艺术史学者白谦慎主要从事中国书法的研究,亦致力在西方向一般民众介绍中国书法篆刻艺术。他从傅山入手,讨论中国书法的嬗变,著有《傅山的世界》及《傅山的交往和应酬》等专著。“真山难老——傅山作品展”在浙江美术馆举办之际,白谦慎特写作一系列小品,勾勒出兼擅诗书、画、金石、考据,甚至武学的傅山忠义气节、多才多艺的面貌。

诗文

作为明清之际富有爱国主义精神和民族气节的思想家和学者,傅山历来有“学海”之誉。他一生不以文事为主,“指归在动作”(鲁迅语),但他研究创作的领域极其广阔且成就卓著,文学世界仅是他精神营造的一部分,其中诗歌与散文皆达上乘。

明清之际激烈巨大的时代动荡向文人提出了增强现实意识和社会责任感的迫切要求。傅山注重文学的社会作用,强调文章要“经世致用”,他的诗文在认识价值和审美价值上都有不容置疑的地位。早于傅山生活时代的近百年前,明代文坛兴起 “文必秦汉,诗必盛唐”的拟古文学。直到16世纪下半叶至17世纪初,以袁宏道为代表的“公安派”形成一个反拟古的文学运动,他们反对蹈袭拟古,主张抒发性灵,提倡文章不拘格套。傅山正是在反拟古主义文学运动方兴未艾时诞生成长的。他继承了我国先秦诸子与汉唐以来散文的优秀现实主义传统,特别是发扬了明代李贽、袁宏道等人反拟古的文学思想,反对因袭、模拟、复古,要求注目“乱世”,多多关心祖国“河岳”之“气”,故而傅山笔下,留下大量反映艰危时代的“波涛”之文。

可以说,身处乱世,亡国后忠与孝的内心斗争、虽生犹死的遗民心理决定了傅山写作的缘起。傅山诗文的主题取向是表述家国之痛与故国之思、惟歌生民病、亲情与友情以及物中志与景中情。他创作的大量诗文,都以写实为主,反映了他的忧患意识和平民情怀。傅山现存的八百多首诗中,最突出的也是关注现实人生、反映人民疾苦的篇什。明亡前,他就悲痛地呼喊:“世界疮痍久, 呻吟感兴偏”。诗人关心的是世间疮痍,民间疾苦。他愤激于自己作为一个文人的无能和无用:“男儿生无权,简阅深低头,文章费精神,仅与刺绣侔。”尽管如此,“不喜为诗人, 呻吟实由虞”,傅山主张诗文“生于气节”,强调作家应以气节名世,以是否有利于国家和民族利益为衡量标准。傅山文集中数量最多的是笔记、杂记、书信之类的杂文,都具有很强的思想性、现实性。

以性灵为主宰,以常言写至情是傅山诗文的主要艺术特点。傅山对诗歌艺术总的要求是“不事炉锤,纯任天机”,强调以“情”为诗文。 在傅山看来,“文者,情之动也;情者,文之机也。文乃性情之华。情动于中而发于外,以故情深而文精,气盛而化神,才挚而气盈,气取胜而才见奇。”傅山的散文也是情动于中,言发于外,无依无傍,自成一家。最有代表性的是他那14首著名的哭子诗,写给死去的儿子傅眉,篇篇撼人心魄,字字令人流泪。这样以常言写至情的诗还有乐府诗等。古澧《跋傅老先生诗》云:“老先生诗笃友爱,厚人伦,缠绵肫恳,足征至性。”张廷铿认为,“先生之文刊去纷华,大美内韫,其境无以复加。”方闻云:“先生尤长于叙事,颇有杜工部风味,亦即刻画维肖。”《霜红龛集钞记》云:“先生诗少年清俊,后趋深奥,晚近恬淡、质朴、自然。”这些评语都是中肯恰当的。

傅山写作不拘成法,风格多样。他致力于诗歌、辞赋、医学、书法、绘画、金石、音韵之中,逐渐形成任性直率,豪放沉郁、古奥老拙,慷慨苍凉,奇思逸趣的独特的艺术风格。《清史稿•傅山传》称:“先生诗文初学韩昌黎,倔强自喜,后信笔书写,排调俗语,皆入笔端。”在创作上,傅山喜欢将大量的方言俗语引入诗文,丰富文学的表现形式。同时又喜欢运用生僻难字,形成某种奇古谲诡、不同流俗的况味。其中风云变幻、虚灵寂静的精神气质,让人很容易产生一种“萧然物外、自得天机”的品评感受。

傅山一生著述颇丰,现存《霜红龛集》是保存傅山诗文一个比较完整的本子。其中存诗十一卷,计有八百多首。清代傅山著作的搜集研究者记载:傅山一生足迹半天下,诗文随写随掷,家无藏稿,亦无定稿;加之兵荒马乱,散失更甚,后人张直甫、张思孝等曾广为搜求,充其量不过十之六七。近年来傅山著作还在不断发现,他的诗文也需要进一步搜集。

1傅山作品,临王羲之明府帖轴

2傅山作品,草书临柳公权《圣慈帖》轴

3傅山作品,行书李白《秋登宣城谢脁北楼》诗轴

书法

傅山的法书独步于明清之际,精通诸体书法,人谓“草楷篆隶俱造绝顶”,向来为书法研究者和爱好者奉为圭臬。与傅山同时代的书法大家黄道周对他的评价甚高:“晋唐后首推公佗,次李燧臣,次王觉斯”。《桐荫论画》也赞其:“胸中自有浩荡之思,腕下乃发奇逸之趣。益浸淫于卷轴者深也”。傅山尤以大草成就为最著,笔势飞动,肆意挥洒,如磐根老藤,圆转似游龙,雄奇宕逸。对于二王一系的帖学书法,用功颇深,是清初中国书法由帖学转进为碑学的关键时期的变革者、实践家。在师法二王作品中如《临王羲之〈伏想清和帖〉》、《草书临王羲之〈诸从帖〉》、《草书临王献之〈安和帖〉》、《草书临王羲之〈明府帖〉》等,均表现出傅山对二王的熟稔和偏爱。在临摹二王法帖之外,傅山由文字学参碑碣金石,精研篆隶,曾提到篆隶在书法中的重要性:“不知篆籀从来,而讲字学书法,皆寐也。” 他时常运篆书之意于各体,开杂体之风。真书小字则出入钟繇、二王门径,大楷喜师颜字,笔意生拙,体态宽绰。他主张正本溯源,直追先秦汉魏古风,针砭时弊,指点迷津,成为碑学兴起的关键人物。傅山在晚年书风以“二王”为依托更加挥洒淋漓,圆熟地达到变化万端、无穷无尽的化境,调和碑学的“阳刚之美”及帖学的柔美,开创了一代新的强烈的书风书体形式,是书坛的一个重要里程碑和转折点。理论上提出的著名的“四宁四毋”的书学主张,即“宁拙毋巧,宁丑毋媚,宁支难毋轻滑,宁直率毋安排”。集中体现了傅山先生的自然美思想,同时,也是傅山做人的准则,是精神、人格的凝炼。

4傅山《户外一峰图》

5傅山《乔木硕果图》

6傅山《雨中画鸭图》

绘画

俞剑华先生所著的《中国绘画史》认为明末清初之际遗民画家特性:“奇节异行之士,痛祖国之沦亡,哀民族之宰割,而又无力反抗,其牢骚抑郁不平之气……遂一寄于画。”傅山也不例外,清初画史上有四僧一道之说,“四僧”即渐江、髡残、八大、石涛四位方外画僧,“一道”指的就是朱衣道人傅山。

对于青主绘画遗墨,历代品评甚高。《半塘闲笔》曾将其画与八大山人同论,认为高出一般画家藩篱。王士祯的《池北偶谈》将傅山之画列入“逸品”。

傅山最初如何习画,师承何人,今已不得其详。但傅山对书画方面的天赋和造诣早年就显现出来,在他二十六岁时曾被收藏家黄双凤请为所藏宋元书画鉴赏。另载傅山曾与回族画家梁檀相交笃甚,时常前往请教,并撰有传记。从现存梁檀书画看,傅山与其有一定的渊源关系。傅山绘画作品现存不多,皆以山水、松石、花卉、禽鸟等见长,属文人逸格一派,且风格多样,博采众长,或取径院体,或法元人写意,或赋彩整密,或醉墨淋漓……,不落古人窠臼,主在性情及认知的表达,以气骨胜,《画征录》载有:“傅青主画山水,皴擦不多,丘壑磊珂,以骨胜,墨竹也有气”。从傅山《题自画老柏》诗可知挥毫泼墨概发于意者:“老心无所住,丹青莽萧瑟……掷笔荡空胸,怒者不可见。笑观身外物,消遣又几日。”

傅山画作皆由其思想、心性、学问修为及感悟而生发呈现,与宋以来文人雅士的闲适之情截然不同,亦非皇家贵胄的华丽气象,而更多倾向自身个性的抒发和对现实困境的抗争。豪迈而奔放,遗貌取神,笔墨简率,布局奇崛,粗犷而野逸,激愤之气溢于楮素,对后世文人野逸画风影响极为深远。

金石与考据

金石学,是“研究中国历代金石之名义,形式,制度,沿革;及其所刻文字图像之体例,作风;上自经史考订,文章义例,下至艺术鉴赏之学也”。金石学萌芽于汉代,至宋时私家和官方收藏古器之风渐兴,许多文士常常雅集而切磋金石,考证时代及其文字,金石学逐渐成为了一门独立的学问。元、明两代渐衰。清代以来,金石学发展迅猛,利用古代金石文字的原始资料来考订文献记载或失载的历史事件成为考据学不可或缺的部分。

在清初的金石研究活动中,考据学鼻祖顾炎武年轻时曾北上,与陕晋学者、金石收藏家多有交流,并以其为中心形成了一个金石与书法交流的社会文人圈子,其中包括阎若璩、朱彝尊、曹溶、李因笃、王弘撰等一批学者、书法家和收藏家,傅山也在其中。他们对金石碑版有着浓厚的兴趣,时常一起聚会,交流学术、鉴赏碑拓。他们之间交往甚密,在学术上进行切磋,共同推动了金石学的发展,阎若璩在其《潜邱札记》中就记述了他与傅山研讨金石学的场景,“傅山先生长于金石遗文之学,每与余语,穷以继夜,不少衰止”。

傅山是清初研究金石学的重要学者之一,从《傅山全书》收录的一些札记来看,傅山经常征引的字书和韵书有《说文解字》、《汗简•古文四声韵》、《尔雅》、《方言》、《释名》、《玉篇》、《广雅》、《干禄字书》、《一切经音义》、《广韵》、《集韵》、《隶释》、《篇海》、《韵会举要小补》、《洪武正韵》等。傅山在考订《石鼓文》册页中比较了不同学者对《石鼓文》的隶定释文,以及傅山本人的考释。以《石鼓文》石刻本、《历代钟鼎彝器款识法帖》、《金石略》等书目为依据,还引用了《尔雅》、《玉篇》、《广韵》等字书、韵书。

从傅山繁多的征引书目来看,可以看出傅山在考据学上造诣颇深。考据学即清代所谓的汉学,又称朴学,其内容主要是从是文字音韵、名物训诂、校勘辑佚等方面从事于经书古义的考证,并由此推广到其他书籍。

傅山出身于书香世家,祖父傅霖,为明嘉靖壬戌科(1562年)进士,官至山东辽海道参议。父傅之谟,是明万历年间的贡生,博学能文,以教书为业。傅山家中古籍、书画、碑帖、鼎彝收藏甚富,善辨真伪,通读十三经及诸子百家典籍,多有著述,计有 《毛诗注疏》批注 、《仪礼注疏》批注 、《春秋左传注疏》批注、 《墨子》校注、《管子》批注、 《庄子翼》批注 、《荀子》批注 、《淮南子》评注等,傅山诗文等著作的残编断片在《霜红龛集》中多有收录。从《霜红龛集》以及现存手稿可以看出,傅山学术以系统研究、评注诸子百家之学为主。傅山注重考证,旁征博引,常以佛道印证和解释诸子,时有新义阐发。提倡“经子不分”,打破儒家正统之见,首开清代子学研究的风气。

7傅山着道袍像

武学

傅山生活在革故鼎新的明末清初时期,当时社会文化思想发生巨大变革,出身于书香门第的傅山,受到儒释道的思想熏陶,在个人人际交往、入道修行、参与反清复明的斗争中,奠定了其武学思想的形成。

一、源起反清复明,强调技击实用。

早期的傅山武学思想主要指从甲申之变到其放弃反清复明为止,这段时间傅山武学思想主要在对中原文化的坚守和爱国情怀的体现。面对异族入侵,当国破家亡后,民不聊生时,傅山报国无门,身为文人的他,只能以“文过饰武”来掩盖其“文修武备”的宏大志向。于是,傅山便游走在晋中一代,招兵买马、招贤纳士,建立秘密反清团体,进而在三晋大地举起反清复明的大旗。这个时期傅山武学思想中的“术”,主要在其所组织的拳社中,相信此时的傅山武术更加看重实际应用能力,并没有形成较为系统的武学技术及理论。于是,可以总结概括为:保国利民,驱除异族。

二、融合儒释道医,注重养生功效。

加入道教后,从反清复明大业的失败中,傅山原本以攻防技击为主的实用武术转向了修道养身的养生之术,即更加注重拳术与气功之类的健身运动,这种运动可以强身健骨,亦可以为甲胄兵戎。因此傅山闻鸡起舞,练功甚勤,不是为了长寿,而是为了用世。可见傅山虽然不信道家成仙之说,却十分重视养生之道,“内主外辅”。任何养生之术,都是健身之法,是为了活动经络和促进气血功能机制,其他都是次要的,说明其养生之术的目的在于强筋健骨。傅山气功养生法的观点,是建立在儒家和道家的元气理论的基础上的。他认为想要保生命之体,就必须注意养气。

三、拳剑功法歌诀,技术思想兼备。

从流传至今的关于傅山武学思想进行的调查考证,除了挖掘出的《傅拳图》,其中还包含丰富的拳谱内容,此外通过专家访谈,社会上广泛传播的傅山拳法、傅山子午太极拳和傅山子午太极剑都是取自于《傅山拳》著作,从现有的傅山武学表现形式来看并进行概括,拳、剑、功法、歌诀构成一体化的傅山武学体系。而以手足搏击为主的傅山拳法和器械搏斗为主的傅山剑法,再加上展现武学思想的功法和歌诀,使得傅山武学具有技术与思想兼备的特征,即傅山武学思想具有体系化和系统化的特点。

四、诗集霜红龛集,反映武学思想

傅山一生著作颇丰,阅历丰富,最能集中反映其武学思想的是其所写的诗集和堪称人生大作的《霜红龛集》。在其诗集和《霜红龛集》中,多数诗句和人生经历对其武学思想进行了影射,同时也是中国传统文化对其人生的浸润和个人爱国主义在人生历程的沉淀,让其在反清复明的斗争中和注重养生功效的实践中,武学思想逐步形成。

陈淳,1483年生,1544年逝世(另一种说法是1482—1539),长洲(今江苏苏州)人。字道复,后以字行,更字复甫,号白阳,又号白阳山人。

1陈淳 双清秀石

21544年作 山阴道中 立轴 纸本

陈淳少年作画以元人为法,深受水墨写意的影响。他的写生画,一花半叶,淡墨欹毫,自有疏斜历乱之致。他的有些作品,所画质朴,可以看出受沈周画法的影响, 从他现存作品中即可见风格和用笔,既能放得开,又能收得住。他能诗文,擅书法,尤精绘画。陈淳与徐渭并称白阳、青藤。陈氏少年作画工细,中年后笔法放纵,自立门户。陈淳从师文徵明,在其门下声誉最高。擅长写意花卉,其作品虽表现一花半叶,却淋漓疏爽,深受当时文人士大夫的赞赏;他是继沈周、唐寅之后对水墨写意花鸟画的发展作出了重要贡献的画家。

3陈淳中年以后间作山水,技法学米友仁、高克恭,多以江南风景为题材,手法简练,极具文人生活情趣,文徵明曾微笑着说:“吾道复举业师耳,渠书、画自有门径,非吾徒也。”存世作品有《红梨诗画图》、《山茶水仙图》、《葵石图》、《罨画图》等。其子陈括继承父风、擅花卉。

他绘山水,效法米友仁、高克恭,水墨淋漓,颇得氤氲之气。他的泼墨之功,往往见于画烟云之中。在写意花卉方面,陈淳独得玄门,笔法挥洒自如,富有疏朗轻健的风姿,用墨设色,则如徐沁所谓“浅色淡墨之痕俱化矣!”王世贞在《州续稿》中说:“胜国(元朝)以来,写花卉者无如吾吴郡,而吴郡自沈启南(周)后,无如陈道确,陆叔平(治)”。近代画家如蒲华、吴昌硕,齐白石等,在诗文题书画中,都对陈淳做出了极高的评价。明万历年间即有人曾评价过陈淳在花卉方面的造诣和声誉都超过了文征明,成为继沈周之后的吴门大家。明清以来画家,尤其在花鸟画方面,受他的影响很深。他与徐渭齐名,人称“青藤白阳”。现存的陈淳作品大部分均在博物馆收藏,民间甚少得见。

4 5明 陈淳 葵石图 纸本墨笔纵68.6厘米横34厘米 北京故宫博物院藏

本幅自题:“碧叶垂清露,金英侧晓风。道复。”无年款。此幅即为其中年水墨写意花卉画精作。图绘秋葵一枝,衬以飞白湖石和双勾嫩竹。侧锋勾勒的花瓣简率迅疾,瓣尖的翻转状态以阔笔勾出,尤见生动。几丛葵叶用淋漓的水墨挥洒,通过墨色的自然渗透,展现出叶色的深浅变化和叶形的锯齿状态,犹如天成。竹枝则用简劲的线条双勾,也见率意。这种画法也生动传达出了葵石内涵的质朴自然、清新雅逸的情致。

6红梨诗画图 明 陈淳 纸本墨笔 纵34.2厘米 横106.4厘米 北京故宫博物院藏

陈淳以水墨写意花卉著称,也擅长设色没骨法和勾花点叶法,然亦工写结合,更多简逸的写意成分。图绘折枝梨花,自上而下斜出。红色的梨花和墨青的叶子均不加轮廓勾勒,直接用色画出,色即形,形即色,简练而不失其真。徐沁《明画录》曾如是评析其水墨浅设色花卉画:“其写生,一花半叶淡墨欹毫,疏斜历乱之致,咄咄逼真,久之并浅色、淡墨之痕俱化矣。”

7 10 9 8明 陈淳 花卉图卷 纸本墨笔 32.5×503厘米 天津博物馆藏

此图构图奇特,信笔挥洒,似不经意;藤条错落低垂,枝叶纷披,以豪放泼辣的水墨技巧造成动人的气势和葡萄晶莹欲滴的效果。画上题诗为:’半生落魄已成翁,独立书斋啸晚风,笔底明珠无处卖,闲抛闲掷野藤中。’其书为行草,字势欹斜跌宕,令人联想其画家的不平经历。自宋元以来,写意花鸟画就有一定的发展,但真正能够发挥中国画笔墨纸张特殊效果而创立了水墨大写意画法的,应该归功于徐渭。

11陈淳 秋江清光图 南京博物院藏

此图紧扣“秋江”二字,撷取枯荷、芙蓉、芦苇等具有季节特征的折枝花草为主要题材,辅以翠鸟、家鸭,写出一派秋天的气象。荷叶用藤黄带墨点拓,表现枯的质感;芙蓉用花青点叶,淡墨写枝,花用淡墨双钩填以淡红;鸭子用破笔皴擦,毛羽蓬松。笔法秀劲,色调清淡,构图疏朗,深得秋天的神韵。陈淳 画牡丹 台北故宫博物院藏

本幅作于明世宗嘉靖二十三年(1544),幅中画设色牡丹一枝甚清雅,用没骨法,笔意活泼而不失稳静,具写意意趣。可惜颜料日久褪色,故觉稍淡,然而无损其精研。款字行书沉酣飞动,是晚年得意之作,书画同幅,璧合珠联,尤为可宝。12

1为什么说书法学习要耐住寂寞?

书法是一种文化,靠的是深厚文化底蕴去吸引人们视线,打动人们心灵,任何人为炒作都会事与愿违。

书法,如果静不心来刻苦临帖,只是忙于展览,忙于发表,忙于应酬,而品质数年一贯制,本想早日成名,结果弄巧成拙。任何艺术家,当然包括书法家,都要坐得起冷板凳,十年二十年在所不惜。假如为利益驱动,不在临帖上下功夫,而在宣传上打主意;不在理论上下功夫,而在关系上打主意。到头来,只能成为“社会活动家”,而不是书法家。钢铁是练出来的,美酒是酿出来的,书法是写出来的。 耐住寂寞写自己的字吧,研究一辈子书法,假如历史能够宽容大度地给你留下一幅字,甚至一个字,就胜过一百次展览,对已对人都很负责,今生足矣!

2求怪,是不甘寂寞的常见表现

当今书坛,各种思潮、各种现象,各种希奇的流派,各种莫名的称谓,光怪陆离。在这种种“现象”面前,我们要保持清醒头脑,经得住诱惑,让自己的书法始终植根于传统,取法于经典。

现在书法界确实存在一种反常现象,假如你写一手传统的“颜柳欧赵”,也许真的获不了奖,参不了展,我觉得参展和获奖都不重要,我们学习书法不是为参展、获奖而学,一切有志于书法学习的战友,一定不要为了获奖、参展去扭曲自己的审美理想,审美趣味,跟着流行书体左右摇摆。“颜柳欧赵”等等这类传统的书法永远不会过时,学习这类经典书法永远不会错。把中国传统这棵千年大树连根拔起去新栽一棵是得不偿失的事。 我们提倡书法的儒雅书风,提倡书法的“中和之美”。历览古今书坛,古有王羲之、米芾父子,今有启功、林散之、沙孟海等等,个个都是儒雅之人,儒雅之字。

同时,我们也不反对百花齐放,百家登台,各种流派,共存共荣,异彩纷呈。但无论那一种流派,那一种创造,都必然出于真功夫,“功”从何来?传统为师,“勤”字当先!所谓“功到自然成”。努力吧,朋友们,用你们的勤劳和聪明写一手大众喜欢又高雅的漂亮书法吧。

按耐浮躁,积淀人品,成就书法

1976年2月,沙老说:“书为心画,心灵不美怎么能写出美的字来?”西汉学者杨雄说:“书为心画”。柳公权有闻名的“心正则笔正”之说。明末清初书法大家傅山也说,作字先作人,假如人格不高,字格就媚俗。杨守敬说:书法家“一要品高,品高则下笔妍雅,不落尘俗;一要学富,胸罗万有,书卷之气自然溢于行间。古之大家,莫不备此,断未有胸无点墨,而能超轶等伦者也”。朱和羹在他的《临池心解》一书中说:“书学不过一技耳,然立品是第一关头。品高者,一点一画,自有清刚雅正之气,品下者,虽激昂顿挫,俨然可观,而纵横刚暴,未免流露楮外”我们翻开中国书法史册,别的暂且不论,仅就宋代四大家来说,无论是苏(轼)字的天真安闲,还是黄(庭坚)字的纵横奇崛,无论是米字(芾)的迭宕多姿,还是蔡字(襄)的温厚敦实都与他们的人品和性格有着惊人的巧合,于是后人并有了“字如其人”之说。这些说法都为当今众多艺术家所接受。书法作为书法作者从心灵流淌出的琼浆玉液,他必须有一个美的心境,美的“场”。灿烂千余年的天下第一行书《兰亭序》,当年王羲之假如不是在天朗气清、惠风和畅的美丽环境和文人雅集、曲水和觞的和谐心境,而是在血雨腥风的战场,就不可能写出那样精妙绝伦、流传千古的佳构。征之以书法史,古代大书法家王羲之、颜真卿、苏轼等等,有英雄、有忠烈、有贤臣,人品书品俱高者比比皆是。

书法是情感的宠儿,需耐心培育

书法创作,不仅仅写古人法帖中我们所能见到的世界,而是写我们心灵中所感受到的世界。毕加索有句名言“我不是画猫的本身,我画它的微笑”。猫的本身多么单调乏味,猫的微笑却是可以画出的千变万化的艺术感受。写心灵的情感,在中国并不生疏,所谓“胸有成竹”、“心中要有千山万壑”。“胸中之竹”和“心中的千山万壑”都是心灵之物,都是情感之物。古代的西方艺术家大都注重写实,在“形”上做文章,很难成就大业。到了二十世纪这一百年,西方艺术家为什么创造了那么的重要流派,产生了那么多的艺术大师,一个重要原因就是他们追求到了表现心灵的感受,展示情感的世界,而不是一味地强调形似、强调客观世界的再现,而是重在表现艺术家内心的主观世界。

书法作品是书法家心灵的构置件。书法意境的创造带有书法家浓重的感情色彩。只有在作品中倾注感情,点画线条才有生命力,才能流美传神,才能驾起作者与欣赏者之间的感情桥梁。 书法创作有时能让我发狂。拿起毛笔,一个个字,飞恕般地以各种形态飘散在我的脑际。有时像不明飞行物一样,呼啸而来,闪着奇异的光线,变幻着各种形态,让你有一丝惧怕,满腔惊喜。意境是书法的灵魂,感情是意境的灵魂。只有用吟诗作词、放声高歌的昂扬激情,让情感掀起波涛,撞击心灵,涌向笔端,才能创作出外形润美,内寓刚劲、意境超逸的作品,绵延数千年的中国书法,正因为情随人异,情随地异,书法才有了千种风流,万般意境。书苑才出现了波诡云谲,变化莫测的笔墨品类和千古流芳的翰墨丰碑。

1 2 3 4 5 6释文:君不见诗人借车无可载,留得一钱何足赖。晚年更似杜陵翁,右臂虽存耳先聩。人将蚁动作牛斗,我觉风雷真一噫。闻尘扫尽根性空,不须更枕清流派。大朴初散失浑沌,六凿相攘更胜败。眼花乱坠酒生风,口业不停诗有债。君知五蕴皆是贼,人生一病今先差。但恐此心终未了,不见不闻还是碍。今君疑我特佯聋,故作嘲诗穷险怪。须防额痒出三耳,莫放笔端风雨快。次韵秦太虚见戏耳聋。

相信很多书法爱好者最常遇见的头疼之事,便是被人以毫无根由的方式指指点点。似乎是做错了什么一样,这里长一点,这里短一点,这里距离不等匀,这里不对称。

1麻鸭,这是看字儿,还是领导训话?

相信这个时候多半被指点者,要么默不作声,要么频频点头,心里骂上一句:你懂个屁!因为通常情况下对于这样评论的反驳无异于夏虫语冰。

究竟为什么在中国会又如此庞大的“评论团”呢?

究其原因不得不从书法的实用性来讲。

在古代,每个稍微有点文化的人都会拿毛笔写字、寄信、或者记录一些什么。

那时候书法更准确的叫“毛笔字”

毛笔字的使用频率就像日常生活中拿筷子吃饭一样自然。就像会说普通话一样自然。

那什么是书法呢?

书法就像是用普通话做一首诗,或者写一篇文章一样。既要表达清楚,又要有自己的真实情感在里面。

那时候,人们不过分在意你的普通话朗诵是湖南口音还是天津口音,人们在意的是文辞的内容、含义和情感。

换成书法来看,古人早就说了“神采为上,形质次之”换成今天的话来讲:主要看气质

可为什么在当时人们都能理解的事情,到现在偏偏成了一个另所有书法人面对“书盲”无比头疼的事情呢?

原因很简单,因为我们用的都是汉字。

也就是说,所有人都了解汉字,即便所了解的是电脑拼出来的宋体字。

那么这就很简单了,拿着所谓总结出来的结字规律,在这个人的字上对照一下“咦~这个和规律不同”“咦~这里还有些不像”

如果你真的相信了这些“善意”的建议,那么很高兴通知你,你很快将被“和谐”掉。

为什么呢?

如果抽象出一个完美的人脸出来,拿着这个“模子”去找相似的人,一定会觉得这个人眼睛有毛病,那个人鼻子有问题。

讲到这里,小编禁不住想粗口,喷一句:

书法的确是从实用中来,然而称之为“书法”的时候,其创作性,其背后所承载的个人世界观、价值观、情感审美才是最重要的,就如同湖南口音版的开国大典和天津口音版的快板相声虽然不完全是普通话口音,但依旧不影响其精彩是一样的。

吹毛求疵般就某些结构指指点点,究竟是炫耀自己呢?还是炫耀自己呢?随便列举几个书法家的实用字与创作吧!2

何绍基小楷30岁左右

何绍基晚年行草书

林散之20左右写的小楷

林散之晚年作品

看到这里,肯定会有人说:他们正是因为有这样深厚的传统功力,才能创作出这样的作品。

对此小编只能说,你只懂丑书的丑,却并未理解“美书”的美。因为如果仅仅将结构作为定义美和丑的标准,是单一的,要么是因为自己的眼光局限,要么是彰显自己驾驭结构的能力。

只能对这样的评论者赤裸裸的回复一句:你穷的只知道结构了。

如果看到本文依旧还是有人对你的书法以结构论长短,那么只有一招了:

欣赏字画装逼指南:一定要从神采、内涵,格调等方面去审视和评论,这样即便说的不对逼格也不会让人觉得太低哦!

1临摹是习画基础。临,是照着原作写或画;摹,是用薄纸(绢)蒙在原作上面写或画。临摹画,有的直接摹原迹,有的出于背临,有的依据钩摹本再临,又有火前火后之别,画家或临或摹,忠实程度不一。中国画讲求师承。张彦远认为历代画家“各有师资,递相仿效”,可见临摹是对历代经典之作的传承和发展。现存于世的顾恺之的《洛神赋图》、《女史箴图》、周昉《簪花仕女图》、《挥扇仕女》和张萱《捣练图》均是宋人摹本,逼真的摹写往往比创作更有意义。对于画家来讲,摹易临难,不管是临还是摹,从“形似”过渡到“神似”是临摹的第一目标。

作为美术生,千万不要小瞧了临摹的作用,不只是起步阶段需要临摹,也不只是艺考考前教育需要临摹。甚至有不少美院教授们,职业画家每年都会自费到欧洲的美术馆,去临摹大师的原作,期望通过于近距离临摹原作,领略原作的艺术手法,和艺术内涵来帮助他们有较高的提升。

有的学生通过临摹会获取到很多,有的学生确临摹没有得到作品的真谛,甚至一度讨厌临摹。这就有问题了,至少说明你的方法不对。假如你也掌握了较好的临摹方法,应该也会从临摹中受益匪浅的。

从古至今,有很多大师通过临摹,而获得成功。

张大千仿作超越真迹  徐悲鸿赞“五百年来一大千”

张大千是二十世纪中国画坛最具传奇色彩的国画大师,无论是绘画、书法、篆刻、诗词都无所不通。早期专心研习古人书画,特别在山水画方面卓有成就。后旅居海外,画风工写结合,重彩、水墨融为一体,尤其是泼墨与泼彩,开创了新的艺术风格。

2临仇英沧浪渔笛 1947 张大千

张大千很大程度上得力于他传统功底是否深厚。张大千的传统功力,可谓前无古人,后无来者。他曾用大量的时间和心血临摹古人名作,特别是他临仿石涛和八大的作品更是惟妙惟肖,几近乱真,也由此迈出了他绘画的第一步。他从清代石涛起笔,到八大,陈洪绶、徐渭等,进而广涉明清诸大家,再到宋元,最后上溯到隋唐。他把历代有代表性的画家一一挑出,由近到远,潜心研究。然而他对这些并不满足,又向石窟艺术和民间艺术学习,尤其是敦煌面壁三年,临摹了历代壁画,成就辉煌。这些壁画以时间跨度论,历经北魏、西魏、隋、唐、五代等朝代。

3临赵孟頫秋林载酒 1947年 张大千

历史上许多人临摹的画一般只能临其貌,并未能深入其境;而张大千的伪古直达神似乱真。为了考验自己的伪古作品能否达到乱真的程度,他请黄宾虹、张葱玉、罗振玉、吴湖帆、溥儒、陈半丁、叶恭绰等鉴赏名家及世界各国著名博物馆专家们的鉴定,并留下了许许多多趣闻轶事。张大千许多伪作的艺术价值及在中国美术史上的地位较之古代名家的真晶已有过之而无不及。现世界上许多博物馆都藏有他的伪作,如华盛顿佛利尔美术馆收藏有他的《来人吴中三隐》,纽约大都会博物馆收藏有他的《石涛山水》和《梅清山水》,伦敦大英博物馆收藏有他的《巨然茂林叠嶂图》等等。师古人与师造化历来是画家所遵循的金玉良言。

4董元《溪岸图》

张大千造的唐宋时期假画,在今天依旧让鉴定家们头痛不已。从来没有一幅中国古代绘画作品,像董元(亦作“董源”)的《溪岸图》那样,会引发一场长达15年的艺术界国际性大辩论。十几年前,围绕董元《溪岸图》是真迹还是张大千伪作,曾引起一场国际的大辩论。

明代画家仇英,也是一个摹仿高手进而成为大师级画家的代表人物

仇英,苏州人,这地出了无数大师级的画家,是苏州地区摹古画一行的高手,后人仿他画作都成风气。从明代到民国,苏州、扬州一带的画匠很多都靠摹古画吃饭。

5仇英 临萧照高宗中兴瑞应图

仇英是摹仿高手。他功力精湛,以临仿唐宋名家稿本为多,如《临宋人画册》和《临萧照高宗中兴瑞应图》,前册若与原作对照,几乎难辩真假。画法主要师承赵伯驹和南宋“院体”画,青绿山水 和人物故事画,形象精确,工细雅秀,色彩鲜艳,含蓄蕴藉,色调淡雅清丽,融入了文人画所崇尚的主题和笔墨情趣 ,因摹仿而成一品牌。

尽管仇英摹画带动一方手艺人的致富生活,险些成为画画工匠。但仇英是明代代表性画家是无疑的。史家将他与沈周,文征明和唐寅被并称为“明四家”、“吴门四家” ,亦称“天门四杰”。

如果用发现的眼光,来看仇英的人物画,尤其是仕女画,你不得不惊叹;其笔力刚健,发翠豪金,综丹缕素,精丽绝逸,勇超前人。尤善于用粗细不同的笔法表现不同的对象,或圆转流畅,或顿挫劲利,既长设色,又善白描。

仇英的山水画多学赵伯驹、刘松年,发展南宋李唐、刘松年、马远、夏圭的“院体画”传统,综合融会前代各家之长,即保持工整精艳的古典传统,又融入了文雅清新的趣味,形成工而不板、研而不甜的新典范,重要的是他没有变成一种界画,一种俗画,这是不得了的事。他不仅能画这种与“界画”争胜的美画,还能画另一种山水画,格局从李唐风格变化而来,有界画似的楼阁,细密的无以复加。画面上林图,人物、鸟兽、山林、台观、旗辇、军容,应有尽有。可渭绘事之绝境,艺林之胜事。

张丑在《清河书画舫》中对其评价说:仇英画“山石师王维,林木师李成,人物师吴元瑜,设色师赵伯驹,资诸家之长而浑合之,种种臻妙”。明代董其昌题其《仙弈图》谓:“仇实父是赵伯驹后身,即文、沈亦未尽其法。”

6明 仇英 天籁阁摹宋人画册之一 上海博物馆藏

7《汉宫春晓图》

绢本设色 37.2cm×2038.5cm。现藏台北故宫博物院

中国十大传世名画之一。中国重彩仕女第一长卷。绢本重彩,尺幅很大,作为装饰性绘画来说属于巨制。汉宫春晓是中国人物画的传统题材,主要描绘宫中缤妃生活。

8明 仇英孝经图卷 文徵明楷书 30.1×679.8公分 绢质 浅设色

仇英临摹宋王端「孝经图」,而画成此卷。约一两年后,即丙午(一五四六)年,文徵明应收藏者之请,在画卷上书写楷书「孝经」,成为书画合璧之作。

9明 仇英 园居图王宠题 台北故宫博物院藏

10明 仇英 东林图(局部) 台北故宫博物院藏

11《浔阳送别图》

纳尔逊-艾金斯艺术博物馆藏

此画以唐代杰出诗人白居中易《琶琶行》为题材,是我国古代青绿山水画的杰出作品和装饰作品。

12《四季仕女图》

长卷,绢木,水墨,纵:29.6厘米,横:300.9厘米。日本大和文华馆藏

真正有用的临摹方法:

一、临摹的目的要明确

临摹就像补营养,缺少维生素A,就要A。缺少维生素B,就去补B。千万不能缺少A,却去补B。临摹也一样,只有结合自己的实际需要,和写生结合起来,针对自己的薄弱环节,针对不同的知识点,有选择性的临摹,才能事半功倍。

例如:

你最近画头像,总是处理不好明暗交界线,那么你就要选择一幅明暗交界线处理比较好的画来临。研究对方是如何处理明暗交界线的,为什么这样处理?将结构的来龙去脉和体面朝向、和形体的方圆变化、和虚实关系结合起来分析,边理解边临,这样的临摹才会有成效。通过临摹这张画,你加深了对明暗交界线的认识,就是很大的收获。记住,你每次临一张画,之前都要明确为么要临,是为了解决什么问题。

二、临摹要有针对性,临摹的知识点越具体越好

希望通过临一张画解决所有的问题是不现实的。所以,我通常都是挤时间,利用课下的十分钟或午饭后的一小时,临一个眼睛,或临一个鼻子,反复的研究,直到将困惑打开,将问题解决为止。如果今天一天将眼睛的知识点解决了,就是很大的收获。我建议你:学习不要好高骛远,每天扎扎实实地解决一个小问题或者小局部,就是很了不起的进步。

三、临摹贵在学以致用

如果临摹完之后,毫无所得,那就是你的临摹出现了问题。我通常在临摹完一张画之后,会“刻意”的去运用自己刚学到的知识规律,在写生中实践。反复尝试,不断改进,直到变成自己的东西。

竹林七贤是指魏末晋初的七位名士,成名年代较“建安七子”晚一些。包括:魏正始年间(240-249)嵇康、阮籍、山涛、向秀、刘伶、王戎及阮咸。7人常聚在当时的山阳县(今河南修武一带)竹林之下,肆意酣畅,故世谓竹林七贤。

7人的政治思想和生活态度不同于建安七子,他们大都“弃经典而尚老庄,蔑礼法而崇放达”。

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1、明 仇英 竹林七贤图

1明 仇英 竹林七贤图(高清放大局部)

2 3在文章创作上,以阮籍、嵇康为代表。阮籍的《咏怀》诗82首,多以比兴、寄托、象征等手法,隐晦曲折地揭露最高统治集团的罪恶,讽刺虚伪的礼法之士,表现了诗人在政治恐怖下的苦闷情绪。嵇康的《与山巨源绝交书》,以老庄崇尚自然的论点,说明自己的本性不堪出仕,公开表明了自己不与司马氏合作的政治态度,文章颇负盛名。其他如阮籍的《大人先生传》,刘伶的《酒德颂》,向秀的《思旧赋》等,也是可读的作品。《隋书·经籍志》著录山涛有集5卷,已佚七人是当时玄学的代表人物,虽然他们的思想倾向略有不同。嵇康﹑阮籍﹑刘伶﹑阮咸始终主张老庄之学﹐“越名教而任自然”,山涛﹑王戎则好老庄而杂以儒术﹐向秀则主张名教与自然合一。他们在生活上不拘礼法,清静无为,聚众在竹林喝酒,纵歌。作品揭露和讽刺司马朝廷的虚伪。

在政治态度上的分歧比较明显。嵇康﹑阮籍﹑刘伶等仕魏而对执掌大权﹑已成取代之势的司马氏集团持不合作态度。向秀在嵇康被害后被迫出仕。阮咸入晋曾为散骑侍郎﹐但不为司马炎所重。山涛起先“隐身自晦”﹐但40岁后出仕﹐投靠司马师﹐历任尚书吏部郎﹑侍中﹑司徒等﹐成为司马氏政权的高官。王戎为人鄙吝﹐功名心最盛﹐入晋后长期为侍中﹑吏部尚书﹑司徒等﹐历仕晋武帝﹑晋惠帝两朝﹐至八王乱起﹐仍优游暇豫﹐不失其位。竹林七贤的不合作态度为司马朝廷所不容,最后分崩离析:阮籍、刘伶、嵇康对司马朝廷不合作,嵇康被杀害。王戎、山涛则投靠司马朝廷,竹林七贤最后各散西东。

竹林七贤与荣启期

4《竹林七贤与荣启期》模印砖画由200多块古墓砖组成,分为两幅,嵇康、阮籍、山涛、王戎4 人占一幅,向秀、刘伶、阮咸、荣启期4 人占一幅。人物之间以银杏、松槐、垂柳相隔。8人均席地而坐,但各呈现出一种最能体现个性的姿态, 士族知识分子自由清高的理想人格在这块画像砖上得到了充分地表现。

我们来结合“竹林七贤”和荣启期的个性特征来看砖画中的人物。嵇康为“七贤”之首,是一个豁达而有文采的人物。据文献记载,稽康“博综伎艺,于丝竹特妙”,且常“弹琴咏诗,自足于怀”。砖画中的稽康正在抚琴,微微扬头举眉,有“手挥五弦,目送归鸿”的神情,给人一种旁若无人之感。阮籍是一个不拘小节的人,喜好饮酒,且“嗜酒能啸”,就像我们今天所说的把手指放在嘴里吹口哨一样。在“七贤”中,有“嵇琴阮啸”之说。这块砖画中的阮籍侧身用口作长啸之状,很显然一幅得意忘形的样子。《山涛传》中对山涛有“饮酒至八斗方醉”的记录,可见山涛也是一个酒鬼。在这幅砖画中,山涛手执一酒碗,典型一个嗜酒如命的文士。王戎为人直率,不修威仪。此砖画中的王戎手舞如意,并配以钱箱、赤腿,姿态懒散悠闲,自得其乐。

据文献记载,向秀“雅好老庄之学,庄周著内外数十篇……秀乃为之隐解,读之者超然心悟,莫不自足一时也”,可见他是一个十足的道学家。砖画中的向秀闭目倚树,似乎在对玄理深思。刘伶嗜酒如命,“止则操卮执觚,动则契盍提壶”,大杯小盅,来者不辞。砖画中的他手持耳杯斟酒,一副醉意朦胧之态。阮咸通音律,擅弹琵琶,当然,这里的“琵琶”与现在的琵琶不同,它是一种被称为“阮”的弹拨乐器,相传这种乐器就是由阮咸发明的,有人把这种乐器叫做月琴。画中阮咸挽袖拨阮,完全沉浸在音乐之中。

荣启期是春秋时代人,其思想与以嵇康为首的阮籍、山涛、王戎、向秀、刘伶、阮咸等“竹林七贤”有相同之处,所以也被一起加以推崇。除了绘画构图上对称的需要外,更有以荣启期为“七贤”之楷模的寓意。画中的荣启期,端坐向前,鼓琴而歌,似乎在向学生们讲学,神态威严,的确有点楷模形象。

2、唐 孙位 高逸图 《竹林七贤图》上海博物馆藏

5唐 孙位 高逸图 《竹林七贤图》(高清放大局部)

6 73、宋 佚名 《竹林七贤图》 波士顿艺术博物馆藏

4、明 陈洪绶 《竹林七贤图》

85、清 禹之鼎 《竹林七贤图》10 13 12 11 9

1至正十年(公元1350年)八月十五日,为了教授外甥华子文学习绘画,倪瓒创作出来一部以树木、竹、石头为主题的范本画谱,全谱图文并茂,语言非常简练精致,大多是在介绍范画的同时发现个人见解。

《倪瓒画谱》册(传),纸本水墨,23.6×14.2公分,台北故宫博物院藏。

2(一)柳条梓叶

二树势若戈戟,大者为将,小者为佐,将佐得宜,行伍整齐,画理自得矣。若专讲士气,非初学入门之道也。

3(二)大小树间竹

大树笔弱,欲其嫩也。小树笔老,欲其古也。大为正面,小为侧本,初学者不可不知。画树须间以竹,不必太工。但看晴树则配以晴竹,此竹上挺者是也。

4(三)新枝枯干雨竹

此为蟹爪,大者为老树新枝,小者为经霜枯干,竹叶下垂,乃雨后之景。写竹切不可求精,精则便有工气。余尝写竹树,而观者问余为何树,余为一笑,并图于后,不可法也。

5(四)树正面反面折竹

所谓疏者不厌其为疏,密者不厌其为密,浓者不厌其为浓,淡者不厌其为淡,始见天真。用笔遒劲,乃是得法。二树俱一面,一正一反,布置时自当夹杂,亦要随景斟酌,清雅自胜,春则墨叶浓而稠,夏则密而郁,秋则疏,冬则落。

6(五)松老嫩正反

松最易工致,最难士气,必须率略而成,少分老嫩正反,虽极省笔,而天真自得,逸趣自多。庸人多不取,大雅自不弃,勖之勖之。

7(六)半壁佐远山

丈山尺树,古人不易之论也。今人画树尺许,山不满尺,甚非画理。惟远山亦通,若近山则当写残山半壁,庶几相称,此半壁而以远山相佐者也。

8(七)两石各皴法

凡写石不可用钩法,钩则板,随手写去,似石而已。要古朴,须少皴;要秀丽,须多染。石脚可写小石为佐,随地坡广窄为之,用墨浓淡正反寓焉。石纹内用点苔,不可多皴。二石上秀下朴,取其长,弃其短,毋自执一皴法。古人专用斧劈、丁香、马齿等法,今人不能,乃云古法有俗工气,故专师李唐披麻法。学而不能,是为两失。余二石杂用古今,尔自体认。

9(八)披麻皴二石颗石

二石专用披麻,略涉古法,虽不尽善,仿而为之,正合时尚。后幅颗石大小,俱时尚,或点缀,或佐以野竹,随意为之。

10(九)两山

耕当问奴,织当问婢,常谈也,画理岂余所当言哉。余甥华子文有志学画,问理于余。余命往问王叔明,叔明乃文敏外孙,得诸外祖者必富也。子文必欲余言,且逼图谱,以至情不可辞,少图数幅与之。先写以树,树为画中之首耳。次写以石,石为画中之体耳。竹为画之馀,画竟而兴致未已,则写竹叶一二枝,亦足以助画景,景界既定,而树木萧疏,虽多写竹不妨也。若点缀直须看石皴阴暗处,稀稀轻点,若夏山秋树,密点不妨,但求有理有趣可也。树上藤萝,不必写藤,只用重点,即似有藤,一写藤便有俗工气也。如树梢垂萝,不是垂萝,余里中有梓树,至秋冬叶落后,惟存馀荚下垂,余喜之,故写梓树,每以笔下直数条,似萝倒挂耳。若要茅屋,任意于空隙处写一椽,不可多写,多则不见清逸耳。亭屋非竹,则小树为护,始见不孤。至正十年八月十五日,沧州叟写,并论。

11这九段文字,都是以所对应的画面范本为切入点,用精练的语言将学习绘画时对于树木、竹石形象塑造的技法以及所需要遵守的模式高度概括了起来。从这些论述中我们不难发现其中不乏科学的绘画观,如对于树叶与枝干的描画上,云林就提出了要“随景斟酌”,“春则墨叶浓而稠,夏则密而郁,秋则疏,冬则落”这样的观点,就是充分考虑到季节对树木形态的影响。

12乾隆推崇倪瓒的绘画,又受其画风影响,他曾言:“元四大家,独云林格韵尤超,世称逸品。在此画谱册末页,乾隆帝书有“庚午嘉平腊月,三希堂背临一过”字样,能达到背临的程度,可见乾隆对倪瓒作品的喜爱。下图就是乾隆皇帝御临倪瓒画谱的册页,可谓力追云林原稿,心手相应,用印考究,当是在其心境澄静,领悟透彻下的精心制作。

石开,1951年生于福建省福州市,原姓刘,别名吉舟,从事艺术职业后改姓石。青少年师从陈子奋、谢义耕、何敦仁等先生学习书法、篆刻、绘画、诗文。1998年迁居北京,为职业篆刻书法家,沧浪书社成员。历任福建省书法家协会副主席、中国书法家协会篆刻委员、中国书法进修学院教授。

几十年读书法理论,有古代的,也有当代的。但多数不上心,原因是写字大部分是技巧性的,属手艺;理论是主导心灵的,而心灵如果不先被文化滋养得胖大海似的,那枯燥的理论根本就润蚀不进去。反之,如果心灵已如灵犀一般通透,水晶玲珑样的,不进理论也罢。这样说,绝不是自己的心已似水果罐头样的水灵,只是理论虽能穿透心灵,却未必左右手感。书法既与文化是一回事,又不与文化完全一回事。直到年过半百,我才确切地明白:书法是纯粹个人化的艺术,它所欲表现的只是书写者的精神面貌,说大了或是生命状态而已,任何扩大其意义的想法和试验,不是将之异化,就是不得要领罢了。

如果你较好地掌握了书写的技巧,如果你的手感还行,你的正常书写其实就是你生命状态的“心电图”,所有有关你个人的气质、性格、修养、情绪等,基本都一览无遗。说得玄一点,其中也不无你人生命运以及寿相的信息。所谓“书如其人”的说法虽然老套,但却是实实在在的。假如仅此停留在这个层面,那书法与艺术是有些距离的。所谓艺术,是将美感与个性附加于正常书写,使这种书写既是个人精神面貌和生命状态的表达,又同时是技巧、意识、才华和想象的展示。如果这两者结合得恰当而完美,那你的艺术表现就如鱼得水、成熟有望、发达有望了。如果你艺术表现的手段方式不与你自身的生命状态相和谐,那么可以预见的必然是停滞和局迫。艺术手段及方式的选择异常重要,但这种简单的裁衣要量体的道理,却往往不被人重视。

因为书写技巧主要来之于传承,所以在书法界对传统就异常的迷恋。在学习阶段继承传统是必须的。传统作为概念来认识则比较简单,而具体到传统的某个派别某种技法,立刻就复杂起来,甚至相互冰炭不容也不奇怪。所以,真正的继承传统实际也只能触摸其冰山一角。我觉得对待传统的态度,可以尊重,可以崇拜,如果说继承,最好只在学习阶段继承。当进入创作阶段,传统是作为参照系存在的,与其虔诚地继承,不如深刻地理解。如果你有幸进入创作的高级阶段,传统又是供作标尺让你超越和打破的。真正的艺术家只尊重传统、理解传统,如果依赖传统、捍卫传统,肯定没有出息。

书法的许多理念,实则与汉民族普适的辩证思想相关。举共性与个性的关系为例:书法的整体传承以共性为法度,以中庸的法则鼓励个性的张扬,又纠偏个性的畸变。以传统为概念树共性之权威,而又肯定个性的无上价值。因此,所产生的优秀创作,永远是个性的天才与老成博大之间的整合。又因为共性代表常态,个性代表非常态,这样的整合就意味着智慧与灵光的共存,恒久与冲动的互补,从而使这门艺术生生不息。而这,正是书法与其它平面艺术非常不同之处。

书法的元素构件,就是结体与点画。结体又有大结体与小结体。大结体为字距与行距的章法,小结体为字形结构。结体之间的变化和差异,是构成作品风格不同的最主要因素。三千年汉字形体的演化与历代书法家的书体变化,看似已穷尽,但实际仍无止境。在张扬个性的时代,对结体的变形是理所当然的,而变形的幅度大小将取决于书写者对共性与个性关系的认知。当然,变形的强度无形中还受时代审美的制约。

此外,点画还担负着防伪的功能。因为书写者长年功力之所聚,提纯着点画的质量和难度,很难为他人所模仿。如果造诣精深,则更难被模仿。这正是构成书法艺术魅力和价值的主要支柱。

很多学习楷书的朋友对于书写的状态不够有信心,从而导致气息弱、用笔不到位的情况。以下这十五点建议如果能够梳理好对楷书学习的认识,是我们最期待的。

1、写楷书时发笔逆入时速度要快,如惊蛇之入草;逆入作点后调锋时宜慢一些,所谓”迟回不进,以成藏头护尾之势”。

2、笔与笔交换过渡时要快,所谓”过贵乎疾”;钩法要快,蹲锋得势而出,所谓”峻快以如锥”,快则力聚锋尖。

3、捺法宜抑扬顿挫,一波而三折,所谓”不徐不疾,欲卷复驻,得意徐乃出之”。

14、短撇要快,锐而且速,如鸟之啄物,所谓”仓皇而疾掩”。

5、挑法宜迟,仰笔锋,轻抬而进,所谓”贵乎迟留”。

6、长撇宜悠扬,贵险而劲,意欲婉转流畅,笔力送到而势有余韵。

27、楷书当以沉静为本,即用笔精到细腻,锋势备全,笔形到位,结字熨帖,有雍容自如之态,迹如前人所谓点画如刻入缣素,结构似天成铸就,增之不能,减之不得,故初学楷法,当缓笔以定其形势,切勿以字小而忙行笔势,亦勿以字大而慢展毫头,而是一种沉着的节奏-举止匆遽,易伤浅薄。

8、悬针宜徐,徐则意足而态有余妍。

9、垂露宜疾,疾则力劲而笔能复逆。

10、点贵乎重,其势如高峰之坠石。

11、至于长画中间之走笔当视其情况而定,或逆势涩进,而中截略细。毫内墨饱时用笔可略快,毫中墨少时用笔可略慢。

12、就虚实而言,按处皆实,提处皆虚,点画是实,就曲直而言,楷法妙在曲势中求直,不平中求平,或向或背,或向中有背,或背中有向,或上平而下高拱,如覆舟之状,有轻重徐疾,有疏密虚实,有曲直向背。久而久之,一一运用纯熟,用笔就会灵动起来,而墨色亦会在灵动的笔法中产生浓淡枯润的变化。

13、在书写楷书时最忌写一个字去蘸一次墨,这样永远不会有枯笔,有飞白,有干渴之笔。最理想的楷书用笔是画之当中浓,两边枯,不光而毛,涩中自有无穷之韵味;最理想的用墨是枯中见润,即在笔酣墨饱的情况下依靠速度和中锋、笔力和笔势拉出来的枯笔,有”干裂秋风,润含春雨”之状。一幅楷书墨色有变化,就会大大增强它的灵动性。

14、总之书写楷书没有绝对的快慢,就风格而言,有快节奏的楷书,所谓”作真如草”,故其作楷时肘下生风,有沉着痛快之状。不论迟速,肥瘦,都贵于控制在”度”的范围之内,过疾则笔即直过而意思浅薄,过迟则骨肉凝滞而笔力孱弱,太重则肥而露肉,太轻则瘦而露骨。

15、故作楷之法如闲庭之信步,有优游自得之状,缓以会心,疾以出奇,速以取劲,迟以取妍,能速而不速,谓之”赏会”,能速而速,谓之”入神”,赏会则含蓄蕴藉,入神则意外之笔流溢于纸上,此楷法用笔韵律之大略也。