据《北史》记载,北魏远祖为黄帝轩辕氏,黄帝之孙受封于北国,鲜卑即其后世。因黄帝乃是以土德王天下,北方称土为拓,称帝为跋,故以拓跋为氏。439年,北魏太武帝拓跋焘终于消灭北凉,统一北方,建立一个强盛的国家。游牧部落逐渐向封建社会发展,开始定居,从“草原文化”转变为“农业文化”。实际上这种文化的转变却是异常艰辛的,因为每一种文化类型都具有自己的“文化特质”。比如:拓跋氏虽已建立平城为固定的都城,但大部分时间仍车驾奔驰在外,享受着迁徙、射猎的草原生活情趣。太祖拓跋■就认为:“国俗敦朴,嗜欲寡少,不可启其机心,而导其巧利”,反对他的部落接受中原文化。到了世祖拓跋焘时代,农业文化已在各方面对拓跋氏部落扩大了影响,再坚持抗拒这个潮流已不可能,但拓跋焘对于文化的转变,仍采取保留的态度。他认为文化的转变不可操之过急,“有似园中之鹿,急则冲突,缓之则定”。

孝文帝拓跋宏执政后,为了巩固北魏的统治,进行了一系列的改革,其中最为重要的举措就是将京都由平城迁至洛阳,使北魏跃进到另一个文化发展的新领域,即在汉文化传统的风格中糅进了游牧民族质朴豪放、爽健泼辣的气息。

247《张猛龙碑》(图1)

一、北魏墓志书法的审美特点

太和廿三年(499年)四月,孝文帝在洛阳驾崩,被葬于洛阳西北之邙山的长陵。邙山一带从幽皇后冯氏和世宗宣武皇帝元恪开始,就成为北魏元氏一族的皇家墓地。赵万里在《汉魏南北朝墓志集释》中编录的北魏墓志铭有286块,其中元氏墓志为159块,后嫔内职为20块。这些墓志铭因大量出土于邙山,所以被称为“邙山体”。后来它和那些直接刻于龙门岩壁上的造像记载风格上都具有点画棱角分明、劲悍险峻的特色,在书法史上又称魏碑体。魏碑体同时也包括一些碑石、摩崖等碑版刻石,如《张猛龙碑》(如图1)、《嵩高灵庙碑》等。

前人谈及北魏墓志用“千岩竞秀、万壑争流”来概括,是因为它品类繁多,异常丰富且保存完好。随取一家,皆足成体。从出土资料看,北魏墓志书法最繁荣的鼎盛时期是孝文帝迁都洛阳的魏太和廿年(496年)到北魏彻底分裂的西魏文帝大统元年(535年)。在这近40年的时间里,北魏墓志书法发展成为中国书法这个大百花园中一朵亮丽的奇葩。具体说来,它又可分为两个时期:前期刊刻意味强烈、风格相对单一,正如包世臣所说的,“具龙威虎震之规”。此期风格与造像题记如出一辙,极为接近。如《元桢墓志》(496年)、《元简墓志》(499年)、《元鉴墓志》(507年)等。后期为书写笔意浓厚、书写风格多样的技法圆熟期,较前期而言少了几分匠气,多了几分典雅,更多地具有了人情味。如劲拔雄浑者《元遥墓志》(517年)、《李璧墓志》(520年)、《文昭皇太后墓志》(519年);舒展飘逸者《元诊墓志》(513年)、《世宗嫔司马显姿墓志》(521年)、《元倪墓志》(523年);冲和圆润者《刁遵墓志》(517年)、《崔敬邕墓志》(517年)、《元鉴之墓志》(523年);工整典雅、刻写俱佳者《元贿墓志》(520年)、《穆玉容墓志》(519年);幽默、率真者《元道隆墓志》(528年)、《元略墓志》(528年)等。

另外,著名的《张黑女墓志》(如图2),行笔中侧兼用,结字古雅,多参隶意。现仅存清何绍基藏剪裱孤本。何氏称其为:“化篆分入楷,遂尔无种不妙,无妙不臻,然遒厚精古,未有可比肩《黑女》者。”崇恩题:“秀逸不凡,萧散多致,古香古色,令人意消,在元魏墓石中自是铭心绝品。”谛观此志,其笔法亦与智永《真草千字文》有相似之处。后来习北碑书者,遂对此志珍爱有加,视为圭臬。

北魏之后直至隋统一中国(589年),墓志书风有所变化,由斜画紧结之势逐渐变成了宽博散逸(平画宽结)的面貌,或楷隶或篆体,掀起了一个复古浪潮,就出土墓志的书法艺术性而言,堪称精品者较为稀少。

综上所述,北魏无疑是墓志书法最辉煌的时期,也是艺术信息最为丰富的时期。这一时期的书法虽是依托于共同的民族文化背景,但在保持这一共性的同时,又有它自己的特点,体现出多种审美意味。正如康有为在《广艺舟双楫》中称南、北碑的十美:“一曰魄力雄强,二曰气象浑穆,三曰笔法跳跃,四曰点画峻厚,五曰意态奇逸,六曰精神飞动,七曰兴趣酣足,八曰骨法洞达,九曰结构天成,十曰血肉丰美。”可以说,将康有为这十美体现得最完全的就是这一时期的碑刻。其中墓志书法体现得更加充分。那么北魏墓志书法何以拥有这样的艺术特点呢?

1《张黑女墓志》(图2)

二、拓跋文化的支撑

书法艺术有其自身的发展规律,最大的特点就是:学习、总结前人的书法艺术成就,在此基础上进行发展、创新。进而伴随其功能的应用与转变而向前逐步延伸。其核心是继承,目的是应用,创新则是在应用的前提下体现出的时代特点。北魏时期,特别是孝文帝迁都洛阳以后,书风为之一变,从前期的汉晋遗韵到了后来的北魏风神。这一变或曰递变或曰突变。递变者,言北魏绍汉晋之法,有隶楷之滥觞,如《吊比干文》、《嵩高灵庙碑》;突变者,言北碑有《始平公》、《杨大眼》、《魏灵藏》,皆“首现龙虎威震之规”,其茂密、雄强、斜画紧结,开一代之新风,启后世之流变。我们暂且不管其递变与突变,就书风这一转变做做探源。从北魏的碑版、造像、墓志、摩崖来看,北魏书家(刻者)之所以达到这种高度统一的创作状态,其内核就是具有鲜卑族特色的拓跋氏文化。这种文化的支撑,使得这一时期的书法艺术深深地打上了北魏的时代烙印。因为这种强大而无形的拓跋氏文化意识,会驱使人们寻找与之匹配的造型特点和审美意味。而书法作为一种特殊的造型艺术,此时就要更加符合他们的审美要求。

三、审美意识的觉醒

宗白华先生认为魏晋南北朝时期是中国文化史上“最富艺术精神的时代”,即审美意识的觉醒时代。这个时期的艺术既体现出情感的冲动,又形成了一种特有的风度。康有为所说的“精神飞动”便是以审美意识的自觉和感性心灵的苏醒为基础的。“气韵”指的是一种既形象又超越形象的能够彰显事物本质的内在精神和韵味,而“生动”则是指这种内在精神和韵味所能达到的一种鲜活饱满的生命洋溢状态。中国古代哲学十分讲求“气”,无“气”便无“精神”可言,而无“精神”,则“气”随之消歇。整体理解“精神飞动”,就是作品既有生动传神的艺术形象,又有鲜明优美的节奏韵律。可以说,康有为所提出的“精神飞动”不仅是魏碑所具有的审美特点,更是北魏这一审美意识觉醒时代的美学特征。

这一时期的北魏文化,所呈现出的是一片高亢激越、豪迈奔放的景象。特定的生活环境和草原游牧的生活方式,培养出了一种特有的民族情怀。这里包含两层意思:一是北魏这些书者(刻者)所反映的生活的真实;二是书者(刻者)在反映生活时思想、情感的真实。这里所运用“真诚”这一概念,就是说北魏的这些书者(刻者)在创作时,进入一种意识自觉的状态,并非被动地“实录”,而是包含着自身的思想、情感在内。“心”与“书”的统一是“真诚”,表现在“心”与“书”的关系上就是一种真实的流露,或曰“实露”。可见,北魏的书法一面传承着汉晋书风,积极地吸取营养,体现出隶书博大、深厚的特点;另一面,努力充实本民族的特色,融入本民族的精神内涵与审美取向,最终形成一种刚毅、质朴、劲健、豪迈的书风。

1临帖是书法学习的唯一门径,离开了临帖则书法不能进步。世界上的各门艺术中,恐怕只有书法与他的传统联系的如此紧密,离开了对传统的正确继承,书法几乎不能前行。历史上有多少狂妄的“创新”者,在推倒了传统之后,也都在还没有摸到书法大门的时候就倒下了。所以,聪明绝顶的米芾在45岁以前竭力集古字,临帖可以达到乱真的程度,45岁以后才一变,遂卓然成大家。明末清初的王铎在中年后,自己个人风格已形成,但仍然大量临习阁帖,以至于能熟练的将不相连属的阁帖中王羲之的信札,随意剪裁,写成一幅,足见其对阁帖的熟悉程度。当代写碑大家陆维钊先生,至晚年临《兰亭序》数百通,且慨叹说,如果我能早一点临《兰亭序》,我的字还会更好一些。临帖,成为很多名家的必修课!而成名后的自诩者,放弃临帖学习,我们看到他们或停滞不前,或出现大幅度下滑,所以“有空多临帖”,是走向书法颠峰的捷径。然如何把握临帖过程的诸多问题?余不才,据自己多年实践,试述其由。

2一、专与博的问题

这是个老话题,但处理好这个问题,从近处看,可以解决如何迈步的问题;从远处看,可以解决将来能成个什么样的家的问题。由此可以看出它的重要性。我认为应先专,后博,然后再专。先专是选自己喜欢的一家碑帖,集中精力,花3—5年时间,日临夜读,仔细研究,达到闭目能诵的程度,则完成任务。以此为基,对此系列书风前后各代的名家诸碑帖,做系统化的观摩与了解,不在精,而重在会于心,着于眼,各家形态各异,能明辨差别。但要注意这些形态俱为表象,不要被表象所迷惑,要能透过表象看到本质。

在这个过程中,要在思想上形成对此书风的历史与现在系统化的认识,找准自己在这个系统中所处的位置。再扩展到对整个书法史的全面认识,对历代书法家的风格与作品应如数家珍,然后,再加强对中国传统文化的文、史、哲的了解与学习,此为博。经过上述专与博的首轮学习,大致可以了解自己在哪个方面能有发展,自己有那些缺点,所谓“知己者明”,此时便可扬长避短,找准自己的兴奋点,花大力气钻研下去,穷究所发现的每一个问题,找出原因、解决方法、以及效果如何?“衣带渐宽终不悔”,此谓之再专。人生苦短,精力亦十分有限,不可能面面俱到,尤其是在现在这个竞争激烈、飞速运转的社会中,可自由支配的时间更少,欲全面开花,不现实,也是不可能的,学书法的道理是一样的!

二、被动与主动

对新碑帖进行临习的开始阶段,应该是以帖为主,克己入帖,我认为是被动阶段。此时可先将此碑帖悬于壁间,仔细观摹月余。对其形、神、用笔有了较为感性的认识后,再动手去临写。临写时做到“ 察之尚精,拟之贵似”(孙过庭语),此时,可以用双钩,幻灯放大,等等手段对原帖进行全方位的分析研究与临写,临写的量要大,尽量去掉自我理解的因素在手上出现,尽量做到熔入原帖。

经上述学习,此时对原帖已了如指掌,可以以其一点作阐发,笔法、形态、神韵俱可,忽略其它各点,如同照像的聚焦,进行有目的的临写,则由被动转为主动,找出自己喜欢的一个点,融入自我的书风,则帖为我所用,帖已成为我。

三、象与不象

在上述临帖的被动阶段首先要象,做到毕肖。南宋姜夔在〈续书谱〉中说“夫临摹之际,毫发失真,则神情顿异,所贵详谨”。

在这个过程中要不断寻找、分析能与碑帖象的因素,一个细节也不要放过。尽量达到照相式完美复制。包括用纸、用印、用墨、用笔、字形、章法等等。然后分析我为什么象了?对不象的部分认真分析为什么不象?差在哪里?找出原因,重新临摹。不象有两种情况,一是根本临不象。临者在书法各要点运作功力上与碑帖相差较大,眼界、理性的分析能力都有很大差距,是能力不高的表现,是必然的。

临象对他们来说是一个高度,是一个难点。也是一个进步。二是不想临象。不想临象的原因很多,但这往往是建立在临者有极高的控制书法诸要素的能力上。以原帖作为引子而进行的创作实验,性相近者则留之,不可取则弃之。是一种主动的摄取,是建立在临者对原帖清醒的认识和分析的基础之上的。如清王铎,有数量众多的临二王的巨幅大轴,用笔、结构、章法与原帖 全无一点相象之处,是不象的临帖,已转化为主动的准创作!象是基础,没有毕肖,则不象无所依傍。取其一点浅尝辄止,如果眼力不高,往往失去对原帖本质的认识和理解,极易学成习气,如果以此方法涉猎多帖,往往会习气缠身,无可救药。尤其是初学者,更不可多用此法,最终会毁了自己对书法的良好感觉。

四、抄帖与信笔

很多人临帖非常刻苦,但收效却甚微,究其原因,是抄帖而不是临帖。抄帖是漫无目的,没有思考,不加分析,翻开字帖就写,写完后脑中一片空白,或只保留一种书写的感觉,记住的东西很少。抄帖收效甚微,实在是浪费学习时间的“绝妙方法”。抄帖劳而无功,是无效临帖,是学习者在不知不觉中最容易犯的问题,会严重打击学习者的积极性,危害很大,不可小视。

可以用下面的方法纠正:每天临帖定时、定量,量不可过大,要视时间多少而定。先读帖,后临写,写后反思,今天收获是什么?记住了什么?并做出记录。如此往复,则抄帖的毛病可以纠正。而且还可以养成勤思考,写书后感的习惯,这样可以为以后的进步提供参照,便于更好的拾漏补缺,及时修正前进的方向,时间长了,也便于形成自己的艺术思想。如稍加整理也可能形成理论著作。历史上的大书法家有很多都是如此。信笔是笔不在书写者的控制之下的乱画,是技巧不熟练的原因,同时,也是书写时不加分析、不动脑的原因。在初学者中存在,在老手的书写中有时也存在。老手的信笔往往表现为一种习气,更令人讨厌!初学者的信笔多是临帖的方法不正确所致,如抄帖,纠正了抄帖的毛病则信笔也会随之解决。而老手则比较麻烦,是不思考,不学习等等……原因较复杂,有时要完全纠正信笔,须推倒重来!

五、精临与泛临

精临是对一本字帖,从字形、用笔、用墨、章法等等各方面做全面的、细致的分析和研究,结果是毕肖此帖。是在学书法阶段必须经过的一步,没有精临则自己的书法大厦是永远也建立不起来的,这里没有捷径,任何漂亮的言辞和完美的想法都是代替不了的。泛临是在精临的基础之上,所做的一种了解性的临习,属于博的阶段用的方法。现在有很多人,过多的依赖自己的眼睛,以为认真看过的就会了,当然也有这样的天才,但现实中是不多的,用眼睛临帖,往往学的是表象,很容易染上习气,泛临阶段的书写是非常必要的,它是建立在分析思考的基础上,会纠正视觉的偏差,更准确的把握原帖的特点和风神,对碑帖有一个正确的认识。

六、优点和缺点

我认为书法是优点与缺点并存的艺术。观历史上那么多的书法大家,他们的优秀作品的优点是那样的依赖他们的缺点,以至于当你想去掉缺点的时候,就会连他的优点一同扔掉!临习时如不能毕肖,又怎能得其优点,明其缺点?靠眼睛临帖者更要正视作品的优、缺点,仔细区分,看那些可以去掉,那些不能去掉,须保持清醒的头脑,作谨慎、合理的取舍。书法在历史上,存在碑和帖两大系统,这两大系统各有优缺点,学习任何一个系统的书风,都必然存在缺点,从另一个系统的视角来审视就会看得一清二楚,我们应有清醒的认识。帖学的内部,又存在者正与反的两个方面,如二王为正,则隋智永,唐孙过庭、高闲,五代杨凝式,宋米芾、苏轼、蔡襄,元赵子昂 、鲜于枢、康里子山,明刑侗、董其昌,清王文治、朱耷俱为正;而唐颜真卿,张旭、怀素,宋黄庭坚,元杨维桢,清王铎、傅山等等,则为反,正反两方面,可以互补,不可偏废。

七、虚与实

虚与实是一对相对的概念,如果把临象作为实,不象则为虚;优点看作实,缺点则为虚;被动看作实,主动就是虚;帖中可见的物质化因素,如结构,材料、印章为实,则不可见,但可以感受到的,用笔的方法、作者的书写状态、精神因素、性情的表达等形而上的,帖外的东西为虚;把技巧的到位看成实,则弱化技巧注重感情表达为虚。虚与实是相辅相成的,离开了实,虚无所依傍,离开了虚,实失去了存在的价值。实易得,虚难求。古人云“高手运虚”!虚不是一句“字外功”就能概括得了的,他存在于优秀作品的每一个角落。离开了虚,那些优秀的作品会失去很多光彩。

学书者离开了对虚的把握和体会,则作品没趣味,个性亦不能突出。对虚与实的辨证认识和反复体悟,伴随整个书法学习和创作的全过程,观历史上的一流名家,其熠熠生动的作品中无不透露出对虚与实的恰当的把握和体验。当我们学书法多年,作品仍然不能够令人满意时,可以审察:是否对书法虚与实的东西体验不够?当我们从心底体验到虚与实的存在时,那么你的作品一定会大有改观。

上述几方面,为便于叙述,分开来说,实际上是一体的,不能截然分开,在临帖的过程中是共同存在的,只是在不同阶段有所侧重而已。

书法的学习如同走路,正确的临帖方法如同远行找对了路。路走对了,即便再遥远,再艰险,也总能到达目的地。如果路不对,路越好,走的越快,离目的地越远。临帖的每一步,如同乒乓球运动员的每一个动作,动作不规范,训练不过硬,即使心再狠,用力再大,也只能打球出台。中国乒乓球队严格而科学的训练方法,是使中国乒乓球领先世界的法宝,而并不是得冠军的某一场球。这种正确、严格、规范、科学的方法使中国乒乓球运动员代代有高手,有强将。

而书法要始终保持一个较高水平的进步,离开了正确的临帖方法是行不通的,在这里无论你是名家,还是爱好者,是新手,还是老手,都将在结果面前一视同仁。因步自封,自以为是,则必阻碍活水来路,是摸不着书法大门的。历史会给予正确的判断的!

1楷意人生 韦斯琴

年少时习楷书,因为楷书便于认读。埋头写,用点横撇捺搭建着,起初蛮有趣。后来就有些倦了,频换帖,想找捷径,想找到一种写来轻松又容易贴近的字帖摹写。来来回回折腾了一番,见别人只盯着一本字帖临写,写得有模有样,不禁后悔。遂又沉下来,认准一本好帖反复临,渐渐上手,渐渐熟络,渐渐难舍,渐渐读出韵致,渐渐写出性情……

原本以为习楷书只是打基础,那么打好基础便可建高楼大厦,却发现其实楼高未必真风景,依着牢靠的基础,接着葱郁的地气,承着无碍的阳光,心底倒有了无比的畅达。而那些匆匆架起的高楼,却时时有着倾覆的危机,又处处隐着缺少支撑的空泛。

写得久了,越发觉得楷书是基础架构,有了坚实的支撑,又拥有合理的布局,然后再层层攀升才会拥有云的自在与风的优雅。当然,这样的空间是精神的,以文化的足迹抵达,以书写的方式徜徉。

但是,很少有人能坚持下来,将一棵树苗坚守成满树冠的花果,然后以玉树临风的态势承接岁月。也很少有人能守着一丛小花,以不变的诗意迎送无限的春秋。

所以用一生来研习楷书的人,务实,坚韧,沉得住气,有全局观。而想把楷书写出韵致、写出情趣来,还得善于吸纳,善于变通。楷书虽然是入门,是基础,但其真正的高度又是令人望而生畏的。如同我们教育小孩时,总十分强调要品行端正。但真正想修炼成一个品德高尚的人,需经历漫长的自律与苦行。所以,很少有人能达到让人仰视的高度。

而寻常人的一生,亦如习楷,总以为有捷径可走,事实上,老老实实地完满自己的架构,笔笔送到位才是唯一的出路。

常常,我们觉得风景都在远方,立得高才能望得远,于是好高而骛远。其实,读出一朵花的微笑,坐享一棵树的浓荫,便是最美的境。

人生总免不了忙碌,但忙碌不是目的,我们最终的愿望还是坐下来闲望云飞。岁月静好,而习楷是抵达彼岸的轻舟。

2学书感悟 王锰

小时候,偶得天趣,便和这书法结下不解之缘。多年来无论是十年寒霜、投笔从戎,还是公务繁忙,我一直放不下和面对的就是这计白守黑了。为此当年我不消囊中羞涩,不顾路途之疲,不怕遭人白眼,先后求教了徐立明、黄惇、孙晓云、尉天池、张海、沈鹏、启功等名家、大家。使我无论在书法理论还是技法上都有一个质的飞跃。

如今我的书法作品在全国专业性书法大展赛中入展、获奖并加入了中国书法家协会,成为会员。但我仍不敢懈怠,为追求这门艺术常被世人误为不通世故。随他了,躲进书房潜下心,任他哪股事态风。

我推掉了许多应酬,把所有的业余时间都用在书法研究上,在临写古帖时,常被古人的才学、笔法、技法、章法、墨法所折服。时常叹惜自己离古人之学太远,今取得点成绩实在是微不足道。

说实在的,面对今天突起的书法大军,和各大院校招收书法班及各种书法培训班,可谓书法人才辈出。我常感自己很愚笨,天分不足。凭心而论,学习了30多年的书法,搞成现在的样子实在不怎么高明,没办法,谁叫我这么执着痴迷她呢。那我只有更加勤奋,路漫漫其修远兮,吾将墨海而求索。

3我写楷书 叶靖

我自幼喜爱写字,那时,还不懂什么叫书法,但已遍临颜、柳、欧、赵诸家法帖,对前贤敬若神灵。冰冻三尺非一日之寒,随着长期临写,使我对唐楷的认识逐渐深刻,对其书写技巧也日渐熟练。一个偶然机会,在朋友处又见到张猛龙拓本,开始接触魏楷。其结构之险绝,点画之飘逸,转折之斩钉截铁,让我心灵顿慑。遂借而习之。再后来,接触魏楷范围渐多,龙门二十品,郑文公造像等墓志拓本让我走进了一个更为广阔的神密世界,心追手摹,使我对楷书的认识也日渐成熟。

我写楷书,立根得益于唐楷,求变得益于墓志。唐楷出自上流,法度森严,结构严密,如大夫般正襟危坐,似淑女般秀丽端庄。而墓志大多来自民间,从唐楷字如算子的僵化状态中脱颖而出,代之以趣味化、多元化,不追法度,疏野颠狂,妙趣横生,尽显山野之趣,让人耳目一新。我的楷书学习与创作游戈在唐魏之间。尤其侧重字的变化与跳跃。不求把字写正,只求把字写活。从汉字结构的变化到字里行间,或重或轻,或浓或淡,或厚或薄,力求顺其自然。挥运之际,杂念俱消。清心沐手,使自己完全进入空旷之境界。在这里,天外云卷云舒,庭前花开花落,鹤游鹿鸣,虎啸猿啼,月明夜空,清泉石上,高士饮酒,牧童晚归,大河咆哮,大江东流……,我仿佛一位歌唱家引颈高歌,时而激越;时而低缓;时而明快;时而沧桑……一任情感之喧泻,观念之流淌,洋洋洒洒,一气呵成。

笔墨当随时代。书法走到今天,字写好容易,求变难。我敬畏前贤及其他们的杰作,但我更敬重敢于创新、敢于思想的探索者。

4学书心得 叶武

书风喜于倾向典雅、精美的一类。近年执着于晋魏楷书,于墓志用功尤勤。尤好《元略墓志》、《崔敬邕墓志》、《李谋墓志》,结合魏碑墓志的笔法、结体和特征的继承,并增加些魏碑墓志以外的灵动、活泼。注重遒丽、宽和、朗润的熔铸和取舍。唐人《书议》云:“然智则无涯,法固不定,且以风神骨气者居上,妍美功用者居下”。“法固不定”,我理解则是对技巧和才情的最高要求,“法”是要遵从与恪守,“道”又有“不定”的需要,法无定法方能出神入化。

5习书感想 任娟

如今写字,写什么和怎么写,面临多种选择。我觉得,选择最适合自己的,最能发挥自己特长的,自己喜欢又有表现欲望的,应该就是最好的选择。从孩童的第一次拿起毛笔最先接触到的是唐楷,至今对楷书有不解之缘。

朋友相聚时总爱开我玩笑,好羡慕你可以有时间玩弄笔墨。好雅兴!是的我唯一自在的是有充分的时间去做自己喜欢的事。话说回来,我的确是把写字当作很严肃认真的事来做的!宁可写得慢,写的笨拙,也不追求浮光掠影的“帅气”,让自己的心沉静下来,避开外界的喧闹。时常在家一边听音乐,一边细心地临写,几乎每天都有新的发现。

在习书的过程中感悟最深的有以下几点:一,在“水,墨,纸,笔”判断上应极精确,方可心随笔运,腕底神行。楷书尤其讲究纸张的使用,平日惯用半生半熟宣,其性不急不躁,温文尔雅。二,要注重“量”的积累,当量积累到一定程度时,自然会产生质变,正所谓的水到渠成。三,要会取舍,做到:取其精华,弃其糟粕。把古人的经典笔法记下来细心琢磨,引为己用。四,要体现书法的气韵,展现自己的性情。古人云:“书道之妙,神采为上”。每个字每一笔都是有灵魂的,要让大家在看你的字时能感受到你的体温,不是冰冷的,是有生命的。这样才不会把楷书写得“俗气”。一直以来我对自己的习书要求做到八个字:判断,分析,取舍,提炼。今日有幸在诸位老师面前浅谈自己的习书拙见,请老师们大胆地批评,指教。有助于我日后的提高。

东坡先生云:“天真烂漫是我师”。真书之精髓也。总之,凭着自己的艺术感觉,顺着自己的性情,用自己熟悉和喜欢的方式去写自己的东西,去寄托自己的精神,乐也。

6习书感悟 赵凯云

余学书以来,埋首案牍,浸淫古帖,十数载不知有汉,此喜忧参半之举也。浸淫古帖则心息神宁,几无旁骛;而埋首案牍,则视野狭促,不能俯仰,未免有闭门造车之恨。然细品古法,琢磨时下,亦不无感概。

世言:取法乎上,得乎其中;取法乎中,得乎其下,书道亦然也。此固金科玉律,而今人直师魏晋而不顾唐宋,余向未苟同。······以身法古,其情殊益。而纵观子昂小楷,似取法唐人写经,未有今人所见魏晋碑刻之隶意,何哉?以其得观古人墨迹之益也。而子昂至今又七百余年,碑刻之笔力画势多有损略,今人直师未免贻误。况今人学书,去古远矣,又无师承之谊,若不循墨迹真帖,而先习碑刻,实为本末之倒置也。

夫魏晋楷书,古拙率性,天然成趣,自为上品。然其结构萧散,笔画钝拙,若不先习唐人笔势,其结构必难把握,而其笔势益难相仿。余既悟此,则先师唐宋,后取颜欧柳赵,再追魏晋,以钟王为法。纵观王雅宜、米南宫书作壮岁尚规模于古人,未见己意,何忧吾辈老矣。克绍箕裘,已属不易。倘朝学执笔暮欲求变,实非正道矣。

然余虽遍临诸帖,却未能一一消磨,化为己有。余尝悬帖壁间,早晚揣摩,自以为烂熟于胸,而猝然下笔,则心手不应,两不相顾,此手生之故也。抑或心花骤放,剖略时人,取舍之间辄心浮气躁,顿无古味,此皆余之病也。吾辈戒之。

中国画讲究墨分五彩,从淡到浓,从枯到润,水墨交融,层次分明,画面的立体感就突兀出来。画家注重用墨,所论也别具慧眼。如近代画家黄宾虹先生曾说:“墨为黑色,故呼之为墨黑。用之得当,变黑为亮,可称之为‘墨亮’。用墨不当可影响点画的形质和神采。”其实,书家对用墨也早有研究。东晋女书法家卫铄就有“多肉微骨者谓之墨猪”之说。唐孙过庭在研究用墨之法后就提出用墨须“带燥方润,将浓遂枯”。宋苏轼喻用墨为“须湛湛如小儿目睛乃佳”,还精辟地说:“茶欲其白,墨欲其黑”。其意十分明确。

1沈鹏草书书法作品欣赏(全国第三届中青年书法篆刻展评委作品)

清包世臣更是认为:“墨法尤书艺—大关键。”综观历代书法名家之作,都是善用墨者,能在墨色的浓淡、燥润中变化出丰富多彩的墨韵美,使作品能粲然如漆,光亮夺目,生出无穷的情趣来,所以又称“墨趣”。晋王献之的《鸭头丸帖》,虽距今已一千六百余年,然其用墨燥润相杂之精妙,见之仍感墨光焕发,润中得妍,燥中有险,给人以至高的美的享受。明董其昌说得好:“字之巧处在用笔,尤在用墨。然非多见古人真迹,不足与语此窍也。”这也合乎宋米芾的一种说法:“真迹观之乃得趣。”

所以墨的美妙在真迹中才能见到,石刻拓本是墨趣全无的。即使是珂罗版印刷也难以传神。墨本身是纯黑色的,要产生出浓、淡、燥、润的变化,就必须掌握两大关键,一是墨中掺水的多少,二是行笔速度的快慢。燥与润,浓与淡是一对矛盾。是相互对立的。高明的书法家就能利用水、墨比例的变化,控制笔内墨流的速度,使作品呈现燥润、浓淡相间变化的墨韵之美,这是用笔的高度技巧,也反映作者的情趣和个性。

一. 燥

所谓“燥”,是指笔头含墨量少,又由于迅疾用笔,写出的点画中有丝丝空白,墨色干渴,谓之“渴笔”。或由副毫擦纸而成的干枯之笔。《鸭头丸帖》中有的干枯之笔,即为燥墨的开山之作。怀素草书《自叙帖》中段“伸劲铁”、“来信手”等字,点画中间丝丝白色即为用笔迅疾,墨色干枯之法。王铎《草书诗卷0中有的字干枯得简直难以辨认,是笔头无墨而在纸上硬擦过去,此法若运用不当,毕竟有抛筋露骨,僵硬浮薄之嫌。所以董其昌告诫我们:“用墨须使有润,不可使其枯燥。”还是应该“燥润相杂”,才不致干枯乏味。怀素和王铎的草书虽有燥笔,而接着便用润笔,决不会——燥到底,即是此理。

2邱振中草书书法作品欣赏(全国第三届中青年书法篆刻展评委作品)

二. 润

所谓“润”,是指笔头饱含墨汁,以中锋行笔,写出滋润、圆满的线条,字才会显出生动气韵。杜甫诗云:“元气淋漓嶂犹湿”,形容唐人书画重于兴酣墨饱。故书家喜用长锋将笔头全部开通,使笔内饱含墨汁,才能尽情挥运,使墨汁匀称地流在纸上,写出遒润的点画来。清周星莲《临池管见》中指出:“作书时须通开其笔,点入砚池,如篙之点水,使墨从笔尖入,则笔酣而墨饱,挥洒之下,使墨从笔尖出,则墨()而笔凝。”这也说明有一种方法是错误的,就是有的人取一支新笔,只开其笔尖部分,使用时笔很硬朗,误以为如此写出来的字就会有力。其错误在于不解书法需要用墨,墨不能润,则有骨无肉,形神枯峭,难显精神。草书中智永《千字文》就全用润墨。当然,润也不是水淋淋使纸上一片模糊。尤其在薄单宣亡,更应避免下笔即渗化,使字浮薄失神。

三. 浓

所谓“浓”,指墨色厚沉,乌黑发亮,神采焕发,十分醒目。相传“仲将之墨,一点如漆”,即指墨色乌黑光亮,如幼儿瞳子,既黑又亮,精光内涵,十分有神,老人之瞳就灰而混浊,精神也就不振了。故历来书家都喜用浓墨。为的是能将字的精神写出来。当然,“浓”也有一个限度,要浓而不滞,写草书时更要在浓墨中有一定水分,使行笔流畅,要浓而不浊,黑而不板滞。北宋大书家苏轼就善用浓墨。另一方面,用浓墨也需注意字距,行距的章法。若字距、行距都极紧密,再用浓墨,则作品满纸浓墨,一团黑气,则表现近于粗俗,丧失了美感。

3周永健草书书法作品欣赏(全国第三届中青年书法篆刻展评委作品)

四. 淡

所谓“淡”,是墨未磨浓,有较多的水,能写出淡淡的自然晕化的墨韵,亦有清雅之趣。明董其昌最得其法,淡而仍应显黑,不能淡而浮薄,淡得灰暗。淡墨关键在于运用得当,近年,许多日本书家喜用淡墨,在宣纸上也能生出奇趣,多了一种变化。淡墨似乎比浓墨更难运用,因为“墨淡则伤神采”,要淡而不伤神采,是要有点技巧的。书画家潘天寿先生说:“以清水净 笔,蘸浓墨调用,即无灰暗无采之病。”此法不妨—试。

用墨法,浓淡也有时尚,古时尚浓,近时尚淡;中国尚浓,日本尚淡。浓淡存乎其人,浓欲其活,淡欲其华。清时刘墉喜用浓墨,称为“浓墨宰相”;王文治善用淡墨,称为“淡墨探花”,各得其妙。欲掌握墨之浓淡,还需用墨研磨,磨墨要用清水,不可一次加水太多,要渐磨渐加,这样易出墨,省时间,也不会墨水四溅。墨要垂直向同一方向磨去。磨墨较费时间,但这时间也可利用,一边磨墨一边可以读帖或构思创作,墨的清香也沁人心肺,醒人头脑。古人所谓:“把笔如壮夫,磨墨似病夫。”磨时不徐不疾,从容不迫,欲浓多磨,欲淡少磨,自由掌握。墨磨后应立即离水干燥,也要避免阳光晒,以防墨龟裂后一块块脱落。最好磨后置于盒中,以防灰尘,若平时练习,用墨量多,时磨时写,会使书写发生停顿,也影响精神贯一,所以也可用墨汁练字,取其方便。若墨汁太浓要黏笔,可加一些清水。热天加水容易发臭,防臭可加一些硼砂粉。最好用一只大口小瓶盛少量墨汁使用,用完将瓶洗清再倒墨汁,这样周转时间快,又无宿墨遗存,就不易发臭了,但若是创作后要作托裱的,就不能用一般的墨汁,应该用墨磨或专供书画用的高级墨汁。如北京的“一得阁”、上海的“曹素功”等,使裱时墨色不致散开而影响美观。

五. 用墨和用笔的关系

用墨还在于用笔,墨色的变化和墨趣的呈现有以下三种不同的情况:一是,利用行笔的时快时慢,使笔在纸上停留的时间有长短之分。行笔快则渗墨量少,线条即燥;行笔慢则渗墨量多,线条即润。运笔节奏的不同以显墨色的燥润。如明詹景凤之用墨法,字有苍郁之感。二是,笔蘸墨后径直写去,先是墨多而润,愈往下写,墨就渐渐减少,线条也就渐渐地燥,燥到笔在纸上擦不出墨时再蘸墨,墨色的变化是前润后燥,几个字润,几个字燥,这种变化能反映出书写者控制墨流的能力。通篇而观,有立体观,许多书家用此墨法,如王铎、吴镇等。三是,在运腕过程中自然形成的燥润变化。由于书写时能运腕不断翻转以及肘推动时力量的大小,使墨流不均。更因翻腕时笔心也跟着调换方向,行笔速度极快,在调向的过程中,墨还来不及从笔的根部流向笔尖,所以在上下点画间也能写出燥润来,即上一笔润,下一笔忽然变燥,再下一笔又润了。其间并未蘸墨,全靠腕运的翻动,将同一个字写得又润又燥。墨色变化生动,自然对比度强,立体感也强,精彩之极。这样的墨色变化有极大的随意性,不靠主观做作,而是随腕变化,它是最符合“带燥方润,将浓遂枯”之墨趣的用墨法。

用墨之法,不宜蘸墨太多,否则写出的点画肥而少骨,黑气太重,见之使人气闷,也不宜蘸墨太少,使线条干枯,抛筋露骨,墨不压低,作品又显飘浮,总不见贵。这两种弊病,都是草书用墨所忌。写草书时一般蘸墨不能一下太多,要“不过三分,不得深浸,深浸则笔弱无力”。也不能蘸一次墨写—个字,这样写出的草书其气必不能连贯。故应蘸墨三分后顺其自然地去,中间不作停顿,至墨已枯时再去蘸墨。墨色的变化掌握在有意无意间,不做作也不是毫无考虑。同时,用墨的方法也能刻板教条,要看笔毫的硬软、纸的厚薄。硬笔含墨量少,线条易燥,软笔若再长锋,含墨量多,自然就能笔酣墨饱,可以连续写较多的字,容易做到气韵生动连贯。故写草书极宜用长锋羊毫,挥毫时自由舒展,轻重变化大,墨色也能润泽滋华,效果极佳。纸厚行笔速度就应略慢,因厚纸不易吸墨,行笔太快一带而过,线条中段就会产生空隙,用软毫尤其如此,应该小心,纸薄行笔速度宜快,若笔在纸上略有停顿,墨立即在纸上渗化,“水太渍则肉散”。总之,用墨之法,要使点画能有骨有肉。血脉调和,在此基础上再作多彩的变化。

爱好书法的朋友们,向我提出了一个问题,就是“怎样学王”?这个问题提得很好,的确是一个值得研究的问题,也是我愿意接受这个考验,试做解答的问题之一。乍一看来仿佛很是简单,只要就所有王帖中举出几样来,指出先临那一种,依次再去临其他各种,每临一种,应注意些什么,说个详悉,便可交卷塞责。正如世传南齐时代王僧虔《笔意赞》(唐代《玉堂禁经》后附书诀一则,与此大同小异)那样:“先临《告誓》,次写《黄庭》,骨丰肉润,入妙通灵。努如植槊,勒若横钉。……粗不为重,细不为轻,纤微向背,毫发死生。”据他的意见,只要照他这样做,便是“工之尽矣”。其实便这样做,在王僧虔时代,王书真迹尚为易见,努力为之,或许有效,若在现代,对于王书还是这样看待,还是这样做法,我觉得是大大不够的。

247王羲之《二谢帖》

这是什么缘故呢?因为在没有解答怎样学王以前,必须先把几个应当先决的重要问题一一解决了,然后才能着手解决怎样学王的问题。几个先决问题是,要先弄清楚什么是王字,其次要弄清楚王字的遭遇如何,它是不是一直被人们重视,在当时和后来有那些不同的看法,还有流传真伪,转摹走样等等关系,这些都须大致有些了解,然后去学,在实践中,不断揣摩,逐渐领会,才能和它一次接近一次,窥见真缔,收其成效。

现在所谓王,当然是指羲之而言,但就书法传统看来,齐梁以后,学书的人,大体皆宗师王氏,必然要涉及献之,这是事实,那就须要将他们父子二人之间,体势异同加以分析,对于后来的影响如何,亦须研讨才行。

那末,先来谈谈王氏父子书法的渊源和他们成就的异同。羲之自述学书经过,是这样说的:“余少学卫夫人书,将谓大能,及渡江北游名山,比见李斯、曹喜等书,又下许之见钟繇、梁鹄书,又下洛下见蔡邕《石经》三体书,又于从兄洽处见张昶《华岳碑》,始知学卫夫人书,徒费年月耳。羲之遂改本师,仍从众碑学习焉。”这一段文字,不能肯定是右军亲笔写出来的,但流传以久,亦不能说它无所依据,就不能认为他没有看见过这些碑字,显然其间有后人妄加的字样,如蔡邕《石经》句中原有的“三体”二字,就是妄加的,在引用时应该把它删去。尽人皆知,三体石经是《魏石经》,但不能以此之故,就完全否定了文中所说的事实。

文中叙述,虽犹未能详悉,却有可以取信之处。卫夫人是羲之习字的蒙师,她名铄字茂猗,是李矩的妻,卫恒的从妹,卫氏四世善书,家学有自,又传钟繇之法,能正书,入妙,世人评其书,“如插花美女,低昂美容。”羲之从她学书,自然受到她的熏染,一遵钟法,姿媚之习尚,亦由之而成,后来博览秦汉以来篆隶淳古之迹,与卫夫人所传钟法新体有异,因而对于师传有所不满,这和后代书人从帖学入手的,一旦看见碑版,发生了兴趣,便欲改学,这是同样可以理解的事情。在这一段文字中,可以体会到羲之的姿媚风格和变古不尽的地方,是有其深厚根源的。王氏也是能书世家,羲之的叔父廙,最有能名,对他的影响也很大。王僧虔曾说过:“自过江东,右军之前,惟廙为最……书为右军法。”羲之又自言:“吾书比之钟、张,钟当抗行,或谓过之;张草犹当雁行。张精熟过人,临池学书,池水尽墨,若吾耽之若此,未必谢之。”又言:“吾真书胜钟,草故减张。”就以上所说,便可以看出羲之平生致力之处,仍在隶和草二体,其所心仪手追的,只是钟繇、张芝二人,而其成就,自谓隶胜钟繇,草逊张芝,这是他自己的评价,而后世也说他的草体不如真行,且稍差于献之,这可以见他自评的公允。唐代张怀瓘《书断》论羲之书法云:“然剖析张公之草,而秾纤折衷,乃愧其精熟,损益钟君之隶,虽运用增华,而古雅不逮。至精研体势,则无所不工。”张怀瓘叙述右军学习钟、张,用剖析、增损和精研体势来说,这是多么正确的学习方法。总之,要表明他不曾在前人脚下盘泥,依样画着葫芦,而是要运用自己的心手,使古人为我服务,不泥于古,不背乎今,才算心安理得。他把平生从博览所得的秦汉篆隶各种不同笔法妙用,悉数融如于真行草体中去,遂形成了他那个时代最佳体势,推陈出新,更为后代开辟了新的天地。这是羲之书法,受人欢迎,被人推崇,说他“兼撮众法,备成一家”的缘故。

1王献之《玉版十三行》

前人说:“献之幼学父书,次习于张(芝),后改制度,别创其法,率尔师心,冥合天矩。”所以《文章志》说他“变右军书为今体。”张怀瓘《书议》更说得详悉:“子敬年十五六时,尝白其父云:”古之章草,未能宏逸,今穷伪略(伪谓不拘六书规范,略谓省并点画曲折)之理,极草纵之致,不若稿行之间,于往法固殊,大人宜改体。且法既不定,事费变通,然古法亦局而执。”子敬才高识远,行草之外,更开一门。夫行书非草非真,离方遁圆,在乎季孟之间,兼真者谓之真行,带草者谓之行草。 子敬之法,非草(盖指章草而言)非行(盖指刘德升所创之行体,初解散真体,亦必不甚流便),流便于草,开张于行,草(今草)又处其中间,无籍因循,宁拘制则,挺然秀出,务于简易,情弛神纵,超逸优游,临事制宜,从意适便,有若风行雨散,润色开花,笔法体势之中,最为风流者也。“陶弘景答萧衍(梁武帝)论书启云:”逸少自吴兴以前,诸书犹为未称,凡厥好迹,皆是向在会稽时,永和十许年中者,从失郡告灵不仕以后,略不复自书,皆使此一人(字不详,或云是王家子弟,又相传任靖亦曾为之代笔),世中不能别也,见其缓异,呼为末年书。逸少亡后,子敬年十七八,全仿此人书,故遂成,与之相似。”

就以上所述,子敬学书经过,可推而知。初由其父得笔法,留意章草,更进而取法张芝草圣,推陈出新,遂成今法。当时人因其多所伪略,务求简易,遂叫它作破体。及其最终,则是受了其父末年代笔人书势的极大影响。所谓缓异,是说它与笔致紧敛者有所不同。在此等处,便可以参透得一些消息。大凡笔致紧敛,是内擫所成;反之,必然是外拓。后人用内擫外拓来区别二王书迹,很有道理,说大王是内擫,小王则是外拓。试观大王之书,刚健中正,流美而静;小王之书,刚用柔显,华因实增。我现在用形象化的说法来阐明内擫外拓的意义,内擫是骨(骨气)胜之书,外拓是筋(筋力)胜之书。 再来就南北朝及唐代书人来看,如《龙门造像》中之《始平公》、《杨大眼》等,《张猛龙碑》、《大代华岳庙碑》、《隋启法寺碑》、欧阳询、柳公权所书名碑,皆可以说它是属于内擫范围的;《郑文公碑》、《爨龙颜碑》、《嵩高灵妙碑》、《刁遵志》、《崔敬邕志》等,李世民、颜真卿、徐浩、李邕诸人所书碑,则是属于外拓一方面;至于隋之《龙藏寺碑》,以及虞世南、楮遂良诸人之书,则介乎两者之间。 但要知道这都不过是一种相对的说法,不能机械地把它们划分得一清二楚。推之秦汉篆隶通行的时期,也可以这样说,他们多半是用内擫法,自然解散隶体,创立草体以后,就出现了一些外拓的用法,我认为这是用笔发展的必然趋势,是可以理解的。 由此而言,内擫近古,外拓趋今,古质今妍,不言而喻。学书之人,修业及时,亦甚合理。人人都懂得,古今这个名词,本是相对的,钟繇古于右军,右军又古于大令,因时发挥,自然有别。

古今只是风尚不同之区分,不当用作优劣之标准。子敬耽精草法,故前人推崇谓过其父,而真行则有逊色,此议颇为允切。右军父子的书法,都渊源于秦汉篆隶,而更用心继承和他们时代最接近而流行渐广的张、钟书体,且把它加以发展,遂为后世所取法。 更有一事,值得说明一下,晋代书人墨迹,世间仅有存者,如近世所传陆机《平复帖》以及王珣《伯远帖》真迹,与右军父子笔札相较,显有不同,《伯远》笔致,近于《平复帖》,尚是当时流俗风格,不过已入能流,非一般笔札可比,后来元朝的虞集、冯子振等辈,欲复晋人之古,就是想恢复那种体势,即王僧虔所说的无心较其多少的吴士书,而右军父子在当时却能不为流俗风尚所局限,转益多师,取多用弘,致使各体书势,面目一新,遂能高出时人一头地,不仅当时折服了庾翼,且为历代书人所追摹,良非偶然。

自唐以来,学书的人,无一不首推右军,直把大令包括在内,而不单独提起。这自然是受了李世民过分地扬父抑子行为的影响。其实,羲献父子,在其生前,以及在唐以前这一段时期中,各人的遭遇,是有极大的时兴时废不同的更替。右军在吴兴时,其书法犹未尽满人意,庾翼就有家鸡野骛之论,表示他不很佩服。刘宋时的虞和简直这样说:“羲之书在始未有奇殊,不胜庾翼、郄愔,迨其末年,乃造其极。”这是说右军到了会稽以后,世人才无异议,但在誓墓不仕后,人们又有末年缓异的讥评,这却与右军无关,因为那一时期,右军笔札,多出于代笔人之手,而世间尚未知之,故有此妄议。梁萧衍对于右军学钟繇,也有与众不同的看法,他说:“逸少至学钟书,势巧形密,及其独运,意殊字缓,譬犹楚音习夏,不能无楚。”这是说右军有逊于钟,他又说明了一下:“子敬不殆逸少,犹逸少不殆元常。”陶弘景与萧衍论书启也说,“比世皆高尚子敬,子敬、元常继以齐名……海内非惟不复知有元常,于逸少亦然。”南齐人刘休,他的传中,曾有这样一段记载:“羊欣重王子敬正隶书,世共宗之,右军之体微古(据萧子显《南齐书.刘休传》作”微古“,而李延寿《南史》则作”微轻“),不复贵之,休好右军法,因此大行。

右军逝世,大约在东晋中叶,穆帝升平年间,离晋亡尚有五十余年,再经过宋的六十年,南齐的二十四年,到了梁初,一百四十余年中,据上述事实看来,这其间,世人已很少学右军书体,是嫌他的书势古质些。古质的点画,就不免要瘦劲些,瘦了就觉得笔仗轻一些,比之子敬媚趣多的书体,妍润圆腴,有所不同,遂不易受到流俗的爱玩,因而就被人遗忘了,而右军之名,便为子敬所掩。子敬在当时,因有盛名,但谢安曾批其札尾而还之,这就表示出轻视之意。王僧虔也说过,谢安有时把子敬书札,裂为校纸。再来看李世民批评子敬,是怎么样的说法呢?他写了这样一段文章:“献之虽有父风,殊非新巧,观其字势,疏瘦如隆冬之枯树,览其笔踪,拘束如严家之饿隶,其枯树也,虽槎枒而无曲伸,其饿隶也,则羁羸而不放纵,兼斯二者,固翰墨之病欤!”这样的论断,是十分不公允的,因其不符合于实际,说子敬字体稍疏(这是与逸少比较而言),还说得过去,至于用枯瘦拘束等字样来形容它,毋宁说适得其反,这简直是诬蔑。

尽管这样,还是不能把子敬手迹印象从人们心眼中完全抹去,终唐一代,一般学书的人,还是要向子敬法门中讨生活,企图得到成就。就拿李世民写的最得意的《温泉铭》来看,分明是受了子敬的影响。那么,李世民为什么要诽谤子敬呢?我想李世民时代,他要学书,必是从子敬入手,因为那时子敬手迹比右军易得,后来才看到右军墨妙,他或者不愿甘于终居子敬之下,便把右军抬了出来,压倒子敬,以快己意。

2王羲之《寒切贴》

因此,右军不但得到了复兴,而且奠定了永远被人重视的基础,子敬则遭到不幸。当时人士慑于皇帝不满于他的论调,遂把有子敬署名的遗迹,抹去其名字,或竟改作羊欣、薄绍之等人姓名,以避祸患。另一方面,朝庭极力向四方搜集右军法书,就赚《兰亭修稧叙》一事看来,便可明白其用意,志在必得,但是《兰亭》名迹,不久又被纳入李世民墓中去了。二王墨妙,自恒玄失败,萧梁亡国,这两次毁损于水火中的,已不知凡几,中间还有多次流散,到了唐朝,所存有限。李世民虽然用大力征求得了一些,藏之内府,迨武则天当政以后,逐渐流出,散入宗楚客、太平公主诸家,他们破败后,又复流散人间,最有名的右军所书《乐毅论》,即在此时被人由太平公主府中窃出,因怕人来追捕,遂投入灶火内,烧为灰烬了。二王遗迹存亡始末,有虞和、武平一、徐浩、张怀瓘等人的记载,颇为详悉,可供参考,故在此处,不拟赘述,但是我一向有这样的想法,若果没有李世民任情扬抑,则子敬不致遭到无可补偿的损失,而《修稧叙》真迹不致作为殉葬之品,造成今日无一真正王字的结果。

世传张翼能仿作右军书体,王僧虔说:“康昕学右军草,亦欲乱真,与南州识道人作右军书货。”这样看来,右军在世时,已有人摹仿他的笔迹去谋利,致使鱼目混珠。还有摹拓一事,虽然是从真迹上摹拓下来的,可以说是只下真迹一等,但终究不是真迹,因为使笔行墨的细微曲折妙用,是无法完全保留下来的。《乐毅论》在梁时已有模本,其他《大雅吟》、《太史箴》、《画赞》等迹,恐亦有廓填的本子,所以陶弘景《答萧衍论书启》中有“箴咏吟赞,过为沦弱”之议,可想右军伪迹,宋齐以来已经不少,又子敬上表,多在中书杂事中,谢灵运皆以自书,窃为真本,元嘉中,始索还。

因知不但右军之字有真有伪,即大令亦复如此,这是经过临仿摹拓,遂致混淆。到了唐以后,又转相传刻,以期行远传久。北宋初,淳化年间,内府把博访所得古来法书,命翰林侍书者王著校正诸帖,刊行于世,就是现在之十卷《淳化阁帖》,但因王著“不深书学,又昧古今”(这是黄伯思说的),多有误失处,单就专卷集刊的二王法书,遂不免“璠珉杂糅”,不足取信。米芾曾经跋尾以纠正之,而黄伯思嫌其疏略,且未能尽揭其谬,因作《法帖刊误》一书,逐卷条析,以正其伪,证据颇详,甚有裨益于后学。清代王澎、翁方纲诸人,继有评定,真伪大略略然可晓。北宋之末,大观中,朝庭又下令将历代法帖,重选增订,摹刻上石,即传世之《大观帖》。自阁帖出,各地传摹重刊者甚多,这固然是好事,但因此之故,以讹传讹,使贵耳者流,更加茫然,莫由辨识,这样也就增加了王书之难认程度。

二王遗墨,真伪复杂,既然如此,那末,我们应该用什么方法去别识、去取才能近于正确呢?在当前看来,还只能从下真迹一等的摹拓本里,探取消息。陈隋以来,摹拓传到现在,极其可靠的,羲之有《快雪时晴帖》,《奉橘帖》,八柱本《兰亭修稧叙》唐摹本,从中唐时期就流入日本的《丧乱帖》,《孔侍中帖》几种。 近代科学昌明,人人都有机缘得到原帖的摄影片或影印本,这一点,比起前人是幸运得多了。我们便可以此等字为尺度去衡量传刻的好迹,如定武本《兰亭修稧帖》,《十七帖》,槯场残本《大观帖》中之《近得书》、《旦极寒》、《建安灵柩》、《追寻》、《适重熙》等帖,《宝晋斋帖》中之《王略帖》、《裹鲊帖》等,皆可认为是从羲之真迹上摹刻下来的,因其点画笔势,悉用内擫法,与上述可信摹本,比较一致,其他阁帖所有者,则不免出入过大,还有世传羲之《游目帖》墨迹,是后人临仿者,形体略似,点画不类故也。

我不是说,阁帖诸刻,尽不可学,米芾曾说过伪好物有它存在的价值,那也就有供人们参考和学习的价值,不过不能把它当作右军墨妙看待而已。献之遗墨,比羲之更少,我所见可信的,只有《送梨帖》摹本和《鸭头丸帖》。此外若《中秋帖》,《东山帖》,则是米临,世传《地黄汤帖》墨迹,也是后人临仿,颇得子敬意趣,惟未遒丽,必非《大观帖》中底本,但是这也不过是我个人的见解,即如《鸭头丸帖》,有人就不同意我的说法,自然不能强人从我。献之《十二月割至残帖》,见《宝晋斋》刻中,自是可信,以其笔致验之,与《大观帖》中诸刻相近,所谓外拓。此处所举帖目,但就记忆所及,自不免有所遗漏。

前面所说,都是关于什么是王字的问题,以下要谈一谈,怎样去学王字的问题。我认为单就以上所述二王法书摹刻各种学习,已经不少,但是有一点不足之处,不但经过摹刻两重作用后的字迹,其使笔行墨的微妙地方,已不复存在,因而使人们只能看到形式排比一面,而忽略了点画动作的一面,即仅经过廓填后的字,其结果亦复如此,所以米芾叫人不要临石刻,要多从墨迹中学习。二王遗迹虽有存者,但无法去掉以上所说的短处,这不是一个无关紧要的小缺点,在鉴赏说来是关系不大,而临写时看来却是一个根本性的问题,必得设法把它弥补一下,这该怎么办呢?好在陈隋以来,号称传授王氏笔法的诸名家遗留下来手迹未经摹拓者尚可看见,通过他们从王迹认真学得的笔法,就有窍门可找。 不可株守一家,应该从各人用笔处,比较来看,求其同者,存其异者,这样一来,对于王氏笔法,就有了几分体会了。因为大家都不能不遵守的法则,那他就有原则性,凡字的点画,皆必须如此形成,但这里还存乎其人的灵活运用,才有成就可言。开凿了这个通津以后,办法就多了起来,如欧阳询的《张翰》等帖,试与大王的《奉橘帖》、《孔侍中帖》,详细对看,便能看出他是从右军得笔的,陆柬之的《文赋》真迹,是学《兰亭修稧叙》的,中间有几个字,完全用《兰亭》体势,更好的还有八柱本中的虞世南、楮遂良所临《兰亭修稧叙》。

显而易见,他们这些真迹的行笔,都不像经过钩填的那样匀整,这里看到了他们腕运的作用。其他如徐浩的《朱巨川告身》、颜真卿《自书告身》、《刘中使帖》、《祭侄稿》,怀素的《苦笋帖》等,其行笔曲直相结合着运行,是用外拓方法,其微妙表现,更为显著,有迹象可寻,金针度与,就在这里,切不可小看这些,不懂得这些,就不懂得笔不得笔之分。 我所以主张要学魏晋人书,想得其真正的法则,只能千方百计地向唐宋诸书家寻找通往的道路,因为他们真正见过前人手迹,又花了毕生精力学习过的,纵有一二失误处,亦不妨大体,且可以从此等处得到启发,求得发展。

再就宋书家来看,如李建中的《土母帖》,颇近欧阳,可说是能用内擫法的,米芾的《七帖》,更是学王书能起引导作用的好范本,自然他多用外拓法。至如群玉堂所刻米帖,《西楼帖》中之苏轼《临讲堂帖》,形貌虽与二王字不类,而神理却相接近。这自然不是初学可以理会到的。 明白了用笔之后,怀仁集临右军字的《圣教序记》,大雅集临右军字的《兴福寺碑》,皆是临习的好材料,处在千百年之下,想要通晓千百年以上人的艺术动作,我想也只有不断总结前人的学习经验,通过自己的努力,多少总可以得到一点。我是这样做的,本着一向不自欺、不欺人的主张,所以谈率地说了出来,并不敢相强,尽人皆信而用之,不过聊备参考而已。再者,明代书人,往往好观阁帖,这正是一病,盖王著辈不识二王笔意,专得其形,故多正局,字须奇宕潇洒,时出新致,以奇为正,不主故常。这是赵松雪所未曾见到,只有米元章能会其意。你看王宠临晋人字,虽用功甚勤,连枣木板气息都能显示在纸上,可谓难能,但神理去王甚远。这样说,并非故意贬低赵、王,实在因为株守阁帖,是无益的,而且此处还得到了一点启示,从赵求王,是难以入门的。

这与历来把王、赵并称的人,意见相反,却有真理。试看赵临《兰亭修稧叙》,和虞、楮所临,大不相关,即比米临,亦去王较远,近代人临《兰亭》,已全是赵法。我是说从赵学王,是不易走通的,却并不非难赵书,谓不可学。因为赵是一个精通笔法的人,但有习气,万一沾染上了,便终身摆脱不掉,受到他的拘束,若要学真王,不可不理会到这一点。

最后,再就内擫外拓两种用笔方法来说我的一些体会,以供参考,对于了解和学习二王墨妙方面,或者有一点帮助。我认为初学书,宜用内擫法,内擫法能运用了,然后放手去习外拓方法。要用外拓法,先须凝神静气,一心一意地注意到纸上的笔毫,在每一点画的中线上,不断地起伏顿挫着往来行动,使毫摄墨,不令溢出画外,务求骨气十足,刚劲不挠。前人曾说右军书“一拓直下”,用形象化的说法,就是“如锥画沙”。我们晓得右军是最反对笔毫在画中“直过”,直过就是毫无起伏地平拖着过去,因此,我们就应该对于一拓直下之拓字,有深切的理解,知道这个拓法,不是一滑而过,而是取涩势的。

右军也是从蔡邕得笔诀的,“横鳞,竖勒之规”,是所必守,以如锥画沙的形容来配合着鳞、勒二字的含义来看,就很明白,锥画沙是怎样一种行动,你想在平平的沙面上,用锥尖去画一下,若果是轻轻地画过去,恐怕最易移动的沙子,当锥尖离开时,它就会滚回小而浅的漕里,把它填满,还有什么痕迹可以形成?当下锥时必然是要深入沙里一些,而且必须不断地微微动荡着画下去,使一画两旁线上的沙粒稳定下来,才有线条可以看出。这样的线条,两边是有进出的,不平匀的,所以包世臣说书家名迹,点画往往不光而毛,这就说明前人所以用“如锥画沙”来形容行笔之妙,而大家都认为是恰当的,非以腕运笔,就不能成此妙用。凡欲在纸上立定规模者,都须经过这番苦练工夫,但因过于内敛,就比较谨严些,也比较含蓄些,于自然物象之奇,显现得不够,遂发展为外拓。

外拓用笔,多半是在情驰神怡之际,兴象万端,奔赴笔下,翰墨淋漓,便成此趣,尤于行草为宜。知此就明白大令之法,传播久远之故。内擫是基础,基础立定,外拓方不致流于狂怪,仍是能顾到“纤微向背,毫发死生”的妙巧的。外拓法的形象化说法,是可以用“屋漏痕”来形容的。怀素见壁间坼裂痕,悟到行笔之妙,颜真卿谓“何如屋漏痕”,这觉得更自然,更切合些,故怀素大为惊叹,以为妙喻。 雨水渗入壁间,凝聚成滴,始能徐徐流下来,其流动不是径直落下,必微微左右动荡着垂直流行,留其痕于壁上,始得圆而成画,放纵意多,收敛意少。

所以书家取之,以其与腕运行笔相通,使人容易领悟。前人往往说,书法中绝,就是指此等处有时不为世人所注意,其实是不知腕运之故。无论内擫外拓,这管笔,皆要左右起伏配合着不断往来运动,才能奏效。若不解运腕,那就一切皆无从做到。这虽是我的话,但不是凭空说的。

昔者萧子云著《晋史》,想作一篇二王法书论,竟没有成功,在今天,我却写了这一篇文字,以书法水平有限,而且读书不多,考据之学又没有用过工夫的人,大胆妄为之讥,知所难免,但一想起抛砖引玉的成语来,就鼓舞着我,拿起这管笔,挤牙膏似地挤出了一点东西来,以供大家批评指正,持论过于粗疏,行文又复草率,只有汗颜,无他可说。

书法欣赏可谓“仁者见仁,智者见智”,不可一概而论,但书法欣赏仍有其基本规律可循,亦非“玄学”之术。笔者以为,欣赏书法是书法在人脑中“再创作”的过程,因此,必先“识形”,次而“赏质”,再而“寄情”,三步逐行,渐入佳境。

1第一境 识形

书法是线条形象的艺术,“形”有四要素。赏得“四要素”则入第一境。

一曰格式。书法以条幅、中堂、横披、匾额、斗方、扇面、对联、尺牍、手卷、页册、题画等格式最为经典。

二曰书体。书体以篆书、隶书、楷书、行书、草书、魏体、章草、行草等最为常见。

三曰色彩。书法的色彩以白纸、墨字、红印组合最为耐看。

四曰构成。一幅完整的书法作品以正文、题款、印章构成最为普遍。

第二境 赏质

书法不同于写字。书法要讲究“法度”,“合法”才能“质美”。其“法”有四。赏得“四法”则入第二境。

一曰字法。字乃书法之根本。聚点画而成字,点画之间应当“平衡对称,对比和谐,主次得宜,疏密适度,多样统一。”

二曰笔法。用笔贵在因体而变、稳实丰富;中侧(锋)互换,法出有源;笔力遒劲、力透纸背。

三曰章法。章法即整幅书法作品的“布白”。它讲究字与字、行与行之间以笔势连绵,气脉畅通、节奏分明,若如“行云流水”。即所谓“疏处可以走马,密处不使透风,计白当黑,奇趣乃出”。

四曰墨法。墨有六彩之说,即“浓、淡,枯、湿,燥、润”。若能“带燥方润,将浓遂枯”,则可达到“无声而乐的和谐”,“五光十色的神采”,“洒笔以成酣歌,和墨以籍谈笑”的境地。

2第三境 寄情

“书如也,如其学,如其才,如其志。总之曰,如其人而已”(刘熙载语)。书法的目的是“畅寄幽情”。书法艺术的最境界也就是人的精神,人的气质的一种抽象体现与表露。欣赏书法不仅仅是看功力的深厚,看点画、章法的精巧,而是要看作者的精神、胸襟、气质修养。因此,欣赏书法的最高境界是通过书法作品与书法家“对话,交流”。而赏得此境需要赏者“见智”、“见性”,悟得书法之“出法”、“意境”、“气质”之妙理。

一曰出法。卓越的书法家总是善于在严格的法度之中自由驰骋并施展其创造才能。因此,他们往往任情姿性,纵笔所如,使人看出他们的“无拘无束”,而又不流于“荒诞狂怪”;既有“先圣”的遗风,又有自己的“圣地”,即所谓“出新意于法度之中,寄妙理于放豪之外”。

二曰意境。书法的意境是指于书法作品中流露出的精神内涵,则在生动的气韵、飞扬的神采以及空间余白所构成的幽深而旷远的意象。如,有的象行军布阵,旗帜飞扬,士马精研;有的象尺幅丹青,疏林远阜,错落有致;有的象江河大川,奔腾浩荡,一泻千里;有的象廻溪曲沼,春水繁花,清幽婉丽;有的象婀娜舞姿,素袖轻扬,一步一形;有的象悠扬乐曲,绕梁三日,牵人情思。这就是书法富于韵致,并且交织着生命节奏的意境。

三曰气质。常言道,“书为心画”,“字如其人”。书法是书法家抒情达意的特殊语言。如同作家之文,诗人之诗,歌者之声。因此,有独立性、创造精神的人,其书往往风格独具;依赖性强、唯唯喏喏的人,其书往往依傍门户、缺乏个性。性情豪爽英迈之人,其书往往气度恢宏;感情缠绵悱恻之夫,其书往往柔媚有余,劲健不足。志行高洁者,其书往往清气飘洒;格调低下者,其书往往俗气横流。心情恬淡者,其书往往气静端庄、淡泊旷达;追名逐利者,其书往往张牙舞爪、哗而取宠。

众所周知,书法是一门以文字为载体的抽象的线条艺术,书法线条富有神奇的表现力,组成书法艺术的最根本的因素是线条和结构。相对而言,中国书法对线条的要求更为苛刻,线条是书法的基础,书法的灵魂,是书法赖以延续生命的唯一媒介,是构成中国书法艺术魅力的重要所在。在书法教学中,我们始终要把线条训练贯穿于书法教学当中。

1一、书法线条的审美价值

当一幅书法作品映入眼帘时,抽象的线条会产生一种什么样的审美印象呢?让我们先引一段古人的论述:

观夫悬针垂露之异,奔雷坠石之奇,鸿飞兽骇之资,鸾舞蛇惊之态,绝岸颓峰之势,临危据槁之形或重若崩云,或轻如蝉翼,导之则泉注,顿之则山安,纤纤乎似初月之出天崖,落落乎犹众星之列河汉,同自然之妙有,非力运所能成……

以上是唐代孙过庭书谱中所描述的,是古人对书法线条审美的认识和理解,是从视觉(书法线条)到视觉(自然形象)的艺术欣赏的丰富联想。千姿百态,揖让呼应的书法线条,在倾入作者的情感和欣赏者的联想之后,陌生的线条如此亲切,如此美丽,跳动的点线、虚灵的空间增加了书法艺术无穷的魅力。

汉代书法家蔡邕在评论书法之美时,有一句至理名言“唯笔软则奇怪生焉”,他认为中国毛笔的柔软性能是中国书法线条得以发展的根本,为书法艺术千百年悠久的繁荣立下汉马功劳。书法艺术既然是线条的艺术,我们可以书法的一切看作线条,可以从线质、线形、线律、线构四个方面分析线条。线质就是线条的质量,线形就是线条的方向和外形,线律就是线的起伏和节奏,线构就是线条组成的构架。要想写出如此精妙颇具魅力的线条就必须说到用笔,什么叫“用笔”,笼统说用笔是初学者学习书法必须要掌握的笔法要领。如中锋用笔,藏锋起笔及运笔过程中的一波三折,以及由之而生发出的笔力、笔势、笔性等要求。一件作品如果不遵循这些要求,它很难获得人们认可。(一)、中锋用笔(立体感)

南齐谢赫六论法中“骨法用笔”是对书画用笔提出重要的要求,山水画大师黄宾虹先生提出“平、圆、留、重、变”等等,无数古人先贤在书论、画论中都有对用笔精彩的论述。中国书画家对线条的意义极为明确,对造型之外的线条独特的审美价值有着深切的理解和继承。

“用笔不是笔杆垂直竖起,就是中锋,中锋的好处在于丰实壮健,而无偏枯纤弱之病。所以不论写字作画,都贵中锋……”“圆的对面是尖薄偏枯,僵硬不糯,断续无气,妄生圭角。要做到圆,第一笔锋必须永远在墨痕的中心,也就是中锋,笔平划是中锋,但转了一个弯,笔锋偏出墨痕边缘,就不圆,就不是中锋,这样必须换笔锋……

以上是现代山水画大师陆俨少先生对书画用笔的精僻论述。

所谓中锋用笔是指书法家在挥毫时使笔锋走在线条中间,而不偏出墨痕的边缘,做到万毫齐发,形成圆厚,立体的线条视觉效果。用笔中锋是表现线条的基本要求,能使线条丰实壮健,而无偏枯纤弱之病。用笔要圆,是中锋行笔的具体表现。

线条在纸面上是平铺的,由于中锋用笔,线条骨便确立了,骨藏于内,肉散于外,便构成一个立体的凸现的圆柱形,古人称“绵裹铁”,线条在平面的纸上塑造了立体的美,使二度空间变成了三度空间。

2二、波磔变化(节奏感)

任何一门艺术都应该有审美节奏的变化,比如空间节奏,用笔起伏节奏,黑白节奏,方向节奏等等。书法线条的节奏感是通过线条的提按、转折、变化的丰富性来表现的。波磔虽然是一种用笔效果,但从更深层次中反应出生命的意义,反映书法心理节律并构成书法的旋律感和节奏感,每一根线的波磔运动,疾缓节奏都显示出作者创作心理的痕迹,从作品中可探寻作者内心世界的奥秘,它是构成书法艺术魅力的最重要的手段之一。在线条中表现出了书法家的个性、审美、阅历和修养,是一种鲜活的的生命载体,熔铸了每一位书法家独特的生命价值。

这样我们纵使再过千万年,面对前人遗存的书法真迹,依然让人感受到古人的鲜活的生命价值存在和书写创作时的艺术状态,使观者怦然心动,产生审美的共鸣,这就是书法艺术。

三、笔力(力量感)

笔力是毛笔写出的线条留给人的视觉审美感受,由于抽象的特征,它更偏重于内含,是一种念忍之力。不是张牙舞爪,声嘶力竭,也绝非筋骨毕现,略无余味,真正的力是含蓄的,耐人品味的。如颜真卿书法中的线条从单纯的力转向筋的表现,是含而不露的筋力,沉着,扎实,稳健。只有用笔学会了,写出的线条才会有力度,才能有效地展示书法的气韵,这样用笔才劲健有力,墨色也会饱满厚重有光,作者的精气神更能充分的注入线条,传达给欣赏者,产生艺术的审美。

中国书法线条内涵所容极大,但不外乎中锋用笔(立体感)、波磔变化(节奏感 ),笔力(力量感),这三个基本要求去衡量书法线条的成败,无数历史上书法珍迹告诉我们扁薄的线条,杂乱的节奏、软弱无力的笔法永远不是出自一流书家之笔下,足见线条训练对于初学者重要性之所在。

3四、书法线条的训练方法

认识到书法教学中的线条内涵 ,无疑找到了解密书法本质的钥匙,通过近十年的书法教学训练与创作体会,笔者总结如下的线条训练法:

(一)直线训练法

要领:中锋用笔气要平,力要均,藏头护尾,体会如锥画沙的感觉。线条质量效果圆、厚、活,且忌、平、死。

(二)画圈训练法

要领:中锋用笔,笔要提起来,注意用笔转换,保证线条质量,体会线条节奏,气贯线中。

(三)S线训练或8字训练

要领:注意中锋和侧锋的用笔转换,使用笔提按,用笔要毛,用笔要入纸,感受韵律美和节奏美。

(四)波浪线训练

要领:一根波浪线画完要和下根气贯上,重点体会线质的松毛,墨色的虚实变化,用笔的轻重提按,节奏变化,在线条的行走中注意中指微微拨动,练习指力,有助加强笔力。

(五)不规则线条训练

充分发挥毛笔的性能,体会毛笔笔根到笔尖的运动规律,提按,起倒,收放的用笔技巧、练习作者控能毛笔的能力,达到心手相应的境地。

中国书法把线的艺术推向了极限, 其中颤动着时代风云与书家的情感密码,能使几千年知音受到灵魂的震撼,产生强烈的共鸣,达到两心相视而悦的喜悦,它虽然没有再现物象的能力,但却摆脱了许多束缚,抽象地呈现书法家心象。通过加强线条基本功训练培养了学生的审美意识,使学生认识到一根单调的书法线条千万不能等闲视之,因为中国人的精神在一根抽象的线条里实际上已经包融得非常具体。

在当代书坛,草书的创作可谓是空前繁荣。无论是在国展,还是社会上举办的大赛和展览投稿中,草书所占展览书体比例较多已是不争的事实。但是,能真正欣赏草书、进入草书创作的人并不多,因为草书创作、欣赏草书需要“门槛”,需要对草书笔法和草书字符认真学习掌握后才能进入创作。

1自古至今,没有哪个历史时期有如此多的人爱好草书,即便是汉代恐怕也未必有今天参与书写草书的人数多。当下,除了从事书法专业的人外,还有广泛的书法爱好者。草书结体的可塑性和笔墨的抒情性有无限的创造空间令人痴迷。许多学习书法的人大多喜欢草书,认为草书比较容易抒情,写起来过瘾。许多人想当然地认为把汉字自然地写成连笔就是草书,其实不然。我认为,真正的草书应是按照中国书法特殊的笔法和草书的字符来表现笔墨性情的书写。草书的创作对于创作者的要求相对较高,既需要极扎实的基本功又需要极高的艺术才情和文化修养。

在大众审美范畴中,草书的认读还是一个问题,即便是从事草书创作者也很少能完全解决。一般人欣赏的字体仍是行草。在书法界,喜欢草书创作的群体虽然多,但还是处于摹拟阶段,摹拟古人和现代人。在一些展览中行草书几乎千人一面,少有个人独特的艺术语言和审美追求的作品。因为不像古人便没有了古意,有了古意又跳不出古人的程式而迷失了自我。摹拟古人不容易,走出古人更难。摹拟今人者多是为了参加展览,参展者挖空心思揣摩评委好恶,一味地跟风。临摹获奖作品,变换一下获奖作品的尺寸形式,投入下一个新的展览。来稿风格雷同,评委也无能为力。投稿者会捉摸评委的审美,看哪种样式能赢得评委的认可就写哪种样式的作品。而不是从艺术本体思考草书的创作,在临摹的过程中认真解读古人的笔法结体和创作理念,如此这般,创作者便没有了自己的艺术追求,人云亦云,趋之若鹜,造成了展览作品大多数没有个性,没有鲜明的书法艺术审美追求。

2那么如何解决呢?笔者认为:抛弃杂念,端正态度和理念,回归书法本体。不断丰富艺术修养,开阔艺术视野,认真思考书法本体的问题,坚持独立思想,自由精神,坚定自己的艺术追求。

爱好书法的作者必须潜心在长期的临池中,增强自己的学识修养,关注音乐、舞蹈、影视等当代艺术,努力提高自己的文化修养,开阔视野。当然,这并不是说让书法不传统。比如,杨丽萍的“雀之灵”舞蹈既是中国的民族舞,又不同于以往的民族舞和现代舞的形体语言,有极强烈地杨氏风格特点。杨丽萍将人的肢体语言开发运用到了极致和一个新的境界。她身体的每一个部位都在诉说和表达着对这个世界的热爱。那么,草书艺术是笔锋在宣纸上的舞蹈,我们必须用心感悟毛笔蘸上墨汁后在宣纸上的细微动作和感觉,在展现这些优美动作的同时,应该思考怎样表述自己对传统笔墨的独特理解和自己对于这个世界的情感,怎样让我们的笔下既有远古的笔意,又有自己的书法艺术语言。

学草书如何入手

许多朋友喜欢草书,苦于不知从何入手,看到古代草书大家的作品非常激动,却不知从何下笔临摹,下面提出几条途径供大家参考。

(一)从章草入手,先学章草。

有一种字帖是一行楷书,一行是草书,这样可以对照着,便于认字、记字。先学草字的草法也是学草的基础。这个帖很容易帮助我们辨清每个字和每个笔画的来龙去脉。

《千字文残石》

(二)由小草到大草

有些大草是无法学的,那是神灵附体,《千字文残石》只可欣赏或分析局部临摹,所以可先学小草。小草重理性、共性,把基本的字法形式、笔法搞清楚,再扩充到大草,作为将来写大草的资源,使将来大草的创作合乎法度,要字字、笔笔有来历处,万变不离其宗,固好我们的根和本。比如像王羲之的《十七帖》。

(三)参看《草诀歌》

《草决歌》我个人认为只可把它当做参考工具来用,而不可长期临摹,就像有的人,拿着字典临摹一样,是不可取的。

3学习大草的难点

(一)理性的回归与训练

我们每个人都有与生俱来的书写惯性,有的人想当然地随意书写自由体’龙飞凤舞’,不注意深入传统,拟古不深。高度的动态和特殊的汉字符号造成了大草书入门和提高的难度。

(二)诗性的浪漫与创作心态的调整

大草的难度不仅在于技法,还在于天性的浪漫才情的发挥和良好的创作心态的调整。诗性的浪漫虽然是天赋,同时也在于我们后天的用力培养和挖掘。大草书家在当下的激情书写挥洒,是需要有一定的感情爆发力的,并很好地将情感进行艺术的转化。作为当代书家,在多元化的信息时代,面对的机遇与诱惑同样多,要注意培养自己其它艺术门类姊妹艺术的修养,保持自己情感的细腻和敏锐、思想的深刻和丰富、精神的高贵和纯粹,不为眼前利益和欲望所左右,坚定自己的艺术理想追求,实现从物境到情境到意境的艺术升华。

由于草书单字字法不同类型的差异,’章务检而变,草贵流而畅’,小草简约具象,大草连绵抽象。隶书、楷书、行书、篆书等各书体之间的学习积累都会营养着我们大草书创作,使得我们的大草线条更加丰富,再加上我们对传统文化、书学美学理论的学习,虽然大草是一种很难学的书体,但只要我们这一代人努力,就一定会有所收获,也一定会产生我们这个时代的大草书家而无愧于这个时代。

笔法与章法,中国书法艺术中的两个重要元素,可以说,对二者的运用是否得当在一定程度上决定了书法作品的成败与否,因此才有赵孟“书法以用笔为上,而结字亦须用工,盖结字因时相传,用笔千古不易”的千古名句,才有刘熙载“书之章法有大小,小如一字及数字,大如一行及数行、一幅及数幅,皆须有相避相形、相呼相应之效”的精辟之语。为让读者进一步地学习笔法和章法,我们自本期开始刊登中国书法家协会理事、学术委员会副主任邱振中先生的系列讲座《笔法与章法》。本次讲座将从笔法演变和章法构成两大方面进行分析讲解,以使读者能更好地写好书法。 —编者

1笔法是构成书法形式的重要因素之一。笔法在长期的发展中演化为今天的形态。不过历来对笔法的研究大多不谈历史,而且往往以个人有限的书写经验为主,因此我们始终缺乏对笔法的真正了解。尽管笔法神授的传说早已无人相信,但它依然漂浮在不曾消散的神秘主义氛围中。

翻检历代对笔法的论述,使人感到头绪纷杂,缺乏系统,有时过于简略,歧义迭出;有时比况奇巧,言不及义。不过这些著述中也散落着前人不少精辟的见解,为我们研究笔法流变提供了有益的启示。

历代所有关于笔法的论述,大体上可以归纳为以下内容:

1.对笔的控制方法———执与运(腕运、指运等);

2.笔锋的运动形式(包括空间形式与时间形式);

3.笔法的形态表现———点画书写法;

4.各种审美理想对笔法的要求;

5.各种笔法所产生的线条的审美价值。

1、3是操作层面上的要求,4、5则离构成层面有一段距离,只有2是统领整个笔法的关键,它在一个较深的层次上反映了笔法的构成本质。

在这里,我们主要讨论书法史上笔锋运动形式的演变。什么叫笔锋运动形式?为什么要把它分为空间形式和时间形式两部分?笔锋运动形式指笔毫锥体在书写时所进行的各种运动,如旋转、平动、上下移动(提按)等等。一切运动都是在空间和时间范畴内进行的,因此上述运动在时间范畴内的变化(疾、迟、留驻等)亦属于笔锋运动形式研究的对象。因此,我们有必要把笔锋运动形式分为空间形式与时间形式两个部分,这样,我们的讨论便限定在一个很小的范围内———笔锋运动的空间形式。它虽然在笔法理论所包含的全部内容中只占很小一部分,然而却是理解全部笔法的关键。

2图一

简而言之,笔锋运动的空间形式包括:方圆、中侧、转折、提按及平动。其实这些形式还可加以归并。方笔实际上为两次折笔的组合,圆笔不过是在点画端部施行环转而已。中锋是毫端处于点画中央的一种运行方式,与点画走向同向落笔时,毫端自然处于点画中部,此即为中锋;如落笔方向与点画走向不相重合(成一角度),则落笔后稍加转动,亦可使毫端移至点画中部,转为中锋运行;如落笔方向与点画走向不相重合而直接运行,毫端便始终处于点画的一侧,即为侧锋。藏锋即圆笔,出锋分中、侧二种,运动形式与中锋、侧锋同。根据以上分析可见,方笔、圆笔、中锋、侧锋、藏锋、出锋等等,都不过是转笔与折笔不同方式的组合(见图一)。

3图二

但折笔不是独立的运动。折笔使运动轨迹出现折点,使触纸的笔毫锥面由一侧换至另一侧。如笔毫侧面变换时不伴有提按,这种折笔仍为平动;如伴有提按,则为平动与提按的复合运动。

通常所说的转笔实际上分为两种:一种是笔锋随着笔画的屈曲而进行的平动(曲线平动),如书写铁线篆时笔锋的运行;一种是笔毫锥面在纸面上的旋转运动,这种转笔可称作绞转。前一种转笔运行时笔毫着纸的侧面固定不变,后一种转笔运行时笔毫着纸的侧面不停地变换,这是两者本质的区别。而绞转、使转都是特指后一种转笔(见图二)。

综上所述,所有笔法都能分解为这样三种基本的运动:绞转、提按、平动。换句话说,任何复杂的笔法都可以由这三种基本的运动组合而成。平动是运用各种书写工具、书写任何文字都离不开的基本运动方式;而绞转、提按却是给书法线条带来无穷变化的两种独立运动,它们对于笔法发展史具有特殊的意义。如果从笔锋运动形式的角度出发,对笔法下定义必须同时注意到这两种运动方式。

1第八届国展 倪进祥

1、获奖作品在一开始就在构思上与入展作品不一样,章法,笔法相对较好。笔法是处理局部的,章法是处理全局的。两者结合,才是成功。

2、设计就是意在笔先,设计是区别业余和专业的重要依据,作品要表现明确的意味。作品若没有画眼,那作品的主体、精神就没有了。

3、高端创作首先是思维区别,有一定的高度。所以,真正的高端创作在思维上去努力是很重要的。

4、老的书法作者一般能写到,形式却想不到,看好的作品,首先要学习人家的作品形式如何出来。

5、纸张、题跋、颜色、金银粉、印章等,都是为了营造一种整体气氛,体现作品的完整性。

6、我们应该向浙江人学习,他们主要是善于学习,善于向专家请教。

7、重点作者应该加强有针对性的临摹,临摹和创作的时间比例是9:1,这是很多获奖作者的感想和经验之谈。

8、我们要抓住一切发表的机会,展览的机会。

9、真正的专业作者,早有一批作品,准备好了。等着参加比赛。作品等比赛就是所谓的专业状态。

10、提倡研究性学习,研究性创作。

2第八届国展 李德君

11、作品最好有颜色,可染一下,印章要丰富,或许可以共享一下。

12、长卷高度多少合适:一般以尺为鉴,民间一尺,官方一尺一,诸侯一尺五,经典二尺四,最高法典三尺。一般诗词小楷不要超过一尺。

13、一般雅的长卷都较矮,因为纸的高度和字的大小成比例。

14、接纸之间有骑缝章属于规矩。

15、书写的时候,古文和白话文别写在一起,别自己冒然去抄。

16、书写规范参考书:《唐古代书仪研究》,《简牍简署考校注》。

17、纸的颜色和作品风格的关系:作品厚重-颜色深(重配重),细笔画的字-颜色浅(细配浅),忌用红色、翠色、粉红、米黄、不用纯正色,以沉着、朴素为大雅。

18、颜色的组合:忌反差大,尽可能相近,染色尽可能用矿物颜料。

19、尽可能用半生熟宣或用熟宣(如绢),提倡写特色纸的概念,找纸是书法家的一种常态,如很多土纸。

20、创作时,纸的高度要跟字的大小成正比。

3第八届国展 张之

21、作品要场面大、气势大、容量大。

22、落款要认真,有巧思。

23、展览评选要的是共性、经典、纯粹。符合古法得高分。

24、作品要把握一定的难度。

25、作品篇幅,写小字不必故意撑到250厘米。写大字一定要用足250厘米。

26、作品容易:字数一定要达到一定的量,要大气、大尺幅、笔墨要壮观。要抓住表现机会,使作品尽可能复杂化。

27、创作作品要以形式为先,先形式后笔墨,先确定形式设计,再加笔墨配合。写好字只是成功25%,真正的高手该是笔法、字法、墨法、章法四部分的完美融合。

28、创作,首先要构建作品的布局、正文、材料、颜色、格式、材质、组合。效果先设计好(一般一星期)。

29、展览是全面的形式完整的创作。

30、字外功夫就是:字还没有写就已经获奖了,功劳在设计。我们要养成一个设计章法的概念,努力做到内容与形式的统一。

31、笔墨形式:节奏感和空间感,空间大虚大实,画眼大虚大实,空间就是虚实之道。节奏指一种情节的变化,起承转合,具有4个以上的调子,每一个部分都是不一样的,有动静之变,具有这种节奏变化的作品全国展就百来人而已,做到了就获奖了,即全局的篇章节奏。

4第八届国展 李松

5第八届国展 李德君

6第八届国展 董长绪

7第八届国展 吴振峰