章很多。隋代和尚智果的《心成颂》，唐代欧阳珣的《结字三十六法》，明代李淳的《大字结构八十四法》等等，其中以欧阳珣的《结字三十六法》影响最大。他按楷书字型的类别特征规定了书写平正的合理的原则，如”避就”(避密就疏)，”相让”(合体字的相互搭配)，”朝揖”(偏旁与主体的关系)等等。但是书法的结体原则规范不了书法的实践，古代书法家在创作中，有法而又无法，展示了千姿百态的书法的结构美(图9-2)。

(图9-2)

如一个”山”字在书法家的笔下，由于意象的不同即呈现出风格各异的结构美。金文《癸山敦》的”山”字，不离象形，观之如三山并立浑朴天成。北魏郑道昭《天柱山摩崖》”山”字，以中间一画为中轴，真如擎天一柱，左右两竖化为两点，各骑下横一端，如翘翘板，在平衡中寻找着不平衡，在稳定中寄寓着活泼。唐太宗《晋词铭》”山”字，将三竖化为三点，下横只写一半，化实为虚，结构顿显轻盈活泼。而怀素《自叙帖》，化三笔为一笔连绵草书，左一竖有山之高，下横与中、右竖化为山之连绵逶迤，写出了动态的美 (图9-3)。

(图9-3)

4.笔墨交融的线型美

书法是以线来造型的，而线本身抽象出来即具备了丰富的审美因素。线的提按顿挫，粗细徐疾，干湿浓淡，迂曲刚柔，体现了音乐的广阔的表现领域，其节奏、旋律把人引进了如痴如醉的优美的意境。古人为了阐明笔划线条的美感，用了很多生动形象的比喻，如东晋女书法家卫夫人和唐代书法家欧阳珣，曾这样描述:”点”如”高山之坠石”，”一”如”千里之云阵”，” “如”万岁之枯藤”，” “如”陆断犀象”，” “如”崩浪雷奔”，” “如”劲松倒石”，” “如”劲驾筋节”，” “如”长空之初月”。就是说书法家在写字时应心存意象，这样笔下才能出现表情丰富，笔墨生动的线条美来。见 (图9-4)怀素《自叙帖》。

(图9-4)怀素《自叙帖》

5.虚实相生的章法美

章法是指书法作品整体的谋篇布局的结构法。首先有大的形成程式化的章法框架。书法作品尤其是草书作品的章法一般为开头加引手章组成的起手式，情感稳重充盈的前半程，笔墨自由驰骋、变化多端的后半程，然后是落款、钤印组成的结尾。这种起、承、转、合式的结构美，体现了中国传统美学的一般法则–即太极图式。太极图就是首尾闭合的大的S线型。S线是充盈着生命韵律的曲线，在自然界中不存在绝对的直线，一切有生命的事物都有曲线的表现形态，而一切最优美的事物都有S线型的表现形态。这样，S线的线型表现就是章法的实地美，而线包围的空白表现就是章法的虚地美。虚实相映、刚柔相济，造成了书法章法的变化万千、美不胜收的艺术效果。(图9-5)

(图9-5)《草书诗轴》许友(清)

6.诗书并茂的文采美

书法是书写文字的艺术，虽然书法可以抽象地欣赏线条和结构美，但是对文字内容的把握，使我们的欣赏更为全面完整，大书法家都是具有高度诗文修养的文人学者，带法作品也就是杰出的文学作品。比如王羲之的《兰亭序》既有”天下第一行书”的美誉又是古代散文的经典作品，读其字、赏其文真是美不胜收。

开篇语：不会耍菜刀的书法家不是个好厨子。。。

近年总有“奇葩书”，这种说法绝不是贬义，当然也不是夸奖。能够想到用书法作为艺术的表现形式说明咱们书法的魅力还是很大的，书法不亡。但还是劝一句，先好好临帖练字吧，没有深厚的书法功底，别想什么创新，容易走火入魔。最终还是昙花一现或是自毁一生。

这不，“菜刀书法”又来了，重庆一位90后小伙子，炒菜之余用菜刀、大葱写字，引来了群众围观。

▲涂建川用菜刀写的书法作品“竹”

有人说这是中国书法新品种的出现，实际上“菜刀”书法并不是这位重庆小伙的首创。在2012年的深圳文博会上就已经有人号称“中国刀笔王”并展示菜刀书法。

图为王濮方正在以“菜刀”书写。　吴林华 摄

图为王濮方展示自己用菜刀写就的书法作品 吴林华 摄

这位自称“中国刀笔王”的人叫王濮方，据他自己说，早在2003年就开创了菜刀书法。王濮方是谁?据中新网此前的报道，其人自称河南清丰县人，从过政、进过媒体，曾获“2005年度中国十大艺术名人”、“国家二级美术师”等荣誉。

还是中新网的报道，王先生自己说了，他这菜刀书法，在河南当地一平尺要价1500元!多是一些圈内感兴趣的朋友买走当做装饰使用，它自己也常送些给亲朋好友，并没有什么经济效益。

还有，2007年8月14日半岛网的新闻，在青岛国际会展中心举办的“扬帆奥运·中国民族民间艺术精品巡展”上任京宝挥刀展示了他的菜刀书法。

任京宝挥刀写出书法 刘延珉摄

中新网2004年12月21日的一篇新闻题为《中新社濮阳十二月二十日电题：普通菜刀成“神笔” 妙手书写成一绝——记中国“刀书”创始人任京宝》。

怎么?他也是创始人?看来这菜刀书法的开山鼻祖还说不清了。

可要说开山鼻祖，那可应该说是张飞了，为什么?百度百科说的：

张飞醉酒凿隶书

史载当年张飞据守巴西时，魏将张郃自汉中率大军前来进攻，在八濛山一带与张飞相持50余日。张飞率精卒万余人，从他道截住郃军交战。山道狭窄，郃军前后不得相救，逼得张郃弃马沿山间小路逃遁，身边只有十余人相随回南郑。经此一战，巴西地区从此安定，刘备才得以在益州立足。

张飞大破张郃后，设宴欢庆胜利，乘着酒兴用长矛在石壁上凿下两行隶书：“汉将军飞，大破贼首张郃于八濛，立马勒铭。”

这开山鼻祖够大牌了吧，赶紧当祖师爷拜一拜吧。那么这是哪一条百科词条说的?吓死你，词条名字就叫“刀书”!这算是奇葩书中的奇葩事了，居然还有单独的词条说明。这词条中也多是对几个“刀书奇人”的新闻介绍。

词条中还将刀书列为硬笔书法的一种，不知道硬笔书法界对此有何看法。

再来看看这位新晋刀书奇人的故事，他是受到了何种感召也走上了这条奇路?

▲涂建川用菜刀写书法

涂建川告诉重庆晚报记者，他是在父亲的影响下开始喜欢书画的，毕业后，到学校担任烹饪教练。涂建川说，去年7月份他开始使用菜刀进行创作，现在，最多5分钟就能写一个字。不仅如此，他还能够使用大葱等其他工具来书写。

还有大葱，大葱，葱……

▲涂建川用大葱写的书法作品

▲用菜刀写的书法有形如肉的纹路

▲涂建川用豆腐雕刻的牡丹花

重庆书画研究会会长卢德龙告诉重庆晚报记者，作为一个厨师能够使用菜刀来写作，确实不容易，也有特色，所写的方式以及字算得上民间工艺品。但是从书法艺术的角度来说，还缺少些艺术性，就字的艺术水平还欠些火候，关于汉字与创作形式上需要进一步协调，建议在菜刀写字形势的基础上，更多从字练起。

好了，刀书就说到这里，看看近年还有什么奇葩书吧。

济南最有文化内涵的城市名片是《鹊华秋色》。它从诞生七百年余来的时空交错中，始终与济南这座城市气味相投。

《鹊华秋色》是中国美术史重大历史转折时期的代表性作品，其精妙的笔墨质感以及营造出的平淡意境都使其当之无愧的实现了赵孟頫的艺术理想。在汉文化岌岌可危的困境中，赵孟頫通过“复古”承担起了历史责任。自此绵延，文人山水画长兴不衰。

一、《鹊华秋色图》里的美意

《鹊华秋色图》现存台北故宫博物院，为元代文坛领袖赵孟頫于1296年在家乡吴兴创作完成。赵孟頫为好友周密述说济南风光，并作此图相赠。(赵孟頫曾守齐州三载，周密原籍山东，长于吴兴，从未到过齐州)。

《鹊华秋色图》

整体上看，画面近处是一片开阔沼泽地，远处矗立两山：右方尖峰突起的是华不注，左方圆平顶的是鹊山。两山之间及山前错落着各种树，远处一排杉树，叶子红中带黄，显示是秋天。左段，鹊山前面，树丛中错落着两处茅屋，四五只山羊悠闲的食草，另一座茅屋前放置着张开的渔网，河上有一渔夫。近处水边停着几叶小舟，渔叟正在劳作。中段，与近处画外相接的土坡上一大丛树木，姿态各异。右段，重心放在华不注山上，山峰拔地而起，孤峰凌霄。山前只有几排树木作为衬托。三段之间景物互相承接，而淡淡细细的芦苇、断续相连的河岸从头至尾遥相呼应，将整个画面连接成一幅和谐的乐章。

布局上，由于两座山各自独立、平行，与前面土坡形成三点之间的“V”字形构图，这一点很可能是赵师法董源《潇湘图》里的布局范式，前景的土坡丛树也是取法董源《寒林重汀》的母题。笔法上，整幅画作所使用的柔韧缓长的线条描绘坡石纹理，描绘华不注山体所用的“荷叶皴”，也是依董源、巨然的“披麻皴”变化而来。

整幅画无论是布局、用笔还是色彩，都显得简单素朴，这是作者有意以“复古”的手法营造一种古雅天真、平淡冲和、宁静幽渺的意蕴。

赵孟頫在艺术上主张“复古”，曾言：“作画贵有古意，若无古意，虽工无益。……吾作画似乎简率，然识者知其近古，故以为佳。”“复古”不是要恢复古貌，而是放弃南宋院体画过于重形的画风，借鉴唐及魏晋的“天然潇淡”，以书法入画，建立起文人写意画的“文”。文化史上没有任何一次“复古”能和“古”重样，赵孟頫通过“复古”，绕开了已经在南宋达到巅峰的写实主义，创立了元代 “文人写意”的新途，直接影响了黄公望、倪瓒、王蒙等一大批当朝画家，奠定了元绘画主基调，并形成了文人山水画的高峰，影响了明清及至近代。

二、 营造出的意境和气息与济南这座城市的气质极度吻合

《鹊华秋色图》里，名山点翠，秋林旖旎，渔歌唱晚，烟云秀色与天地生生之气自然凑泊，呈现一派典雅和穆。它的平和亲切、秀丽淳朴都与济南这座城市的气息非常吻合。济南从不曾有帝都的庙堂之气，也没有发达城市的时尚，虽常说“赛江南”，但又绝非江南的温婉细腻。济南将北方的雄浑与南方的宛丽合为一体，素朴恬淡。《鹊华秋色》的高妙就在于它画出了济南的精神气质。济南的南北中和之美与赵孟頫艺术的南北相融之绝真是冥冥之中的契合。

画中的华不注(今称小华山)，意为“花骨朵注于水中”，以形取名。早在春秋《左传》里就有记载，齐顷公与晋战于鞍，齐师败绩，“逐之，三周华不注”。因《左传》是当时读书人的必读，华不注已为天下知。

北魏郦道元在《水经注》中描述：“单椒秀泽，不连丘陵以自高;虎牙桀立，孤峰特拔以刺天。青崖翠发，望同点黛。”

当时华不注周围全为湖水，唐诗人李白更形容道：“昔我游齐都，登华不注峰。兹山何峻拔，绿翠如芙蓉。”

华不注经《左传》、郦道元、李白的歌咏，声名鹊起，是当时济南名副其实的第一名山。随着赵孟頫《鹊华秋色图》的广泛流传，华不注更成为天下奇胜，奇秀冠古今。

《鹊华秋色图》全图

三、元朝异族统治，中原汉文化“命悬一线”

赵孟頫的坚守就是那根承前启后的“线”

《鹊华秋色图》是中国美术史重大历史转折时期的代表性作品。

《鹊华秋色图》精妙的笔墨质感以及营造出的平淡意境都使其当之无愧的实现了赵孟頫的艺术理想。“弃南宋院画之纤巧，复唐五代北宋之古朴”，在这里得到最好的证明，因而成为其典型风格的代表作品。其题款印章之多开启了“元人笔墨”的先河，给后人留下了更为丰富的品读空间。自此绵延，文人山水画长兴不衰。

元朝是历史上所有异族统治中汉化程度最差的一个朝代。赵孟頫是宋室后裔，其文章、书、画在吴兴一带极具文名，及元忽必烈在南方纳贤，赵被举荐入仕。对于他仕元，当朝及后世一些卫道士颇有微词，他当然也知道这些议论。他曾作《洪范图》，表示仕元是择良而仕。他说，当世的人可能都不理解我，但后世的人一定会理解我。这个理解就是，当是时，出仕是读书人实现理想抱负的唯一途径，他在艺术上的“复古”实践，在元朝一片文化荒漠中使汉文化血脉得以延续。

时隔700多年后，已经很少有人去探究他究竟在政治上经济上做出过什么，但在美术史的研究上，他占据着无可替代的地位，正是这些经历成就了他，甚至于非议、苦闷都成了要素。

赵孟頫在艺术上的成就之高，涉猎之广泛，风格之丰富使今天对他的研究依然有很多待解的谜团。他的很多作品充满了探索者的实验意味，很难用一两个词来准确概括。我斗胆以禅宗的一句话来形容：“一种平怀，泯然自尽”。

他的书法有意舍弃了唐人笔画中的矫饰成分，主学二王，崇尚魏晋的朴真自然，相合而独创一体。他的绘画十项全能，人物、花鸟、竹石、鞍马、山水，无所不能且都精绝。

有人觉得他的书和画“媚俗”，当然对艺术各有喜好。在“平和”和“媚俗”之间看你怎么揣度。《中庸》说：“致中和，天地位焉，万物育焉”。道家讲天人合一。浑然天成，自然无为，所在皆适。赵孟頫参研佛法，更理解禅宗以平和为至境，“一种平怀，泯然自尽”，《鹊华秋色图》里就是一片澄明的世界，宁静的世界，物物自在兴现的世界。

对于中国美术史，研究专家大多倾向于将清前史划分为两段，秦汉到南宋末，为“描摹自然”阶段，元明清为“表现自我”阶段。元代成为了承前启后的重要转折时期。元朝废除了五代两宋的画院制度，山水画的演变自然走向了另一个方向，摈弃院体的以技巧为重，转而以文人气息为重，书法入画，且诗文题跋众多。

“书法入画”有两方面的意思：一是以书法的笔法作画，有笔意;二是书法作品成为构图的有机部分，诗书画印相得益彰。“宋人丘壑”一跃而到了“元人笔墨”上，“笔墨”成为元明清的正统，影响至今。

中国山水画始于隋唐，经五代北宋达到黄金时代，荆关董巨，李郭范米创造了卓越成就，这一时期的山水巨嶂巍峨雄浑、庄严伟大，寒林平野潇疏苍凉，至南宋残山剩水，具象之美已达顶峰。山水画是中国人哲学观、宇宙观的审美体现，巨嶂山水就是人们对自然的崇仰，表达的是人类共同的对大自然的情感，而较少关注个体。及至到了元代，从《鹊华秋色图》中就可以感觉出，作者转向比较个人的、细腻的情感表达，一座孤山，几棵小树，几个渔人就是生命的浅唱低吟，承载了他希望归隐田园的山林之想。

四、众多题款及印章可证为作者真迹，表明流传持续、有序，证据之多，在存世画作中并不多见。诗书画印共一炉冶，成为文人意境的标配。

《鹊华秋色图》上题款、印章之多前所未有，与元最为临近的南宋，很多著名画作上皆不留作者名字，北宋最为震撼的《溪山行旅》，也是近代研究学者才从画作中的一块山石上发现了“范宽”的名字，至于用书法写一堆文字置于画面之中成为构图的有机部分，到赵孟頫才运用的得心应手。

《溪山行旅》

研究中国元代绘画的权威学者李铸晋，同时也是当今美国研究中国现代绘画首屈一指的大家，他在代表作《鹊华秋色图研究》中对其上的题跋、印章、画作流传做了详细的研究分析。简单概括如下：

《鹊华秋色图》上的题跋主要有几方面内容，一是作者本人题款。二是他人赞咏，认为是赵氏的“得意之作”。三是分析绘画风格源流。四是乾隆的故事。

画作上最有价值的一段印迹是作者本人的题款和印章，见于画面上半中部的空白地方。题日：“公谨父，齐人也。余通守齐州，罢官来归，为公谨说齐之山川，独华不注最知名。见于《左氏》。而其状又峻峭特立，有足奇者，乃为作此图。其东则鹊山也。命之曰鹊华秋色云。元贞元年十有二月吴兴赵孟頫制。”

我们从这段文字可以看出成画时间、画面内容及作画动机。“酬友”、“思乡”是多么充满暖意的一个话题。题字风格和印章两点证据足以确定赵孟頫是《鹊华秋色》的作者。

也是从元以后，文人在画作上题字盖印成了雅好。《鹊华秋色》印章、题款之丰富，很少中国画迹像它一样有完整的记录可考;且这幅画不但与元代有名学者如虞集、杨载、张雨和欧阳玄等有关，亦与后来著名的收藏家如钱溥、文徵明、项元汴、董其昌、梁清标及纳兰性德等有牵连。

这些题跋也为我们研究这幅画的风格提供了很多资料。

这幅画以“青绿”设色，画中分为数节的结构，忽大忽小的景物等，在风格上，都似以唐代山水为楷模。题跋中数则共同认为《鹊华秋色图》的风格源于唐代诗人、画家王维。

赵孟頫的挚友杨载赞叹到：“兹观鹊华秋色一图，……诚羲之之兰亭，摩诘之辋川也”。

明代董其昌在画上题跋共有五则，其中1605年的跋最为重要。“吴兴此图，兼右丞北苑二家画法。有唐人之致，去其纤。有北宋之雄，去其犷。……”

而乾隆帝的题款则为这幅作品增加了故事性。乾隆竟在上题跋九则，印章众多。从题跋中我们得知：

乾隆1748年巡狩山东，目观鹊华二山，一时想起赵孟頫这幅画迹。即命侍从飞骑从北京取来;遂能以画迹和眼前风景互加印证。他对实景和赵的画艺皆非常叹赏。在比较中，他还修正了赵的一点错误。赵氏谓鹊山在华不注山以东，但两相对证之下，乾隆却发现鹊山在华不注山以西。

这段小插曲以后，《鹊华秋色图》在圈子里更成为一段传奇。 (完)

本文由墨友【海青】供稿

作者简介：女，1977年生，在山东商报社工作，爱好文学、美术史，自学工笔花鸟画，弹习古琴。

作者临摹宋画作品三幅见下图：

书法，从表面字义上理解，应该是先是先有“书”后有“法”。“书”应该就是文字，“法”就是书写的法则，也就是运笔之法。文字的开始起源于中华民族五千年的文明，从结绳记事开始到甲骨文再到青铜金文，文字的书写工具大多为金属。而真正意义上以毛笔为工具的书法应该起源于秦朝李斯的“书同文”，经过汉隶魏碑的发展，后成熟于唐代的楷书，期间相继出现的篆隶真行草，不仅是字体的变迁，更是审美情趣和历史文明的发展。发展到如今，书法通过继承传统加以创新求变，不论从字法、笔法，还是墨法、章法上都发挥到了极致。

书法就是用手去书写内心的一个过程。人们往往是通过书法的表现形式来传递信息、交流思想。在古代，人们在春节里在大门口张贴春联来表达自己节日的喜庆心情，通过书写书房前的对联来抒情言志，以尺牍形式作为朋友之间的书信交往。在书写过程中毫无拘束，内心情感也就能尽情表达。一首《兰亭序》如行云流水，在畅快淋漓的字迹中，我们可以慢慢地从“天下第一行书”的书法作品中读懂出那场文艺盛会中“景幽、事雅、文妙、书绝”的韵味。书法更是表现心灵的手段，书家作书时心智凝聚于笔端，是其心灵真实自然的流露。颜真卿的《祭侄文稿》，为祭奠“安史之乱”中丧生的侄子彦季明而作，悲愤的心情跃然于纸上，在无意中作书中而得自然之妙，从而手心相忘，书写的文字随情绪而起伏，是精神与书法技法的绝妙表现。

书风的形成，往往具有一定的时代烙印。书法开始的功能只是记录当时的历史事件，随着文字的发展以及人们对审美的追求，人们又给书法有一个重新的定义和认识，也就出现了历史上诸多书体各异风格迥然的书法名家。然而对于一种书风的形成，往往在一段时期内当时会形成一种主流，然经过历史长河的沉淀之后，人们不禁在大浪淘沙中拾起那一个个美丽的贝壳，其余的则像沙子从指间漏过。书法的发展历程经历过“百花齐放”之后，人们对一种书体的审美追求，一个书家在对自己风格的坚持，就象大海中的贝壳依然保持着美丽，能做到不为旁人所左右，不为生活所左右不失为一种难能可贵的品质。

各人的书风，应当具有各自的特色。每个人开始学习书法，有的人选择从帖入手，始得笔法。有的人提倡从碑入手，终成大家。然而，近年来全国遍地开花举办的书法作品大赛，当一种书风形成主流之后，模仿跟风者甚多，甚至抄袭之风盛行。书法作品一旦缺乏创新，作品就会失去生存的基础，往往书法作品的重复化、程式化和雷同化就会使其缺乏生命力。各类“丑书”亦大行其道，网络上的书法培训也应运而生，文艺界的腐败也滋生蔓延起来。对于书法艺术，有多少人能坚持住自己的书风，又有多少人能不沦为金钱的奴隶?人各有长，究竟从何处下手，就应该因人而异，寻找自己一贯熟悉的书风并坚守如一，而不能千人一面。

《中秋帖》为晋代王献之所书纸本手卷，纵27cm，横11.9cm。《中秋帖》是著名的古代书法作品，曾被清高宗弘历(乾隆皇帝)誉为“三希”之一，意即稀世珍宝，现藏故宫博物院。行书3行，共22字，释文：中秋不复不得相，还为即甚省如，何然胜人何庆,等大军，无署款。

一张老纸的价值近30万元!在中国嘉德拍卖会，一张宋代“金粟山藏经纸”以29.9万元成交，甚至比许多艺术家的书画作品还要贵。

这些老纸的收藏价值究竟体现在哪儿呢?为此，记者采访了部分厂商及纸张研究者，他们从各自的专业领域，与广大藏家分析了古纸的价值，并分享了收藏经验。

书画纸作画因小失大

“不朽的作品一定是在好的材料基础上进行的艺术发挥，但现在很多艺术家却完全不懂纸、墨、笔。”一得阁董事长孟繁韶表示，当一个艺术家的技艺达到一定的水准时，好的材料可以为其作品“加分”，“这也是为什么南唐李后主要花那么大的心思去研究纸张。”他进而介绍，很多画了几十年画的画家也不知道，他们一直使用的并不是真正意义上的宣纸，现在市面上的100张纸中，不到20张是宣纸，其余80张只能叫书画纸。“什么是书画纸?就是在纸浆里加一点点稻草和其他东西制作出来的。那些一刀价格低于900元的，绝大多数就是书画纸。书画纸最大的缺陷是不晕墨。

宋代“金粟山藏经纸”

要知道，墨和纸之间是有感情的，墨被画在纸上后，还要在纸里生长，所以古人写字、画画往往可以做到墨分五色，而现在却难以达到这个境界。我甚至看到有的人写字、画画，每一笔下去都要用餐巾纸蘸一下，这种做法让人啼笑皆非。”而在剩下的两成宣纸中，还有至少一半只能算是“化工宣纸”——虽然其材料可能与宣纸一样，但漂白、加工都用了化学材料。“以前的宣纸采用日光自然漂白，需要很长时间才能制成，而现在都用高锰酸钾漂白，一天半就能完成。”

书画家不注重纸张的质量，表面上看起来是节省了一点成本费，实际上却可能因小失大。“有的人认为买一刀100多元的纸就足够了，其实他们哪里知道，这种纸存放五六十年就会粉碎，既不尊重自己，也不尊重买家、藏家。”而很多收藏者对纸张也缺乏必要的研究和了解，如果真想把艺术家的作品当“传家宝”，若遇上了纸张不够好的情况，可能无论怎么精心收藏，作品过了几十年都会面临“粉身碎骨”的风险。

陈年精品宣纸

纸张质量直接影响书画效果

在中国嘉德的拍卖会上，除了宋代“金粟山藏经纸”以29.9万元成交外，10张一卷的安徽省泾县小岑宣纸厂生产的红旗宣纸也拍出了2.76万元。

事实上，近些年老纸的价格涨幅惊人。据悉，2001年7月在北京瀚海拍出的另一张宋代“金粟山藏经纸”，估价5000~6000元，成交价才5500元，十几年后竟然贵了50多倍。

为何老纸收藏行情节节高?最直接的原因是，纸张的质量与书画效果息息相关。

历代文人雅士、达官贵人，对文房四宝特别是纸张都非常讲究，西汉末年造纸术的发明也正是这种需求的产物。欧阳询、颜真卿、张旭、李煜等都对宣纸爱不释手，甚至有属于自己的定制品。“纸张对写字、画画非常重要，其质感、吸水性直接影响书画创作的效果。”从事古纸研究的易先生告诉记者，在书法上，写不同的字体，对纸张吸水速度有不同的要求。“譬如隶书、篆书，这类字体一般圆润没有棱角，就要用吸水快一些的纸张，也就是常说的偏生的纸张。而写一些棱角锋利的字体，譬如欧体或者小楷，则应用偏熟一点的纸。

再者，不同的纸张，墨涂上去显示的颜色是有细微差别的，这就是墨色——同样的墨，写在好的纸上油光黑亮;写在差的纸上发灰发暗，作品也没有神采。此外，不同的纸润墨性也不同，中国画讲究墨分五色，尤其是泼墨写意，经水稀释的墨画在纸上，会迅速向周围散开，在好的纸上，水走而墨留，能够分出由浓到淡的层次。”因此，不同材料、种类、品牌，甚至同一家生产的但是年份批次不同的纸张，在上述方面都会有很大的差距。

行家蔡先生也介绍道，古人对纸张确实很讲究，主要用麻纸、藤纸、皮纸、竹纸等，宣纸也是皮纸的一种。“之所以有这么多品种，是因为要不断发掘出新的更有利于加工成纸浆的原料，仅仅固定为一种原料，肯定满足不了纸张的供应需求。比如唐代很有名的‘剡溪藤纸’，就因为过度采伐，导致原料绝迹并终致纸种消失。”

此外，一位不愿透露姓名的行家则告诉记者，老纸收藏行情高涨还因为有部分人利用老纸仿造古代书画大家的作品，然后拿到市场上流通，牟取暴利。

原料稀缺以及工艺不精 令古法造纸技术失传

“轻似蝉翼白如雪，抖似细绸不闻声。”宣纸闻名于唐代，因地制宜，采用皖南地区特有的青檀树皮、沙田长秆籼稻草、杨桃藤等原料，经过浸泡、灰掩、蒸煮、漂白、制浆、水捞、加胶、贴洪等十八道工序，从材料生长，到纸张制成，历经五年时间。传统材料与技法制成的宣纸具有“韧而能润、光而不滑、洁白稠密、纹理纯净、搓折无损、润墨性强”等特点，并有独特的渗透、润滑性能。写字则骨神兼备，作画则神采飞扬，成为最能体现中国艺术风格的书画纸，所以广受欢迎，使用最为广泛。

但上世纪六十年代，中国造纸术进行了技术变革与创新，开始大规模的现代工业化生产，采用烧碱、漂白液对宣纸的材料进行漂白，严重降低了宣纸的寿命，做出来的宣纸，若不经特殊包装，保存时间很难超过百年，即使是某些知名企业的产品，与古代的宣纸相比，无论是用材还是工艺，都不可同日而语，收藏价值存疑。

千年古宣宣纸厂董事长卢一葵在接受采访时表示，严格遵从古法做宣纸的厂家如今已是凤毛麟角：“古法制造宣纸，原料就得两年才能做出来，而如今工业化的只需要一天时间就可以了，两种纸的价值差距是显而易见的。”而现在不少厂家都自称用的是原始工艺，实际上也多是冒充。

不过，令人欣慰的是，近年来有不少收藏家专门前往安徽调研，开始了解宣纸的“前世今生”。“我一直希望他们能够达成某种共识，比如不是用古法宣纸创作的作品，以后都不能进拍卖行上拍，不然好好的画放个几十年就眼睁睁看它变废品，钱等于都白花了。当然，现在也有比较懂行的收藏家，事先会要求画家用好纸创作，不然画得再好也不买，甚至自掏腰包买好纸给画家用，还在上面做好记号，以防被掉包。”卢一葵介绍道。

除了宣纸，孟繁韶告诉记者，文房四宝都存在失传、失真的情况。失传是因为制作者条件艰苦，收入与付出不成正比而改行。失真就是学不来完整的手艺。在传承过程中，很多东西丢失掉了，或者因为制作者不对传承的工艺进行体验、体会，不去琢磨，导致有些东西摸不透。“还有原材料稀缺的原因，某些种类的原材料被大量使用，消耗速度超过生产速度，要么就是成本太高，厂商不愿意花那么高的成本去收购上好原材料制作产品。另外市场化程度还是不够，跟其他品类相比，老宣纸的价值还是没有得到充分体现。”孟繁韶希望今后有更多的人在喜爱书画艺术品之余，也能慢慢了解、关注宣纸的收藏。“至于收藏的标准，就是‘好料、好工、大师’，即使用好的材料加上传统工艺，再加上出自有名气的高水平艺人之手，这样的宣纸，收藏价值最高。”

在学习书法时，我们能够从古代碑帖中理解到传统中国文化的精髓;在学习书法时，我们能够学习到独立处理各个细节问题，拓宽心胸，静定心性，在练习书法时，需要非常注重细节。

练习书法对成年人有什么好处?

冶心练气——书法是一种陶冶心灵，练气养气的柔性运动，对于体能和心智的锻炼都有帮助。不仅能修心养性，改变气质，更得以从静中稳定血压，使得身心清爽愉快。

肯定自我——以适当有效的方法学习书法，自能培养创作、书写作品的能力，适时显露才华获得成就感，对事业和人生都有绝对的帮助。

忙闲兼宜——练习书法易于调配时间，在忙闲中取得平衡，是一种“闲人的忙事，忙人的闲事”。工作的人，在忙余提笔挥毫,，自能悠游其间，获得心灵的调剂;而较有闲暇的人，若能提笔练字，必能由于练习书法而充实生活。

增广文学素养——练写书法必需了解许多古典文籍和诗词，增长文学的素养，并因选用有益自身及社会教化的文字内容，而能促成良性的社会教育。

调剂情绪——挥毫是抒发个人情绪的良方，心情好时乐在其中，心情低潮时大笔一挥，自能去忧解闷。

练习书法对学生有什么好处?

提高个人修养与文化素质——练习书法使学生提高审美能力和综合文化艺术素养，形成书法特长及爱好;写字是小学生的基本技能，写的比一般同学好，容易获得老师的青睐和在班集体的威信，使少儿增加自信心。孩子从小受到良好的书法教育，不仅能够提高他们的书法素养和艺术修养，而且对培养严谨而踏实的学习态度、自觉刻苦的学习能力具有重要意义。同时对一个人的文化素养，道德情操，性格的形成也起着潜移默化的作用。

促进生理心理的健康发展——书法教学活动能够激发儿童的求知欲，对字帖的观察与分析，对书写过程的思考与领悟，对书法习作的评价与反思，将有助于儿童思维能力的全面提高。书写毛笔字能够促进儿童生理心理的健康发展，运用毛笔进行书写，可视为一种操作过程。在这种操作过程中，神经要进行不断地传导，手的操作感觉被及时传递到大脑，大脑的思维活动不断地发出指令，纠正改善着操作过程。幼儿在操作活动中逐步学会了合乎逻辑的积极思考，因此书写毛笔字能够促进儿童生理心理的健康发展。

培养孩子的耐力和自信心——许多家长都觉得的孩子特别调皮，静不下来，不利于文化课程的学习，练习书法能使学生提高专注力，因为学习书法需要脑、眼、手全身心的投入，使学生养成专心致志学习习惯。

开发智力，培养协调性——书法的练习是一种生动的动态系统，始终要求专注、练习书法写好每一个字，都需要大脑指挥手和眼睛配合完成，双手不同动作及其与全身肢体的协调配合。使大脑的左右半球的技能获得同时发展并增进互相协调能力。

提高人的整体能力——练过书法，思考和处理事物的角度、方法、视野和境界都有所提高，就可以用艺术的眼光看待和处理事物，很可能取得更大的成功。

参加练习书法，弘扬中国传统文化，提高我们的文化情趣，丰富我们的文化生活，也增强了我们的审美意识!