魏碑，上承汉晋，下启唐宋，在中国书学史上地位尤殊。其笔法浑穆。点画峻厚，意雄奇逸，骨法洞达。清康有为曾誉魏碑“血肉丰美 结构天成”，其言及神髓，后者可尽悮其意。

种种迹象表明，中国社会的养生时代已经来临。越是物质丰富的时代，越是注重生活品质的时代。在物欲横流、功利浮躁、信息加速与日益加快的生活节奏中，现实中人们往往容易迷失自我，物质日益发展与精神日益荒芜，在这种环境之下，恰恰最需要让心静下来。

中国传统的书画艺术无疑为当代社会的人们提供了一个足以承载“生理”与“心理”的港湾。关于书画与养生的问题，自古以来就有定论，许多传统医书把书画作为“愈疾良方”。诸如何乔《心术篇》说：“书者，抒也，散也，抒脑中气，散心中郁也。”同时也流传着诸多“观画愈疾”的佳话。诸如宋代词人秦观曾患肠胃病，久治不愈，后因日观王维的《辋川图》，置身于山清水秀的画境之中，顿感心旷神怡，其病不治全愈的故事。从科学角度分析，“观画治病”类似于“望梅止渴”，具有心理暗示的疗效，人的生命是生理与精神相互依存，精神愉悦势必促进生理的协调。而书画与养生的另一个佐证，就是书画家的寿命。有学者曾经将明清两个朝代的帝王、高僧与书画名家的享年作了比较，调查结果是：书画家平均寿命80岁，高僧66岁，帝王则不足40岁。纵观中国书画史，书画家普遍高寿，诸如智永习书百岁而寿乡，欧阳询享年85岁，柳公权88岁，文征明99岁尚习小楷，近现代书画家中吴昌硕84岁，齐白石97岁、林散之90岁，陈叔亮91岁、刘海粟99岁，沙孟海93岁，费新我90岁，启功94岁等等，最为典型的是上海两位书画老人，均享年105岁，一位是近现代国画大家朱屹瞻，另一位是苏局仙，其养生之道，自言：“唯书画而已。”

传统的书画艺术的重要功能是能够让人的心“静”下来。书画创作是一个“修心过程”，强调心平气和，调息凝神，排除杂念，正所谓养心莫如静心。西汉文学家扬雄说：“书，心画也。” 唐孙过庭说“人书俱老”，都提出了书画艺术之于人的功能性意义：书画作为养生的载体，可以有效地调节人的精、气、神，达到平衡与最佳状态，因而书画艺术具有多种生理与心理治疗的功能。比如篆书使人舒畅，隶书使人恬静，楷书使人平和，行书使人潇洒，草书使人亢奋。传统的花鸟“五君子”题材，画梅可散去肝郁积闷，画兰令人心旷神怡，画竹可排除胸中怒气，画菊可助人不畏艰难，画松则可令人胸襟广阔。而传统的山水画则是一次佳构山水的心灵之旅，在青山绿水与鸟语花香的笔墨世界中，使人忘却世间的纷繁俗虑，心灵得到净化。

所谓“志有所专，即是养生之道”。传统书画艺术的功能之一是养生。无论是书法经典的《兰亭序》，山水佳构《辋川图》，还是八大、石涛富有禅意的花鸟画，其本质都是追求一种人与自然、人与物象的合一之境，即“天人合一”的书画之道，这种境界的核心就是养心与养生。于是一代大师黄宾虹凭借他对于传统艺术精髓的学术理解，把书画艺术提到了前所未有的高度。黄宾虹《书画之道》中提出：“画学中兴思救国，特健药可医百病。”又有《与朱砚英书》：“书画称特健药，可使有病者无病，无病者不病。”最终在66年前，85岁的黄宾虹先生提出“艺术是最高的养生法，不但足以养中华民族，且能养成全人类的福祉寿考也!”，不仅指向个人，而是立足于中华民族与人类社会的高度，成为黄宾虹画学重要的艺术理念之一。

毫无疑问，在书画领域极度市场化与功利化情境之下，书画家背离“养心与养生”传统而热衷于书画经济的今天，提倡“书画养生”有着更为现实的意义!

1、成为一棵大树的第一个条件：时间

没有一棵大树是树苗种下去，马上就变成了大树，一定是岁月刻画着年轮，一圈圈往外长。

启示: 学书法，没有速成，必须踏踏实实，勤学苦练，临帖不辍。

2、成为一棵大树的第二个条件：根基

树有千百万条根，粗根、细根、微根，深入地底，忙碌而不停的吸收营养，成长自己。绝对没有一棵大树没有根。

启示: 基本功很重要，基本功不等于楷书，楷书只是一部分，更多包含驾驭笔法、墨法、章法技巧水准等综合能力。这些基本功将直接影响到你书法水平的“生长”。

3、成为一棵大树的第三个条件：坚定不移

没有一棵大树，第一年种在这里，第二年种在那里，而 可以成为一棵大树，一定是千百年来经风霜，历雨雪，屹立不动。正是无数次的经风霜，历雨雪，最终成就大树。

启示: 学书要专而精，要有专研精神，只有精微，才能博大，不要三心二意、过早地“博采众长”。

4、成为一棵大树的第四个条件：向上生长

没有一棵大树只向旁边长，长胖不长高;一定是先长主干再长细枝，一直向上长。

启示: 学书法，既要“法乎其上”、溯源古法、汲取营养，又要求思突变，获得自我创新。

5、成为一棵大树的第五个条件：向阳光

没有一棵大树长向黑暗，躲避光明。阳光，是树木生长的希望所在，大树知道必须为自己争取更多的阳光，才有希望长得更高。

启示：书法，有四净：净手、净耳、净目、净心。不断优化心灵，修养更完美的人格，汲取生活的阳光，与书同步，与书俱老。

其实，“大树理论”无非就是讲解一个人对一门艺术，从入门到学习生长的过程与原则，而书法正好吻合“大树理论”的诸多核心观点。当你浮躁的时候，好好思考这些理论，想必能静下心来，踏实学习，成就书法建树。

不妨也告诉你身边正在学习的朋友。

1、最热门：冯承素摹本

要说一千多年至今最热门、最流行、最广为临习的《兰亭序》，当然是唐代冯承素摹本，该版本因其卷引首处钤有“神龙”二字的左半小印，后世又称其为“神龙本”，因使用“双钩”摹法，该摹本无论是从字形，还是神采，被公认为是唐人摹本中最接近兰亭真迹者。

局部：

2、最意韵：虞世南摹本

唐代大书法家虞世南所临，因卷中有元天历内府藏印，亦称“天历本”。虞世南得智永真传，直接魏晋风韵，与王羲之书法意韵极为接近，用笔浑厚，点画沉遂。

3、最魂魄：褚遂良摹本

为唐代大书法家褚遂良所临，因卷后有米芾题诗，故亦称“米芾诗题本”。此册临本笔力轻健，点画温润，血脉流畅，风身洒落，深得兰亭神韵。

4、最风骨：《定武本》

唐代大书法家欧阳询的临本，于北宋宣和年间勾勒上石，因于北宋庆历年间发现于河北定武而得名。定武原石久佚仅有拓本传世，此本为原石拓本，是定武兰亭刻本中最珍贵的版本。

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5、最拙趣-《兰亭序》黄绢本

因这卷唐摹《兰亭序》所用的是绢本，有些纸上的效果不易体现出来。再加上年代的久远，绢色陈旧泛褐，使之与当时的艺术效果有了距离。但主要的笔意、字形，仍然保存了下来，尤其是笔与笔、字与字、行与行之间，都表现出了映带关系和顾盼姿态。

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“唐人五大摹本”从不同层面表现了“天下第一行书”的神韵，是后世兰亭两大体系的鼻祖：一是以虞本、褚本、冯本、黄绢本为宗的贴学体系;一是以定武本为宗的碑学体系。这两大体系并行于世，孕育了后世无数大家。唐人五大摹本，曾被收入清乾隆内府，后流散四方：虞本、褚本、冯本现藏于北京故宫博物院，黄绢本、定武本现藏台北故宫博物院，隔海相望不得团圆。此次将此五种珍本汇于一帙，海峡两岸法书极品齐聚一堂，全面展现中华瑰宝之流光异彩。我们再看看后人摹本。

6、宋拓定武《兰亭序》

不管是摹本，还是拓本，都对研究王羲之有相当的说服力，同时又是研究历代书法的极其珍贵的资料。在中国书法典籍中有关《兰亭序》的资料比比皆是，不胜枚举。

7、文征明临《兰亭序》

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8、赵孟頫临《兰亭序》

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9、启功临《兰亭序》

启功先生是20世纪书坛杰出代表，且对书法临摹及教学工作积累了大量经验，获得认可，我们引荐其临摹作品作一参考。

10、龙开胜临《兰亭序》

龙开胜先生作为中国当代书法家及当代书风之代表，我们引荐其兰亭临摹作品作一参考。

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《兰亭序》是否为王羲之所书，历来也有很多争议，清末和解放后的60年代都曾引发过相当激烈的大公论。也有人认为兰亭之会是讨论军事的秘密会议，是以书法之名掩人口目。无论如何，王羲之父子所建立起的“二王”书法体系以及《兰亭序》作为天下第一行书之书法地位是不可动摇的。

司马光曾经说过：“才胜德者，小人也。”我国历代书法评价中，书品和人品是一个血肉相连的整体，人品历来高于书品，书法是人的学识、才能、品质高度融合的体现。

然而，有这样四个人——王洪文、张春桥、江青、姚文元，四人在文化大革命期间所结成的政治利益团体，被称为“四人帮”。他们的书法怎么样呢?

王洪文

过去批四人帮，总是说王洪文不学无术，其实王洪文是否不学无术，和他的为人及政治错误丝毫没有关系，一个人可能才华和能力很高，但人品却正相反。

值得反思的是，我们习惯于表扬一个同志就将所有的功绩、所有的优良品德都集中到他身上;贬低一个人也习惯于将所有的丑恶都集中在他身上。

如果在没有照片的年代，可能王洪文还是个猥琐男、犀利哥。当年我们许多同志还没看过苏共二十大报告，就开始狠批赫鲁晓夫，想来批王洪文不学无术也并不奇怪了。

张春桥

张春桥，多才多艺，不但能写文章，而且书法也很出色。倘若当初他老老实实当文人，不去涉入政治，根据其十足的个性和执着，他的地位和影响决不会低于山东老乡季羡林和任继愈，成不了大师才怪。

有人这样认为：人已遗臭万年，字也难流芳百世。坏人、臭字?不对。那蔡京、严篙的书法，也当属上流，极具功力，也极少有人悬挂与宣传，不一样能成为枪手货。难道连书法也厚古薄今，今不如夕?

江青

江青临摹毛泽东书法手迹，难得一见，可窥一斑!

很多人不会相信，这是江青的书法。放开政治不说，因为那是我们说不清的，江青无疑多才多艺。她的书法酷似毛泽东，以致让很多人分不清真假，甚至将江青的书法当作毛泽东的书法。幸亏，历史离我们尚不算太遥远，我们还能从些许中看出些朦胧。

江青长期在毛泽东身边生活工作，对她来说，接触与观摩毛泽东的手迹，有着得天独厚的便利条件。成年累月的耳濡目染，使江青的书法深受毛泽东书法的影响，字迹有几分接近与相似。

姚文元

姚文元(1931年12月11日-2005年12月23日)，男，浙江诸暨人，“四人帮”成员之一，林彪、江青反革命集团案主犯。

1948年加入中国共产党。建国后，历任青年团上海卢湾区工委宣传部部长，《萌芽》杂志、《文艺月报》编辑，《解放日报》编委。

孙过庭《书谱》是一篇充满辩证思想的名篇。对于质和妍这两种美,他认为二者是并存的,他说:“今古不同,妍质悬隔。”而对待古今妍质的态度应是“古不乖时,今不同弊”。他在形容书法之美时,往往将两种美并列、对应地来说,既有“绝岸巅峰之势”,又有“鸾舞蛇惊之态”,既有“重若崩云”,又有“轻如蝉翼”,既有“顿之则山安”,又有“导之则泉注”。虽然保守主义的孙过庭的基本立场是崇古的,如“子敬之不及逸少,犹逸少之不及钟、张”、“今不逮古,古质而今妍”,但他不反对精工与修饰,而反对荒率粗劣,提倡“文质彬彬,然后君子”,反对“易雕宫于穴处,反玉辂于椎轮”。而宋人苏东坡则以更加宽容的态度来对待艺术风格,对艺术创作有着兼收并蓄的态度,他有两句诗,“短长肥瘦各有志,玉环飞燕谁敢憎”,表明了他的创作理念。

然而在篆刻创作中,却长期表现着盲目的崇古。自文人篆法提出印宗秦汉的主张之后,汉印成为篆法创作的典型模式,古印中表现出的朴拙、厚重之美成为最高境界的美,斑驳古貌成为篆刻家刻意摹仿的形质,就连文彭刻完印之后也放在木盒子中,让小孩子“尽日摇之”,直至“剥落有古色”才罢手,提倡质古、反对巧饰成为文人篆刻家的审美主张。在当代的篆刻创作中,篆刻家为了追求与众不同的风格,为了使作品形式对视觉具有强烈的冲击力,以适应“层次效应”,有些印人极度夸张印面上的这种斑烂古貌,应了孙过庭“易雕宫于穴处,反玉辂于椎轮”这句话。然而人工制造的斑烂古貌,实是极度文饰的另一种表现形式,它与极度的粉黛巧饰一样起到破坏艺术中自然之美的作用。

质与妍是并列而存、相互对应又相互支撑的两种美,可以说失去了彼也就不存在此。就篆法的发展来说,质是初起草创,妍是成熟完美,所以孙过庭说“古质而今妍”;就艺术格调来说,质更近于自然天成,妍则是人工修饰之美;就创作技法的复杂和难度来讲,妍美对技法精湛要求更高一些。艳丽是一种能使人心动的美,五代时所编的词集《花间集》,描写歌舞饮宴,痴男怨女,词风艳丽,洋洋五百首,美不胜收,成为诗词中古艳的一派;近代的新月派诗人徐志摩,其诗句吟咏爱情与梦幻,纤秾委婉之句,倾倒了多少红男绿女,成为新诗中的“今艳”派。唐人司空图的《廿四诗》中,既有“雄浑”、“路野”之品,又有“纤秾”、“绮丽”之品,其中“纤秾”品曰:“采采流水,蓬蓬远春,窈窕深谷,时见美人。碧桃满树,风日水滨,柳荫路曲,流莺比邻……”“绮丽”品曰:“……雾余水畔,红杏在林,月明华屋,画桥碧荫。金樽酒满,伴客弹琴,取之自足,良禅美襟。”这是何等让人神往的美境。

汉代鸟虫篆印章

篆刻中的妍美,大概缘于这样几个方面,一是印章的工艺属性决定了其形式上必要的美化装饰;二是书法美对印章形式的介入,打破了以汉印为典型的定式,大大丰富了印面上流动的美感;三是不同作者有不同的气质和审美倾向,使篆刻创作有着多样的审美选择,其中妍是重要的内容之一。在古代印章制作中,为了美化印面,将一种工艺性很强的装饰性鸟虫篆施入印章中,此后鸟虫篆一直是篆刻创作中的一个独特样式,篆刻中妍美一路可以说始于古代的鸟虫篆。“新成甲”是古玉印,为古鸟虫篆印中之完美者,印面上屈曲流美的线条,带有工艺性、图案性的装饰,使作品有一种华丽的美。

自清代中期提出印从书出的创作思想后,书法之美替代了古印中的工艺之美,尤其是在朱文印中,小篆直接入印表现着流动和妍美,与汉式白文印形成两种对应的篆刻样式。

徐三庚“日有一钱惟买书”就属于这一类作品,他的小篆夸张地运用邓石如“疏处可走马,密处不使透风”的主张,将小篆写得像舞动的彩绸,他将自己这种独具个性的小篆施入篆刻之中,印面不再去求所谓的金石之气,而表现着“采采流水,蓬蓬远春,窈窕深谷,时见美人”般的流动之美,流美的篆法再加上很少用的横式椭圆形印面形式,使这方印更加远离“古质”而走向“今妍”。

观海者难为水 吴熙载

仲陶 吴熙载

吴熙载“画梅乞米”中的篆法结构的疏密对比没有徐三庚那么强烈,然而线条的圆转流动甚之,在徐三庚印中的竖画一般不作屈曲变化,而吴熙载印中“梅”字“木”旁的中竖扭曲如同舞女的身段,“乞”字线条屈曲极尽夸张,全印给人一种无拘无束、尽情尽兴的感觉。

赵叔孺“无锡秦氏文锦供养”与吴熙载印例一样强化篆法的圆转之形,康有为评《石鼓文》篆法:“如金钿委地,芝草团云,不烦整裁,自有奇采。”这方印的篆法正有这种“芝草团云”般的美,然而每个字的篆法都追求花团锦簇的完美,字与字之间相比有篆法雷同之处,所以远比“画梅乞米”印例逊色。

吴昌硕(1844.8.1 —1927.11.29)原名俊，字昌硕，别号缶庐、苦铁等，汉族，浙江安吉人。我国近、现代书画艺术发展过渡时期的关键人物，“诗、书、画、印”四绝的一代宗师，晚清民国时期著名国画家、书法家、篆刻家，与任伯年、赵之谦、虚谷齐名为“清末海派四大家”。吴昌硕的艺术别辟蹊径、贵于创造，最擅长写意花卉，他以书法入画，把书法、篆刻的行笔、运刀、章法融入绘画，形成富有金石味的独特画风。他以篆笔写梅兰，狂草作葡萄，所作花卉木石，笔力敦厚老辣、纵横恣肆、气势雄强，构图也近书印的章法布白，虚实相生、主体突出，画面用色对比强烈。

画柏讽哈同

1914年，吴昌硕寓居上海。

有一天，靠贩卖鸦片和房地产投机起家的英国冒险家哈同来到吴家，说是为了做生日，想请吴昌硕代画一张三尺立幅。

不料吴昌硕是个堂堂正正的中国人，平素最憎恶的就是这班在中国为非作歹的洋人。无论哈同怎样诱以重金，也根本不予理睬。

后来，哈同一看不行，依仗自己是英、法两租界工部局的董事，一面指使爪牙去吴家威逼恫吓，一面托当时在上海画界声望略逊于吴昌硕的吴杏芬、沙辅卿等人向吴说情。

吴昌硕碍于同道情面，便磨墨提笔画了一幅柏树图，但柏树叶子却画得比正常的要大得多。

在还没题款的时候，哈同就来取画了。他拿起画卷，横横直直地看了好一会儿，仍然不明其意。于是问道：“先生劳神挥毫，敝人不胜荣幸之至，但不知画的何物?”

当他得知画的竟是不伦不类的柏树时，便强作笑脸问道：“柏树叶子为何竟如此之大?”

吴昌硕说：“不妨倒过来看看。”哈同看后说：“倒过来却像葡萄。”吴昌硕佯装认真地说：“我也是这个意思。”

哈同不解地问：“为何要倒画呢?”这时，吴昌硕忍不住笑了，说：“我是按照你们办事的逻辑画的，你们喜欢颠倒，把黑说成白，把好说成坏，把人吃人说成慈悲，当然我给你的画也只好颠倒挂了。”

一听此话，哈同真是气得满脸通红，哭笑不得。但吴昌硕是上海首届一指的名画家，因此也不敢发他的脾气。且这画又是自己请求的，真是自讨没趣，后悔莫及。

“等以后我死了一起送”

1917年，吴昌硕的继配施氏夫人在上海去世。吴昌硕委托他一位姓陈的朋友从简办理丧事。除几位同道挚友和施氏的亲朋好友前来吊唁，吃了一顿豆腐饭，就命儿子扶施氏灵柩返回故乡，葬于安吉县鄣吴村附近的凤麟山上。丧事过后，那位姓陈的朋友交给吴昌硕一份奠仪单。吴昌硕接过一看，不觉惊得：“我不是说过一律谢绝吗?怎么还有这些奠仪?”再一看，奠仪中有一元、二元，也有七、八元，十多元的。送礼的大都是亲戚、挚友，还有一些左邻右舍，却没有过去曾向他要过书画的达官权贵的名字。

世态炎凉，人情冷暖。这些，吴昌硕早在逃难江淮皖鄂，流落苏州街头，幕游扬州盐运署，受任一月安东(今江苏连水)县令中饱受了。为了感谢亲朋挚友的吊唁和馈送的奠仪，照当时的做法，应当去书店买来“谢唁帖”，填上名字，按奠仪单每人一张作为回谢。

但是，吴昌硕却拿来宣纸，亲笔用工楷书写谢唁，然后一一送上门去。

接到“谢唁帖”的，个个喜不自禁，互相传诵。因为吴昌硕的书法，特别是他的工楷，在当时已是难得的珍宝。那些达官权贵深悔自己没有在施氏夫人的治丧中送上一份“奠仪”，有的甚至想补送。

一天，那位姓陈的朋友跑来对他说：“昌硕兄，丧事办完。但仍有几个人还要送奠仪，你看如何处置?”吴昌硕笑着说：“你去对他们说，这次不必事后补送了，就等以后我死了一起送吧!”

铜像戏题

吴昌硕是杭州西泠印社第一任社长。日本雕塑家朝仓文夫酷爱吴昌硕的书画金石，1920年慕名来华，与先生结成忘年之交。回国后，朝仓文夫运用洗炼的手法，塑造了一尊吴昌硕的半身铜质胸像，并亲自将塑像送到杭州。吴昌硕观后，赞叹不已，并在铜像之后题字道：“非昌黎诗，咏木居士;非裴岑碑，呼石人子;铸吾以金，而吾非范蠡，敢问彼都之贤士大夫，用心何以。辛酉八月昌硕戏题年七十八。”字里行间流露出这位艺术大师的宽广胸怀。之后，吴昌硕将此塑像置于印社的小龙泓洞内。

西泠印社 缶亭

一天夜晚，皓月当空，沿湖的亭台楼阁沉浸在一片幽静之中。吴昌硕吃完晚饭，与弟子王个簃出门散步。

突然，只听吴昌硕一声惊呼：“啊哟，我头好疼。”王个簃不觉一怔，正想发问，却见先生手指前方。王个簃朝先生所指方向一看，只见幽暗的小龙泓洞里亮着数支蜡烛，微弱的烛光映出一位正在合掌跪拜的老妇身影。原来，这位老妇错把吴昌硕的胸像当成佛像了。吴昌硕皱眉道：“见此情景，我怎能不头痛呢?”

谦逊的吴昌硕

吴昌硕晚年，艺术上已经进入极高的境界。海内外求他书画刻印的人很多，就是片纸只字，都极为珍贵。

但是吴昌硕却丝毫没有骄人之态，而且越发勤奋谦虚。当时有丁辅之、吴石潜等人发起组织西泠印社于杭州西湖孤山，研究印学，推吴昌硕为社长。他撰一联：“印岂无源?读书坐风雨晦明，数布衣曾开浙派;社何敢长?识字仅鼎彝瓴甓，一耕夫来自田间。”从中可见其谦虚。尽管人们把吴昌硕的作品当作无价之宝，但他自己却不以为然。一次，一位友人在闲谈中说：“现在一般人鉴赏和选择书画，往往以耳代目，真是怪事。”吴昌硕笑道：“如果他们真的都用眼睛鉴赏，我们这些人不是要饿死了吗?”

吴昌硕晚年除了因卧病万不得已偶而搁笔以外，每天写字作画，从不间断。直到逝世前三天，他还画了一幅兰花，照样气势宏阔，毫无衰颓之气。冯君木曾在这幅画上作了这样的题记：“缶庐(吴昌硕)先生以丁卯十一月六日卒。是帧其三日前所画，翌日即中风不能语，盖最后绝笔也。苍劲郁律，意气横溢，将非庄周所谓神全者耶?”

吴昌硕身材不高，面颊丰盈，细目，疏髯。年过七十而鬓发不白，看去不过四五十岁的样子。这是他勤于劳作的结果。他每天早起，梳洗过后，就面对书桌，默坐静思约一刻钟，把当天的工作程序安排好，然后再进早餐，有时兴致来了，不及进餐即开始工作。他在作画之前，先要构思。有时端坐，有时闲步，往往要过很长时间。及至酝酿到一定程度，整幅画面的形象在心中涌现，灵感随即勃发，于是凝神静气举笔泼墨，一气呵成，看去似乎毫不费力。等到大体告成之后，对局部的收拾，却又十分沉着仔细，惨淡经营，煞费苦心。常见他凝视沉思，笔头颤动，跃跃欲试，但很久不着一笔。

他曾说过：“奔放处要不离法度，神微处要照顾到气魄。”一幅画作好之后，就张挂在墙壁上反复观赏，并请友人品评。大家提出意见，他就虚心听取，经过考虑之后，再着手修改，直到满意，才肯题款、钤印。万一画得不大满意，他就断然弃置，毫不顾惜。

卫恒《四体书势》讲：“兽跂鸟跱，志在飞移;狡兔暴骇，将奔未驰。”以自然鸟兽外在紧张的动态形式特征来描绘书法。其语义的是强调说明内在的“势”与内在的节奏。

书法中对于迟与速、燥与润、疾与涩都不能偏重一面，比如为了“燥”的效果而简单的使用渴笔或特殊的墨。书法的用笔及形态表现要燥中有润、润中有燥是非常清楚的，看起来干炼秋风的线条、用笔，却又有润泽如春的感觉，方能入妙。概括地从表象、形式的层面谈及燥与润、迟与速、疾与涩的对立统一关系都没有问题，但是如果书法只从这些表象和形式入手，从我们古代书论来讲，必然不是一个最好的路径。因为我们中国艺术的本质，包括书法，不是一种形式上的追求，它的节奏感也不是简单的形式上的节奏感，而是内在心灵的蕴藉，是在某种特殊的场合中间，一种生命的反应。这种生命的反应跟人的情绪、情感、潜在的理性知识以及对某一问题独特的领会角度有关，其直觉和理性都在起作用，是一种整体的呈现。这样的东西不是在形式的节奏上把握就能达到的，而需要艺术家具有良好的修养、特别的情愫、内在的资质、艺术创作过程中的独特的感觉世界，这才是最根本的东西。所以像迟与速、燥与润、疾与涩的问题，是人的内在情性的培植与外在的艺术形式如何契合的问题。

在书法与绘画中，我们讲“意在笔先”，有人讲书法是一种纯形式艺术，德国音乐学家汉斯力克讲音乐是一种纯形式的艺术，音乐本身是没有感情的，音乐节奏本身也不是感情。但节奏背后必然要受感情、知识、理性的左右。所以，“翰逸神飞”必要“神融笔畅”，神融是关键，孙过庭讲“取会风骚之意、本乎天地之心”，不是玄虚的东西，它要求必须有非常大的气度，像弘一法师早年与晚年的书法有很大的不同，绝非简单的形式感的变化问题，而是另外的哲学、思想、情感对他的影响，造成了他书法风格的变化。

虽然书法被有些学人称为“形式之艺术”，但书法不能导向“技”的方面。中国书法之所以成为中国艺术最典型的表征形式，正因为它是“写意的”中国艺术的最典型的表达，它代表中国艺术的特点，不在于它的线条，而在于它重视情性。

书法不是形式之艺术，而是“表现”之艺术。从这方面来讲，例如黄庭坚的书法就有极高的价值。黄庭坚若没在“苏氏集团”中的悠游，没有他对道禅哲学的领会，他书法风格的独特面貌也不会出现。书法当观“韵”，韵不是形式感的问题，还是内在情性的东西。所以“意在笔先”、“书在写意”还是中国艺术的本质，中国书法体现中国艺术的特征也是在这里。

齐白石门下到现在没有出了一个人才，没有突破齐白石的，也没有在中国不突破而能够站得住的。为什么?因为他有一个错误的说法，一句话害死人，他说‘学我者生’。这个对齐白石来讲，可以这么讲。因为齐白石不属于中国传统的艺术，是工匠。齐白石的志愿，不是发展艺术，而是为了赚钱，卖钱。那么这个他的思想，依据这个赚了钱就行，至于中华艺术的发展，这个与我无关。齐白石是这样的，而且他没有说，基本是这样做的。相应他本人的创造能力，要承认，要推重他。但是在这个上头，他另外又有一个观点，对他也许很适用，很适合于他的创造。当年，故宫开放以后，就请他参观。那是在二十年代。他不去看，于是别人就问他什么意思。他说，看了这些，扰乱了我的思想，干扰了他的思想。齐白石本身，他就是自己闯的，这个也是很伟大，自己闯出来的，也很伟大。我们应该承认，对于民族艺术的传统，优越的传统，不要去认识这一点，怕干扰他的创作。这个对齐白石来说是可以的，而对于其他的人，没有白石的独立创作的人，传统的不要看，就是盲人骑瞎马。

这一句话，学我者生，就影响了今天。齐家的系统，没有哪一个，能够站得住，够一个大家。(笔者：我在广州黄花岗看过齐家后人的画展，风格和齐差不多。)你说他的后代，不必谈，就是他的学生也不行。艺术这个东西，必须像齐白石一样，但不要以齐白石的态度对待民族优秀传统。创造方面，一个艺术家，也要有坚强的、独立的创作风格，要不然，人云亦云，那就平凡了。但是他一说学我者生，这些人就学他的。一个是李苦禅，一个是李可染。这两个人老是讲学我者生。你注意看李可染的语录，看李苦禅的说话，啊，齐白石老人讲学我者生。他不想一想。李苦禅我和他在一起比较多，人品很好。他倒不是分析事物的能力不够，脑子很好，有感情，而无理智，这是一个。再一个，知识不多。历史方面他完全是错误的。不要多说，三四千年的历史他给你颠倒。他有功力，知识一到他那儿全混了，没有知识化了。这样他对事物没有认真的条理的分析，所以他教人是教人方法，我就是这么画。跟齐白石一样。你注意看他里边有许多学我者生。

这句话害人很大。李可染是学了齐白石的用笔的慢。李可染就用了个色，就用了这一个。所以李可染在重庆时就对我说，哎，你下笔太快。在抗战以前，李可染见过齐白石。后来解放以后回到北京又跟齐白石。这两个人的画在社会上都有所成就，而这两个人的画里边贻误非浅。他不注意这句话是谁说的，是唐朝李邕李北海曾经说过，学我者死，似我者俗。这话说的就有道理。一到齐白石，就变成学我者生。

(整理者按：记得文化革命中周总理说齐民族气节也不怎么样，见了外国人下跪。)他就是卖画，腰缠万贯，我的目的就达到了。你们不知道齐白石。连文物商店看齐白石的画都不会看。我告给他们说怎么看。现在齐白石还遗留下一个最难解决的问题。经过文革抄家以来一个很大的问题。什么问题呢?齐白石民国四、五年来北京是袁世凯做皇帝后期，他本来是本匠，刻画板的，木器上刻画，雕刻。当时他遇的人好。他的老师姓胡。他老师的小儿子跟我很熟。文革中间叫斗得自杀了。在辽宁博物馆，叫胡文孝。一般画国画的，他是前清来的画国画的，应该理解。但是读书不多，人倒是相当聪明。王闿运，有《湘绮楼日记》，王闿运跟我祖父关系最好。王也是湖南人。齐白石拜到王的门下，王很爱才，教齐白石写诗。齐白石作诗跟王闿运学的。王闿运在袁世凯作皇帝时候还在世。齐来时，北京有筹安六君子，敦促袁做皇帝，为首的是杨度。齐白石来北京就在杨度家里住。齐白石确实是聪明用功夫。认识问题上就是为画画赚钱。

齐白石他是怎么个画法，现在恐怕给政府也造成困难。齐白石画画，他不是信手画，他都是事先经营出来的。拿炭条组织成稿子，组织好了以后，一花一叶，都已经描出来了。这个完成以后，一下几百张。这幅出来以后，几百幅下来一个章法。因为他目的是为了卖，不必用脑子啦。今天打了一个章法，完全都是这个章法，几百张，一个模子。所以齐白石的画你注意看，章法变化很不多。原因是开头这一下他倒是苦心经营，经营得完全合适后就照这样子用铅笔打底儿了，炭笔打了底子。每天把这底子拿出来以后，用笔就一笔、一笔、一笔写，固定的，那么同一个章法几百张。年轻人就不知道齐白石的这个画法。有的时候他这么画了以后，偶有遗漏，对炭条没有遮盖住，他也没有擦掉。炭条这个东西很奇怪，只要你在白纸上画了以后，如果你不在裱之前都擦掉，一湿水就脱不掉了。齐白石有时误笔线，没有把炭条遮住，画了以后也没有注意擦掉，遗留下痕迹了。二十多年前，文物商店有人看见齐白石画上有炭条，说这是假的。我对他们说，刚刚错了，这是真的。因为这些年轻人没有看过齐白石怎么画。齐白石成堆成堆地画一个章法。今天的遗留的后果是什么呢?文化大革命抄家，一抄家之后，我不晓得别的地方怎么样，北京各区抄家文物本来叫被抄的去领。被抄家的去找齐白石的画之类的东西。好了，这些人去领去了，挂出一张来，这个人说是我的，就这样，画得这个景。那个人也说是我的，画的这个景。因为他是一个稿。这个问题到现在没解决。人们说好的都收了，实际上不是收了，没法还。因为他就是一个章法，张三说是他的，李四说是他的。怎样解决呢?这是他们不知道齐白石怎样画。这个遗留问题到现在解决不了。这是一。

再一个，齐白石画草虫。他当初也确实画了一些草虫。这不能说他不会画草虫。而实际上他的一些草虫都是他第三个儿子画的，叫齐子如画的，多半都是。齐子如，儿子的子，如何的如。齐白石教给他三儿子画草虫，后来他画好了专门叫儿子画草虫。齐子如今天画蜻蜒，就画蜻蜒，一张一张叠起来。明天画蚂蚱，就画蚂蚱。他不定什么时候拿出来补的画草虫。花草是他画的，草虫是他儿子画的。这样就又叫人鉴定。我和启功两人，五十年代,别人的画，我们都可以看真假，齐白石的不敢。因为千篇一律，散开无所谓了，今天集中回来了，章法就是那么几十个章法。他为什么这样?和中国的文人画不同，他目的就心里不同，为了卖钱。五十年代两块钱一方尺，六十年代二十块钱差不多。三十年代四块钱一方尺，解放后比解放前还贱，因为解放初期没钱，不是不重视，而是没有钱。这些人不知道内情。后来也有好几次，拿来齐的画，有草虫，我一看这是齐子如画的。那我后来就不客气，我也不说它是真的，也不说它是假的，我题的时候，说，白石老人曾经教他儿子齐子如画。那么这个话就是含蓄。我并没说这个是真的。我并没说真假，我说过程，连他这张画上的草虫是他儿子画的我都不说。我只说，白石能画，他的儿子也能画。你这么一提，这画就成了真的了。你卖钱我没拆台，启功跟我在一起。这些误人就在齐白石身上。齐白石没有什么了不起的学问。李北海是唐朝的李邕。学我者死，这道理很简单。你如果学我，一辈子也超不过我。

(原荣宝斋经理c先生让指点青岛一学画者的画，董认为受了李可染黑乎乎的影响，说)黑乎乎的世界，说明中国近代的黑暗。真的，国运。惹不起，不做事便罢，一做事便有麻烦。当然比例还可以，你告他色。第一不懂物理，不懂美。不知道什么叫作美，不会审美。这都是问题。(展览行吗?)美术馆有什么了不起，可以。不看可以嘛，个人都有自由。美术馆有钱就行了。这害人的第一个是齐白石，第二个是李可染。当然齐白石无意害人，李可染也无意害人(客观上害人)。齐白石可以原谅。你知道齐白石怎么画吗?齐白石第一不看中国画，所有中国画都不看。故宫博物院当年开放的时候，请他他不看。1924年开的，段祺瑞以前。他说看了会扰乱他的思路。这个对不对?对于齐白石很对。我的话并不矛盾，因为齐白石他是木匠出身，木工，做工的，后来因比较地好，所以王闿运收他为门人。雕花的木工，民间艺人。比较起来这个人有创造性。王闿运是湖南湘潭人，教他读书。教他画画的是姓胡的。他儿胡文孝，文化大革命中自杀。东北博物馆，跟杨仁觊一块。湖南人气质很好，哪经得起高帽子，自杀了。因为他的嘴也不好。这一点应该说齐白石没有坏处，他有创造力。但为什么画上鱼鳖虾蟹很好?中国的纸乾隆以前就坏了。乾隆以后一般画画用熟纸了，都是在苏州加工的。我们开始学画也是苏州加工的纸，叫苏锤，或者叫铸锤。纸造是安徽的，好多家。重加工，苏州。我记得时候，苏州纸四角一张，安徽纸七分一张。齐白石是算成本的。齐白石画画不是粗笔道么?粗笔道一笔就下来，这是一个，用粗笔可以。别人用细笔道山水画皴法什么，这就必须加工。

齐白石画抄家还不了的原因知道不知道?齐白石是杨度把他请来的。杨度是拥护袁世觊做皇帝的六君子的头一个。齐住在杨度家里，都是湖南人，所以看起来他是一个人才，就这样子。齐白石这人很怪。我觉得这人很值得尊敬，他有骨气。住在他家里，杨度要看他刻图章，他把两只脚抄在座子上。杨度就坐在他对面，主人，脚起挑起高快到杨度的脸跟前。他有这么个劲儿。什么劲儿?有很傲的硬气，骨气。杨度不是筹安会的么?后来齐白石为什么画虾画蟹画鱼?他为这个纸一笔下去周围一圈白线。这画虾画蟹画鱼恰恰合适。所以他画七分钱买的纸，他卖二块钱一尺。多少年都是两块一尺。一直到抗日的时候，加到四块一方尺。所以齐白石用这个纸。那么他不看中国的传统，这未尝不是他的特点，不能说不对。因为他要自己闯一派。中国在民国以前，乾隆以后绘画艺术已达到一个最软弱无力的时期。他这么一下一震动，外国人看上了。中国人不理解，日本人理解。买的人多了。中国人接受的还是陈半丁这些人。但齐白石对中国民族文化、艺术地位不管，我只要卖了钱就行。所以他的画今天造下一些恶果，到今天都解决不了的问题，就是他齐白石自已造成的。当然现在与齐白石无关。齐白石的画，那章法设计，一个章法设计好了，几百张，全是拿炭条画的。一个炭条画到底了。每天拿出几张来，就画出来，章法雷同。没炭条就不能画。不是中国过去开朗的画法。根据炭条写，用笔慢，这样画。这一个章法画葡萄，画一千张。(c先生：大批量生产，所以他一生画四万张画)对，大批量生产，完全可能。(c先生：有的说一万多张)不只，哪一个人也不只一万张。他一个章法就千二八百张。这个诀窍我后来告给陈源他们。文物商店收画的见炭条没擦了，说假的，我说赶快收，这是真的。都不知道齐白石是一个章法画千二八百张。现在你可以看，都是同一个章法，都是先弄好。但有的就擦了，有的擦得不干净。这回一抄家，事情就出来了。别人的画，有上款，有题名。齐白石画分两类，有上款的后来不是还了。没上款的，我知道就多哩。人们去认领，都说，这张是我的，那张是我的。我那章法就是这样，我那章法就是那样。给谁?一个章法都说是自已的。殊不知齐白石一个章法画千二八百张。竟究该给谁?谁也不给。现在还是那么着。这是齐白石画画的方法。齐白石不是作为搞文化的，而是我创造出来我卖了钱就算完了。对中国文化，他不想到这些，对历史他不管他不看。有两次他找我去他家，扬州八怪的东西他认不出来。真的假的他不知道，我给他看过两回。在五十年代初，罗两峰罗聘、郑板桥的，就在他家里存着哩，他不看。这点我们不能否认齐白石不对。他愿意这么搞，人家搞出一派来。

另一派是对中国，那是一片黑。一片黑原因一是另一个没有多读中国书的人，笔墨两字分不清。中国绘画有一个词汇叫笔墨好。笔墨两字合在一块儿，笔是一个器物，墨又是一种器物。墨代表各种颜色包括水。笔代表各种绘画工具，着色的工具。这两个是工具，在绘画上说的，不是这两个的单独的工具，而是笔墨。笔墨立意是什么，是这两个在绘画上的表现，表现出来的痕迹，既不是笔也不是墨。李可染他把画论所说的笔墨，就是这个笔，就是那个墨。而认为黑的就是墨，这就局限了，各种颜色就排除了。把墨当成黑的了，把笔当成线条了。就因为这个线条，所以他一片黑乎乎往上头扔。原因是什么?不知道墨是习惯叫墨，而排除了各种颜色造成墨的形式。现在已经没的五色墨、朱砂墨。墨从哪来呢?墨早就从唐代就变了质了，不全是黑的了，当然也有黑的。红的、蓝的，形象是那个都叫了墨了，这个变了。(c先生：朱砂碇，真胡开文、真正胡开文)胡开文最坏，一般人到现在，不懂得中国文化，就来一个笔和墨是黑的，所以他画出来一片黑。他把墨的色调都分不了。(c先生：他的学生也是学他)有个限制，首先是他的问题。对中国历史不懂，看过中国绘画指南吗?中国历史讲笔墨是从宋元以后才讲的。为什么叫绘画?绘怎么讲,丝旁一个开会的会。绘是什么意思?绘是用颜色。哪一个少数民族、哪一个东方、西方的民族开始画画，都是尽可能的采用色彩，绘画是拿颜色画，这不是应当，这是历史的发展，当然现在更离不开颜色。他就误解了一个画就是黑，这样就一片黑。两个无知，就害人一片黑。还有一个无知，是不知道泼墨与破墨，两个没有分清。为什么叫破墨?这要分时代，唐代以前所有中国的绘画都是用一个粗细匀称的线条表示事物的形象。然后里边调和颜色。这是唐以前，一个调子，一种笔线，粗笔道就全是粗笔道，细笔道就全是细笔道。谁画也是没有粗细两个区别，而是一个调子。笔墨深墨就是深墨，浅墨就是浅墨。到了唐朝开始就把这个墨，黑的说法破开若干层次，就是色阶，一个墨分了若干色阶，这就破开了墨。在画法上起了一个大变化。唐代以前一个色。到了王维时候，加上水分，有了干的，有了湿的，有了深的，有了浅的。还是一个墨，这个墨变了干湿浓淡什么都有。把一个墨变成若干层次，若干色阶，这就叫破墨。他不知道破墨的意思，就把破墨跟泼墨合在一起了。

泼墨又是怎么说的呢?(c先生：泼墨往上泼，刘海粟是一家伙盖上一层水，哇一片)你是说刘海粟呀，说中国历史传统?泼墨他可以西洋的。另西安的一个画家五六年前那也是一种墨。把油漆喷到水里头，吹成各种形的，油漆不是象油么?然后把纸盖到上头漆就到了上头了。墨很浓，再上一层油。我说李可染错误就错在一个不懂破墨，一个以为笔墨就是黑的。在重庆的时候我画画，李可染说你画得太快，要慢。他就是慢得很,抖抖索索的(c先生：他抖索得很)，他慢，不会快。我也是很快。这是在重庆的时候。在北京他再一次师齐白石，就更加慢了。齐白石慢。慢不是坏，快也不是坏，要适当。既要有快速疾徐，仿佛音乐，既要有主调，还要有旋律，主旋律，需要用什么旋律的时候，就得改变，主旋律不能错。B 调你不能变。李可染本身还是好，对中国画误解了以后就一片黑。而他教的学生全是学他，美术学院一百人就有一百人学他。原因是什么?老师教学生学他的。世界上最坏的就是摹仿，包括孔夫子都不愿教学生学他，也是发展好。美术学院教技术，我就是这样，你们就跟着学，绝对不鼓励学生多看一点。一个好人才到了美术学院，一个好嗓子到了音乐学院，就算完了。

(c先生：启功先生观点跟你一致。启先生也是，看见别人楞是学他的字，他忒反感。我这哪一点有可取之处，你参考是可以的，但是你不要照着临摹，照摹的办法是一个懒办法。)不仅是懒，是无知，究其根源，无能。美术学院有的人招学生更可恨，不是照我这个方法画的，不是李氏门人画法，我不要。到了美术学院，学生要求写字，说画画的，写字干什么?毁人子弟。古代考试是考你特别见解。那怕你说假话，只要你说得好，说得有道理，不是引经据典，你说出道理来，可见你有这种才能，也可以用你。临摹地说前人的话，不需要你这样，庸才。所以过去考试不同，现在基本考试是可以的，象初中，高中，但用人时候那就不行，那就考试你独立的思想、独立的能力、独立的见解啦。可我们没有独立的见解，都是老师的，一代不如一代，你也不创作，怎么能够长进呢?中华民族的文化还不是创作的文化?

南方没有害人的，南方各有各的画法。一个齐一个李，他们的学生，这些人现在非常后悔。李氏的徒弟，没名望。你不是一片黑吗，现在这一片黑也不行啦。现在黑也是薄漠的黑啦，不是点上一层又一层。而李可染这一派学起来，用不了中国的材料。好材料用不着。七十年代初，在国际饭店，国务院从故宫调的乾隆丈二匹，他画不成，他说可惜，你给我买点新的。我说，我要旧的。我就把这旧的放下了。我说给你新的。齐白石也是，好纸他画不了。

《水浒传》人物木雕 齐白石

陈半丁研究的是画，齐白石是刻工出身。齐本人成功的应尊重，但其思想观点，一句话对艺术影响很不好。李北海说似我者俗，世上都学我的，一看就知道俗气了，不是我的生活怎么能写出精神来呢?这话非常大。齐说学我者生，忘记了你齐白石只是一个人，而中国有几千年的智慧。刻花木匠学画画，师带徒，给人家刻，不学我就坏事了，身份资历不同，从这个行当讲说得并不错。启功对他的画最不赞成。几百张纸就这一个章法。认领抄家物品时，拿出一张牵牛花，你说是你的，他说是他是他的。陈半丁结交达官贵人，是王府的清客、食客。画得好就数王梦白，名叫王云，但这人文人无行。花猫，木版水印过，真俏皮。毛病就是骂人，谁也看不起，没超过他的聪明，但不用功，民国二十年前死的。王雪涛跟他学。