黄宾虹是让人敬畏的,他坐得住冷板凳,在作品认可度较小的情况下依然坚持创作并探索新的画风,以艺术的态度做艺术最虔诚的追随者,不刻意追求创作方式的商业化,不刻意迎合社会风气的世俗化。黄宾虹老先生对艺术的执着让后生敬畏,虽然宾翁在世时并未因作品销售情况平平而有“郁郁不得志”之感,并预言道“我的画要五十年后才能为世所知”。但笔者认为他的作品会随着时间的流逝得到更多的市场认可度,重要艺术家的重要作品是市场中永恒的热点,以3亿4500万元成交的《黄山汤口》就是最好的佐证。这是对艺术的尊重,也是对虔诚的艺术创作者的尊重。

黄宾虹《黄山汤口》3亿4500万!

六年前仅4700多万元!

2017年6月19日中国嘉德“大观——中国书画珍品之夜·近现代”专场拍卖上,黄宾虹绝笔巨制《黄山汤口》在现场呈现一片胶着状态,最终以加佣金3.45亿元的价格成交,同时刷新了黄宾虹的个人作品拍卖纪录,在作品进入艺术品拍卖市场24年之后,黄宾虹终于突破亿元大关。据消息称,这件作品由山东雷丁新能源汽车集团竞得。之后不久,潘天寿现存四幅水牛巨制之一的《耕罢》以1.5894亿元成交,再次令现场达到一个高潮。作为《万山红遍》的姊妹篇,李可染作于1964年的《雄关漫道》以8797.5万元成交,远超估价。另外,徐悲鸿作于1944年的《跃进》成为本场惊喜的拍品之一,约5.7平尺的纸本作品仅以500到800万元估价上拍,最终以2357.5万元成交,超最低估价4倍之多。

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///竞拍现场

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///竞拍现场

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黄宾虹(1865-1955),初名懋质,字朴存,号滨虹,后改写宾虹,别号有予向、虹若、虹庐、虹叟、黄山山中人等。著名国画家。祖籍安徽歙县,出生于浙江金华。曾居上海三十年,主要在报社、书局任职,从事新闻与美术编辑工作;后转做教育工作,先后任上海各艺术学校的教授。1937年6月,应北平古物陈列所和北平艺术专科学校之聘,来北平鉴定书画和担任教授。1948年离平赴杭,任国画教授。1949年任中央美术学院华东分院(今浙江美术学院)教授。1953年,被授予人民艺术家称号,同年任中国艺术研究院美术研究所(当时称”中央美术学院民族美术研究所”)首任所长,为新中国的美术学学科奠定了学术基石。1955当选为华东美术家协会副主席、中国人民政治协商会议第2届全国委员会委员。黄宾虹擅长山水画,兼作花鸟画,并进行绘画史论和篆刻的研究、教学,以及中国美术遗产的发掘、整理、编纂、出版工作。50岁之前,致力于学习传统画法。50-70岁,深入名山大川,纵游大江南北,游山写景,旅行纪游画稿当以万计。70岁以后,形成独特风格。黄宾虹在山水画创作上,最大的成就是用墨,有“黑、密、厚、重”的显著特色。画山水之余,也画花鸟,别具风味,可谓“简、淡、拙、健”,三笔五笔不假雕琢,纯任自然。人谓其山水为“密体”,花鸟为“疏体”。黄宾虹在书画实践同时,注重教学和画论、画史的研究,以其丰富的艺术实践和渊博的学识,形成独特的艺术观和教学方法。其作品遍布全世界,英、美、瑞典、日本等国博物馆、美术馆均有收藏。其述著宏丰,与邓实合编《美术丛书》20巨册。著有《黄山画家源流考》、 《中国画学史大纲》、《古画微》、《虹庐画谈》、《画法要指》、《宾虹草堂藏印》、《宾虹诗抄》等。另有辑本《黄宾虹画语录》。

《黄山汤口》为黄宾虹92岁最后一件精品,画作饱含其对年少游历汤口这一旧日回忆的情怀与妙想,是其绘画生涯中的绝笔巨制。五笔七墨在此作中体现的淋漓尽致,是宾翁画论主张在纸上“用兵”的有力例证。《黄山汤口》为陈叔通旧藏,首次现身拍场。此作盖有“黄宾虹”“黄山山中人”“冰上鸿飞馆”等三枚印章,右上角有黄老亲笔题字“黄山汤口。三十六峰、天都莲花、前海胜景由汤口入。九十二叟宾虹。”

《黄山汤口》为陈叔通旧藏。陈叔通(1884年-1966年),名敬第,杭州人。清末进士,留学日本。曾任上海商务印书馆董事。晚年任中华人民共和国中央人民政府委员,全国人民代表大会常务委员会副委员长。生平酷爱梅花,室名百梅书屋。陈叔通为黄宾虹知交,1919年秋,曾介绍黄宾虹任商务印书馆美术部主任,此幅后入藏故宫博物院。潘深亮先生撰文《故宫博物院收藏的几件黄宾虹画作》(1998年《收藏家》发表),行文着意描述此件:“北京故宫博物院藏黄宾虹《黄山汤口图》,纸本,设色,纵171.5厘米、横96厘米。图画我国著名风景胜地黄山秀美风景。画面山势巍峨屹立,耸入云霄。山中林木葱郁,浑厚华滋,烟云出没,气象恢宏。山下房舍隐现,二人坐树下。图中山石先用遒劲圆润有顿挫的线条勾轮廓和脉络,后用浓淡、干湿墨繁皴密点,赭色相参。苍松老树,以古篆法写之,笔法古朴苍劲,刚柔相济。构图丰满,墨色光华焕发,韵味无穷。画面右上角自题黄山汤口,三十六峰天都、莲花、前海胜景,由汤口入。九十二叟宾虹。钤‘黄宾虹’、‘黄山老人’二印。此图乃先生晚年作品,然笔力雄健,全无老态。山溪树木一笔不苟,房屋人物刻画入微,令人惊叹。” 

《黄山汤口》五笔七墨具备,是黄宾虹画论主张在纸上“用兵”的有力例证,晚年绝笔,力道老辣。此幅博物馆级的抗鼎之作,出版著录无数,一时不能穷尽,各处专著论及其代表作,此件皆列于首。《黄山汤口》可谓是黄宾虹一生中的最伟大作品,笔墨之冠,艺术之巅,亦堪当中国近现代书画史中的明星,载入艺术史的经典之作。

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///黄宾虹  黄山汤口 立轴 设色纸本

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///黄山汤口 细节赏析

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///右上角题字 细节图

黄宾虹作品进入艺术品拍卖市场的二十多年间,其价格始终在不断上扬,从万元、百万元飙升至千万元,但始终未曾突破亿元。因此曾有人感言“黄宾虹目前的市场价格与其在美术史中的地位并不相符”的声音 ,市场人士普遍认为其价值一度被低估。虽然艺术品的市场价格并非其艺术价值的全面阐释,但往往有时代标志的艺术大家的作品都有一个相对的市场认可度。

黄宾虹作品在1993年就出现在了内陆的拍卖市场中,宾翁与其他艺术家集体完成的成扇在1993年上海朵云轩首届拍卖会上以2.79万元人民币成交。1994年其个人作品《水墨妙境山水图》在中国嘉德春季拍卖会以6.05万元成交,此作品为3平尺左右;同年其作品《绣壁万仞》在上海朵云轩拍卖会以38.5万元成交。1995年《巨幅山水》在中国嘉德秋拍中以264万元成交,此价在当时的中国艺术品拍卖市场也称得上是一个小高峰。2008年其作品《山川卧游卷》在上海朵云轩拍出了1288万元,首次突破千万元大关。2014年中国嘉德春季拍卖会中黄宾虹的《南高峰小景》以6267.5万元成交,此价格一直保持到《黄山汤口》刷新价格纪录之前。黄宾虹作品在进入艺术品拍卖市场后,大致经历了价格崛起期、价格突破期、价格瓶颈期以及现在的破亿元现象。这是艺术品拍卖市场不断完善的结果,也是其艺术价值被拍卖市场不断认可的结果。笔者以为在此之前,黄宾虹作品一直为突破6267.5万元的价格纪录,与市场上藏家惜售心理、精品力作多藏于各大博物馆也有较大关系。

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///黄宾虹   南高峰小景

3亿4500万元的成交价对于一些画家而言,已经是天价,但就黄宾虹在艺术界的地位而论,其作品价值远远超过了它本身的价格,笔者以为其市场价值还有一定的升值空间。

黄宾虹是让人敬畏的,他坐得住冷板凳,在作品认可度较小的情况下依然坚持创作并探索新的画风,以艺术的态度做艺术最虔诚的追随者,不刻意追求创作方式的商业化,不刻意迎合社会风气的世俗化。黄宾虹老先生对艺术的执着让后生敬畏,虽然宾翁在世时并未因作品销售情况平平而有“郁郁不得志”之感,并预言道“我的画要五十年后才能为世所知”。但笔者认为他的作品会随着时间的流逝得到更多的市场认可度,重要艺术家的重要作品是市场中永恒的热点,以3亿4500万元成交的《黄山汤口》就是最好的佐证。这是对艺术的尊重,也是对虔诚的艺术创作者的尊重。

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《黄山汤口》曾有5次著录,分别为《故宫博物院收藏的几件黄宾虹画作》潘深亮著, 收藏家杂志, 1998年06期;《辞海》,第1546页,上海辞书出版社,1999年版;《黄宾虹全集•第十卷•黄宾虹年谱》,第297页,山东美术出版社,浙江人民美术出版社,2006年版;《浙江省中国共产党志》,第759页,浙江人民出版社,2007年版;《中国绘画艺术》,第331页,时代文艺出版社,2007年版。

《黄山汤口》曾有17次出版:《高邮宣古愚歙县黄宾虹龙游余越园三家书画集》,1958年版;《黄宾虹》,第31页,上海人民美术出版社,1979年版;《黄宾虹画集》,图20,浙江人民美术出版社、上海人民美术出版社,1985年版;《黄宾虹画集》,图20,华正书局有限公司(台湾),1987年版;《中国名画鉴赏辞典》,第1085-1087页,上海辞书出版社,1993年版;《黄宾虹传艺录》,彩图1,安徽美术出版社,1995年版;《辞海(彩色插图本)》,第5567页,上海辞书出版社,1999年版;《画之大者—黄宾虹传》,第61页,浙江人民出版社,2003年版;《中国书画鉴藏通论》,第458页,人民美术出版社,2005年版;《中国名画鉴赏辞典》,第712页,上海辞书出版社,2006年版;《黄宾虹全集•第四卷》,第310-311页,山东美术出版社,浙江人民美术出版社,2006年版;《黄宾虹全集•第十卷》,第296页,山东美术出版社,浙江人民美术出版社,2006年版;《中国艺术大师—黄宾虹》,第7页,河北美术出版社,2009年版;《黄宾虹精品集•第二册》,第197-198页,印刷工业出版社,2012年版;《虹叟书画集•纪念黄宾虹诞辰一百五十周年》,第383页,浙江人民美术出版社,2014年版;《栖霞岭•纪念黄宾虹诞辰一百五十周年虹叟书画展专刊》,第53页,杭州黄宾虹学术研究会,2014年版;《竞秀藏云—懋源泓斋藏珍》,第58-59页,北京出版社,2015年版。

《黄山汤口》曾于2014年5月参与展览“纪念黄宾虹诞辰一百五十周年虹叟书画展”,杭州黄宾虹学术研究会。

黄宾虹一生最爱黄山,92岁画下黄山汤口送给一生的大恩人

黄宾虹是大气晚成的画家,也活得很久。直到1955年,他92岁,去世前三个月还在不停画画,且产出的都是精彩巨作。

即使在患白内障几乎失明日子里,他仍拿着放大镜,在纸上边摸索边画;眼睛恢复之后,天天在孤山写生、作画。一点不像个耄耋老人。

而他最后画下的山水大幅,是一幅《黄山汤口》。

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《黄山汤口》是黄宾虹送给一位叫做陈叔通的老友,杭州人。

陈叔通是上海商务印书馆董事、浙江兴业银行董事。1949年9月出席中国人民政治协商会议第一届全体会议;建国后又历任中央人民政府委员、全国人大常委会副委员长、政协全国委员会副主席、中华全国工商联合会第一、二、三届主任委员等职。

1921年的时候,黄宾虹就是由陈叔通推荐进入上海商务印书馆的,当时黄宾虹58岁,担任编译所美术部主任。

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解放之初,传统中国画正受到严重冲击,有一段时间内黄宾虹状况并不好,许多事也都是有陈叔通在其中帮忙,可以说,他是黄宾虹人生最后阶段中最重要的一个贵人。

1951年黄宾虹从艺专的平房搬到新式洋房后,又先后在省市政协都当选了委员,1953年中华全国美术工作协会杭州分会与中央美术学院联合隆重举行“黄宾虹先生九十寿辰庆祝会”,并由华东行政委员会文化局特授先生“中国人民优秀画家”奖状;同年,黄宾虹列席全国政协会议,1955年又当选了全国政协委员。

陈叔通当时很受器重,是政协副主席、工商联主任委员,分管中央文史馆。他对黄宾虹走出困境提供了很大的帮助。甚至,在汪己文编黄宾虹年谱时陈叔通打招呼,要汪不要把这件事写进年谱。

托陈叔通的福,黄宾虹人生的最后,在杭州度过了一段简单又安心的日子。

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在两人来往的信中,看得出陈叔通很记挂宾翁的身体及家庭状况,1953年年底,陈叔通提到中央美术学院民族美术研究所想请黄宾虹赴京任职,替他全面考虑了住所、高龄等的问题,认为“不宜远迁”。

黄宾虹担任艺专教授搬来杭州后,陈叔通从上海来探望他也方便了许多。

两人在上海的时候就是邻居,“他每逢新春总画些梅花、水仙、天竹子、茶花赠送给友人,陈先生处总有的。”黄宾虹太太宋若婴说两人“交往甚密”。

1952年2月,陈叔通和邵力子先生一同来栖霞岭拜访,黄宾虹和太太拿出茶叶蛋来招待,按照黄宾虹家乡安徽的风俗,只有很要好的客人来才能吃茶叶蛋。说来有趣,黄宾虹为陈叔通作画,题款时,陈叔通要黄宾虹称呼“老弟”,黄宾虹执意不肯,两位谦让了好些时间。

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待黄宾虹逝世后,陈叔通主编并自费出版了《歙县黄宾虹书画集》。

文革期间,陈叔通的藏品都被抄家到故宫,《黄山汤口》也是。文革结束后,《黄山汤口》又重新被退回至陈叔通家属。当年,进了故宫再退回的文物很少,据说,陈叔通的藏品全数不动都得以退回了。

潘天寿《耕罢》1亿5893万!

嘉德重磅拍卖专场“大观——中国书画珍品之夜·近现代”专场中,拍前估价待询的潘天寿《耕罢》以8800万元起拍,最终以1亿5893万元的高价成交,成为继黄宾虹《黄山汤口》3亿4500万元成交后,嘉德近现代书画夜场第二件亿元拍品,再次引爆嘉德近现代书画夜场。

从五十年代中期开始,潘天寿进入了个人艺术创作全盛期,《耕罢》是其中极具代表性的作品。在此之前此作曾藏于新加坡“赐荃堂”,后入新疆“雪莲堂”,此番再度现身拍场拍得这样的价格,也是意料之中。

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///潘天寿 耕罢 纸本

此件作品创作于1958年,《耕罢》作于整张八尺宣纸之上,绘高石花丛掩映下,一水牛于水中静卧。石的描绘占据了画面将近三分之二的面积,搭建出画面的整体结构,笔力雄健,乃潘天寿典型的“潘公石”样式。画面左上篆书“耕罢”,行书长题《耕罢》沉雄阔大,生机勃勃,给予了观者极强的视觉震撼,此作汇集了画家诸多经典语汇,堪为画家巅峰巨制。此作不仅让人感受到潘天寿艺术的感人力量与画家内心之纯真,亦可窥见特定历史条件对于画家创作的影响,具有极高的艺术价值与历史价值。

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///潘天寿   耕罢  局部

童中焘教授曾这样评价此件作品:“《耕罢》还有‘密处密,疏处疏’的精致,山花野卉的双勾,夹叶画法,工整中有缺落,严密里寓洒脱,贯鼻的牛绳断连承接,既严密又疏宕多变,丝毫不见怠懈。”

目前所见潘天寿以水牛入画的作品有四件,两横幅,两竖幅,均尺幅硕大。《耕罢》为其竖幅之一,另一竖幅为1961年本,亦仅落款,后再补题指出落款笔误之处,私人收藏;两横幅,一为1949年本,亦题“耕罢”,现为宁海文物管理委员会藏;一仅落“雷婆头峰寿者”款,为潘天寿纪念馆藏。

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///潘天寿  耕罢  局部

1黄宾虹《黄山汤口》,立轴 设色纸本,171×96cm, 1955年作

6月19日,嘉德大观近现代书画夜场
黄宾虹92岁绝笔巨制
《黄山汤口》拍出人民币3亿
近现代书画亿元俱乐部再添新成员
然而,在当年,他的画却是另一番遭遇


赖少其:想当年黄宾虹的画没人看得上,都说画“脏”

我认识黄宾虹先生是在解放以后。1954年,我去上海华东行政委员会文化局工作。当时,要筹备华东文联,后来又成立华东美术工作者协会。开筹备会时,到会人很多,有傅抱石、潘天寿、唐云等,到会的人一致选举了黄宾虹为华东文联会长和华东美协主席。

下面我谈谈黄宾虹先生给我的印象:

黄宾虹很多地方我佩服他。黄宾虹一辈子开过两次展览会,第一次展览,我没有见过,那时还在打仗,没有机会去;第二次画展在上海华东俱乐部,是我给他主办的。展出地点很豪华,过去是外国人的舞厅,画展请了许多知名人士来参观,观众很踊跃,改变了那时大家对黄宾虹画的某些看法,那时,有的人不认识黄宾虹的画,对黄宾虹先生不够尊敬,说黄宾虹的画脏,没人要等等。

其实,黄宾虹的艺术是高深的。他的胸襟,非常宽阔。他拿来一万张(包括手稿)作品,叫我挑选。老实说,当时我也不懂。我挑的好不好,对不对,他都不介意。展览会开过后,黄宾虹把全部展品,共110件,都捐献给了国家。

2黄宾虹 宝铁研斋图142.5×50.6cm

那次画展后,对他有影响。他对我说:“我还要开一个花卉画展,再开一个人物画展。”他的主张是有道理的。这道理现在我还没有把它说明,他说:“学画先学人物,为什么呢?人物画要求准确。一个鼻子,画长了就变成洋鬼子,就不像中国人。画棵树,长短点问题不大。练准确,最好的办法就是学画人;其次是学花卉,花卉是有颜色的,最漂亮;第三才好学山水。”

黄宾虹要求画准确,不能随便想就随便画,要长就长,要短就短,这太自由了,太自由就不自由。那末,黄宾虹的画是不是就很准确呢?我有一个体会,一个感觉:黄宾虹画的房子都是歪的,画不直。是不是不准确?一次,我乘汽车上黄山,车行在很陡的斜坡上,回头一看,啊!果然房子是歪的,显得山更高,不歪山就不显得高,这是他的观察体会,这就是他在绘画中要求的准确。

3黄宾虹 1952年 云树之思 87×32cm

有一件事,我一直感触很深:黄宾虹那时已经九十多岁,杭州到上海,又从上海回到杭州,他都不坐快车,要坐慢车,这个我做不到,打死我也做不到。从上海到杭州要坐一天。他为什么要坐慢车呢?他每到一个车站,都要下来写生。这太累!这种精神真了不起,我们在座的人都要好好向他学习。

黄宾虹深入生活,到各地写生,一生都没有停止过。积累了丰富的经验,有许多好的写生方法。他送我《雁荡山写生》卷子,一共32张,他的写生,主要是钩山的轮廓。那笔墨线条真好!勾山的轮廓,回来再加工,添树,加房子……不是一次画成,但是这画稿是写生的。

4黄宾虹 岚影千寻图137×50cm

黄先生也画香港。他画香港,不画洋房,他画没有洋房的地方。这也是黄先生的一种表现手法。但是,有一点同别的画不同,他用青绿。黄先生年纪大了,阅历不同,可以看出,他仍在寻求新的表现方法。我相信黄宾虹先生如果活到现在,他也要变。他既然热爱我们的祖国,祖国面貌起了变化,他的画能不变化吗?我相信黄宾虹先生也会画洋房,画一切新的景物的。

5黄宾虹 柴门独掩33×127cm

黄宾虹先生的治学精神我们要认真学习: 坚持既师古人又师造化。学习古人同时要学习自然,就是师造化,这两方面不可偏废。只师古人,容易走斜路,这是有教训的。清朝的“四王”,就是只师古人不师造化,他们的画苍白无力,毫无生气。现在,如果哪一个只师黄宾虹,不师造化,他肯定也要走斜路,越学得“像”越坏。现在有这种风气,要注意。

6黄宾虹 1928年作 山水80×38cm

黄宾虹在学习古人上做了大量艰深的研究工作:他把中国所有关于美术的理论,都搜集起来,编成《美术丛书》、20函,等于《鲁迅全集》,这个功夫是了不起的。这同他的画,有没有关系?我认为有密切的关系。另外,还有读画,就是看画、鉴别、评判,黄先生在北平故宫艺术鉴定委员会多年,故宫的画,大部分他都认真看过,评定过,而且许多画还认真临摹过,可以说,只有看过,临过那些画,评判优劣,吸取精华,去其糟粕,而后才有黄宾虹自己的画。

7黄宾虹 1952年 黄山鸣炫泉101×34cm

黄宾虹还重视书法,搞金石篆刻研究,他曾说渐江的画为什么好?就是书法好,渐江画黄山的松树,画卧龙松并不像,但是书法太好了,笔法是书法,画得不像也好。黄宾虹先生的书法是学古人的,金文、石鼓、篆籀都写他的线条那么有力,就是得之于金石古文,叫人百看不厌。

8黄宾虹 1952年 青城山掷笔峰

黄宾虹的学问极为渊博、丰富,值得我们学习的很多,一时也讲不完。我再讲一点,就是要学习他刻苦奋斗、自强不息,几乎是用毕生的精力,敢于超越古人,攀登国画艺术高峰的雄心壮志,学画是个难度很大的工程,要博览群书,走万里路……,得身体好,得长寿,黄宾虹说学山水画,要学会舞剑。

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黄宾虹年轻时会骑马,年纪大了又会舞剑,所以身体好,六十九岁高龄还爬四川峨眉山,一生画了那么多的画,取得辉煌的成就,成为中国画的一代宗师,我们要学习他,也要有这种雄心壮志才好!


黄宾虹山水画作欣赏

10黄宾虹 春光老屋127×65 cm

11黄宾虹 春山雨霁图121×40.5cm

12黄宾虹 1923年作 虞山图83×41cm

13黄宾虹 1925年作 云归草堂图113×35cm

14黄宾虹 1929年作 山水146×58cm

15黄宾虹 1930年作 风轩水槛图123×38cm

16黄宾虹 1937年 陈仲鱼诗意图 101×40cm

17黄宾虹 1941年作 浙东记游 102×39cm

18黄宾虹 1942年作 云林笔意山水 69×30cm

19黄宾虹 1943年 元人诗意图 115×50.7cm

20黄宾虹 1944年作 拟董巨二米大意 173.5×91.5cm

21黄宾虹 1946年作 峨眉伏虎寺 75.5×34cm

22黄宾虹 1946年作 粤西纪游 64×32cm

23黄宾虹 1947年作 峨眉山色 73×41cm

24黄宾虹 1947年作 夏山访友图 115.2×34cm

25黄宾虹 1948年作 桐庐纪游 126×46cm

26黄宾虹 1948年作 虞山风景 37×70.5cm

27黄宾虹 1948年 山水 74×41cm

28黄宾虹 1949 山水四屏 153×40.5×4cm

29黄宾虹 1949年作 山水85×41.5cm

30黄宾虹 1950年 湖乡小景 35×27cm

31黄宾虹 1950年作 湖山欲雨 68×30.5cm

32黄宾虹 1950年作 山水81×33cm

33黄宾虹 1950年作 西谿泛舟 80×36cm

34黄宾虹 1951年作 纪游册 册页(十二开)23.8×17.6×12cm

35黄宾虹 1951年作 蜀山记游图 55×26cm

36黄宾虹 1951年作 夜山图 88×31cm

37黄宾虹 1951年作 云山松影图70×32.5cm

38黄宾虹 1951年作 左湖右岭 67.5×32.2cm

· END ·

1

在中国古代的艺术理论中,“妍”和“丑”常常以并举的形式出现,文论如此,画论如此,书论尤其如此。

例如宋代欧阳修的《集古录》说:“所谓法帖者……逸笔余兴,淋漓挥洒,或妍或丑,百态横生……使人骤见惊艳,徐而视之,其意态愈无穷尽。”

元代马致远赞叹张玉喦的草书说:“千般丑恶十分媚,恶如山鬼拔枯树,媚似杨妃按《羽衣》。”

在这些论述中,“丑”和“妍”是两种相反相成的审美内容,“丑”相当于阳刚之美,“妍”相当于阴柔之美。

2沃兴华作品

到了今天,人们在研究艺术时,往往引用西方现代美学,将“妍”等同于优美,将“丑”等同于崇高之美,或者叫壮美,并且对它们的表现形式以及审美感受作了深入阐述。

李泽厚先生在《关于崇高与滑稽》一文中认为,优美的表现形式为光滑、精细、柔软、均衡;崇高之美的表现形式为粗糙、巨大、瘦硬等。

优美的对象给人的感受比较和谐、优雅和平静;崇高之美的对象给人的感受则常常更为激烈、震荡,带着更多的冲突、斗争的心理特征。

“妍”和“丑”虽然风格不同,但都是审美对象,历代书法家在创作时会想方设法地去加以表现,有时偏重“妍”,有时偏重“丑”。因时而异,各擅胜场。

然而当一种风格的追求走到极端时,也就是被大家普遍接受,在视觉经验中认为它和谐、优雅和平静,奉为优美的典范而竞相效仿时,往往会陈陈相因,内涵越来越空洞,形式越来越简单,千篇一律,千人一面,从通俗走向庸俗,成为“俗书”。

于是就有艺术家出来,用一种新的风格进行反拨,挽狂澜于既倒。这种风格“带着更多的冲突、斗争的心理特征”,一般都表现为“丑”的审美特征,如拙朴、怪奇、犷野、跌宕、雄肆等。它们超出了“俗书”者褊狭的视觉经验,开始时往往不被接受,遭到各种指责和诋毁。

3沃兴华作品

“反者道之动”,正因为代表了生、代表了力,所以会在各种批评指责中逐渐完善,最后被大家理解和接受,在视觉经验中成为一种新的和谐、优雅和平静,成为新的经典,然后又被大家模仿,逐渐走向程式化、走向僵化,成为新的“俗书”,催生出新一轮的“丑书”。

书法艺术的发展就是这样,在“妍”与“丑”的轮替中不断地扩展和丰富自己的内涵。

举一个例子,“二王”书风盛行于唐代,到宋初刻《淳化阁帖》,一半是“二王”作品,大家都奉为圭臬,规规模拟,书风日益妍媚、萎靡,走向滥俗,黄庭坚因此批评说:“近世少年作字如新妇梳妆,百种点缀,终无烈妇态也。”

于是在苏轼、黄庭坚和米芾的带领下,掀起了一场以“丑”为美的创新运动。

苏轼说“石文而丑”、“丑石寒松未易亲”,米芾也崇拜丑石,他们在书法审美上主张“守骏莫如跛”“璧美何妨椭”(苏轼),“凡书要拙多于巧”(黄庭坚)。他们在创作上强调“意造”,也就是个性化的变形。

苏轼书法的特点是左低右高的结体,宽扁的造型,偏侧的用笔,大小错落的章法;

4苏轼《寒食帖》局部

黄庭坚书法的特点是锯齿般起伏跌宕的点画,长线与短点的组合,内紧外松的结体;

5黄庭坚《松风阁诗帖》局部

米芾书法的特点是七歪八斜的造型,弯弯曲曲的线条,或粗或细反差强烈的点画。

6米芾《苕溪诗帖》局部

这些写法在今人眼中已成为经典,见怪不怪了。如果设想一下,回到宋代,举目书坛,不是“二王”便是唐法,猛然看到如此怪异的书风,谁都会大吃一惊的。

如果说“二王”是在自然书写的基础上追求美的表现,那么宋代创新书风则完全抛弃了自然书写,无论点画、结体还是章法都处处有心机,处处有表现,宋代创新书风与“二王”书风区别之大,远胜于今天创新书风与传统书风的区别,因此一开始就受到“俗书”派的猛烈批评,这些批评的文献记载后来因为革新书风成了经典而归于湮灭,但我们还是可以从仅存的片言只语中,想见当时争辩的激烈。

苏轼所说“我书意造本无法,点画信手烦推求”,显然是一种反击:我的书法是“意造”的,点画是随意的,你们用不着以各种教条来吹求。

黄庭坚为此一而再、再而三地为苏轼辩护:“今俗子喜讥评东坡”,“士大夫多讥东坡用笔不合古法”,“或云东坡作戈多成病笔,又腕着而笔卧,故左秀而右枯。此又见其管中窥豹,不识大体,殊不知西施捧心而颦,虽其病处,乃自成妍”。

宋人曾敏行的《独醒杂志》记载,苏轼与黄庭坚论书,互相谑称“石压蛤蟆”和“死蛇挂树”,其实也是舆论的反映。

宋代创新书风以“丑书”反“俗书”,煞住了“二王”书风的继续滑坡,将书法艺术推进到一个新的发展阶段。

7傅山作品

再举一个例子,清代碑学是对帖学“俗书”的反拨,也是在被妖魔化的诋毁中艰苦探索,一步步走向成熟,最后将书法艺术从“山重水复疑无路”的困境中带到了“柳暗花明又一村”。

当时傅山在《霜红龛集》中提倡著名的“四宁四毋”:“宁拙毋巧,宁丑毋媚,宁支离毋轻滑,宁直率毋安排”。所谓的巧、媚、轻滑和安排就是帖学末流走向程式化以后“俗书”的毛病,所强调的拙、丑、支离和直率都是碑学书风的基本特征,每一条都是以“丑”为美,每一条都是针对帖学“俗书”的反拨。

综观书法艺术的发展历史,任何一次从“妍”到“俗”走向衰退时,都会经过以“丑”为美的变革而浴火重生。“丑书”是“俗书”的天敌,而且又是“俗书”的克星。

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徐师傅按:

为什么买的毛笔总是不好用?
为什么我买的毛笔总是分叉、掉毛?
为什么买一支好的毛笔这么难?

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90%的书友都遇到过以上的问题

爱操心的徐师傅根据对市场的分析了解
以及陆陆续续书友反馈的问题

总结以下4点:

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1、对毛笔不懂不了解。
2、对自己适合用什么毛笔不清楚。
3、整个毛笔市场环境竞争激烈。
4、制作好毛笔的师傅越来越少。

工欲善其事必先利其器
选好一支适合自己好写的毛笔至关重要

4胡海峰作品

1胡海峰作品

2胡海峰作品

因此遇上一支好笔,请好好爱护!
造物不易,君且珍惜!

胡海峰老师定制毛笔
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馨寶齋劲颖大、中、小号
适合书写大字行草,隶书,楷书等

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馨寶齋劲颖大号详情

笔长:25cm
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馨寶齋劲颖中号纯狼毫,出锋2.5cm,笔径0.6cm。精选竹节笔杆,不易开裂。适合书写二王,书谱等行草书及楷书。最适合临习书谱,圣教序,米芾等原大书写。(点击下方淘宝或商城链接可进行购买)

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笔长:21.2cm
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注:笔长、出锋为手工测量,如有误差,敬请谅解

胡海峰简介

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胡海峰 中国书法家协会会员。中国民主同盟黑龙江省美术院理事。双鸭山市书法家协会秘书长。中国民主同盟盟员。

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作品获奖入展:
全国第六届工笔画大展入展入编精品集并被收藏(中国美术家协会)
纪念邓小平诞辰100周年书法展入展(中国书法家协会)
首届全国青年书法篆刻展入展(中国书法家协会)
全国第二届青年书法篆刻展入展(中国书法家协会)
全国第六届楹联书法展入展(中国书法家协会)
冼夫人杯书法篆刻大展入展(中国书法家协会)
全国职工书法展入选(中国书法家协会.中华全国总工会主办)
第三届“林散之奖”书法双年展入展(中国书法家协会主办)
庆祝建党90周年“信德杯”全国书法展入展(中国书法家协会主办)
永乐宫第四届国际书画艺术节书法百佳奖(最高奖)(中国美术家协会 中国书法家协会主办)
永乐宫第五届国际书画艺术节书法优秀奖(中国美术家协会 中国书法家协会主办)
全国第二届册页书法作品展入展(中国书法家协会主办)
全国第三届行草书大展入展(中国书法家协会主办)
全国第四届扇面书法展展入展(中国书法家协会主办)
首届“孙过庭奖”全国行草书大展入展(中国书协主办)
第二届“妈祖杯”全国书法篆刻大展入展(中国书协主办)
北兰亭上巳雅集第四回书法电视大赛入展
北兰亭上巳雅集第五回书法电视大赛优秀奖
入展首届“黄庭坚奖”全国书法大赛
第四届商鼎杯全国书法篆刻大奖赛优秀奖
入展纪念辛亥革命100周年“恒兆杯”全国书画大奖赛
入展第三届 “观音山杯”全国书法艺术大展
第四届 “观音山杯”全国书法艺术大展优秀奖
入展首届“希望·圆梦”杯全国书法作品展
获纪念辛亥革命100周年 “恒兆杯”全国书画大奖赛优秀奖
杨守敬杯国际书法大赛入展
庆祝五台山申遗成功——中国千名书家写经书法大展入展
纪念张爱萍将军百年诞辰全国书法大展优秀奖
平复帖国际书法大赛入展
自然人文·中华情”国际书法长卷大赛入展
黑龙江省第二届少数民族美术书法摄影展金奖
黑龙江省首届刻字艺术展(金奖),
黑龙江省书法精品展,

工笔画获“四季龙江入画来—黑龙江省美术作品展”优秀奖

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唐代是我国历史上经济、文化极为昌盛、群星灿烂的时代,书法艺术在此时得到了巨大发展,诞生了许多名垂青史的大书法家。你猜,这些赫赫有名的书法大家们,如果开通微信“朋友圈”,会是什么样子滴?

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1_副本中国文联副主席、中国民间文艺家协会主席冯骥才

文化内涵不是用金钱能堆出来的。一个艺术家创造的作品是要进入市场的,但是一个艺术家的追求却不能太市场化。文化从来不是流水线能够打造出来的,文化要靠时间和心灵悉心酿造,是一代代人共同的精神成果,是自然积淀而成的,知识分子对我们这个时代负有文化责任。

越是快速发展的时候,文化产业对社会影响越大,对整个社会文明提升的作用越大,我们不能牺牲全民的素质以换取高GDP,然后将来让低素质的人挥霍GDP。

我们的文化都被钱收买了,我们反过来又拿文化卖钱,这是多么可怕的恶性循环!

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文化产业仅仅是大众消费文化层面的文化,它不是一个民族文化的峰顶。一个民族文化的峰顶是不能够轻易进入产业,也不能产业化的。

摆阔、夸富、拜金、显摆、张扬、挥霍,从面子工程到城市审美,如今的文化圈充满着“暴发户”式的张扬。我们这个民族,富起来绝对没有问题,但是富到哪里去,却是一个问题。我们一定要富得文明,不失我们的气质,不能“暴发户”。

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偶尔作画,时入画界,愈来愈多地听到一个热门话题:谁的画价高?比如谁的画一平方尺已经两万三万,谁的画今年一平方尺又涨三万五万等等,听起来很吓人。但细心地去看,这些画儿并没有任何变化和进步,因何涨价呢?

想了想方才明白,原来画价遵循的不是艺术规律而是市场规律。市场的规律是有人买就有市场,就涨价;没人买没市场,就猫着价。进而才明白,为什么当今画界总是热衷于使用各种招数炒画,如同房地产开发商爆炒楼盘,其实都是为了卖价,为了多多赚钱盈利。

4_副本

我这么说,并没有指责的意思。想发财也不错,但这是市场的事,是市场行为,而非艺术上的事。市场有自身的规律,并不与艺术的规律同步。比方说大画家的画价要高要贵,理应如此,市场的原则是按质论价嘛,质(艺术)应该是第一位的。

可是如果把这道理倒过来呢?便成了谁的画价高谁就是大画家。这就麻烦了。因为这一倒,“价”就跑到前边去,成了第一位的,成了衡量画家的尺度。于是都往画价上使劲。别看提高画的水平很难,拔高画价却很容易,想个高招儿,炒一炒,就上去了。房价不就这么炒上去的?这一来,谁画价高,谁名气大,神气十足;谁画价低,不好卖,谁在画坛上也就灰头土脸没面子。

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不知不觉间,拍卖行的价目表(一说销售指数)就给画坛排座次了。这就导致前几年一位极有才气的青年画家,迫于在市场上一时找不到财路,压力太大而自寻短见。记得我听到这消息时气愤得大喊大叫,一时却又说不清谁是“杀手”。

还有一件事印象也很深。也是前几年,从媒体上得知当世画家的一件作品而且是一件很平常之作,竟卖了一千多万。我当时就想,多伟大的艺术品卖这么高的价钱,相当于一座工厂!如果拿山区的老农的收入来衡量,一个老农干活一年收入五千元就蛮不错,可是拿这幅一千万元的画一折算就不可思议了。这位画家一挥而就之作,得要一个老农干上两千多年,从西汉一天不歇一直干到今天!

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我们的艺术市场合理吗?

有人把书画市场的无序归咎于并不真正懂画的收藏者群体,待到整个社会的文化素质提高了,市场秩序就会渐渐井然。也有人认为当前的“书画热”的关键是因为这些东西可以作为“软黄金”,成为用来洗钱的美妙的工具。据说有人拿画送礼时还附上拍卖公司出版的印有这幅画五位数、六位数价码的样本。这些破烂的事先不说了。

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还有另外一种说法,颇引起我的思考,便是我们现今的书画市场缺乏真正的艺术经纪人。真正的艺术经纪人应该既懂得艺术又懂得市场。他们不是一心赚钱的画贩子。他们有向社会推介优秀艺术品的责任,就像奥地利大画家马克斯·魏勒的夫人。魏勒夫人是一位欧洲著名的艺术经纪人,她结识魏勒时,魏勒名气还不大。她立志要让世人认识这位杰出的抽象主义画家。而如今这位享誉全球的大画家就是给这个极具眼光的女经纪人通过市场手段推介出来的。

真正的艺术经纪人是艺术家与市场中间可靠的桥梁。不像我们现今的画界,画贩子不可靠,常常只好由画家本人亲自出马,亲自策划、推广和营销自己。

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艺术家一旦充当自己经纪人的角色,他就会被市场异化,时时察看市场的眼色,不知不觉顺从市场的口味。有一位在市场上卖得高价的画家,风格和内容始终不变。一次我问他因何总也不变。他的回答让我吃惊。他说,他的画一变,就会被人当做假画了。他已经完全向市场投降。艺术服从市场而不再服从心灵和艺术本身,他的艺术自然也就止步不前。

艺术生命的本质是自由,是因为艺术家的心灵是自由的。然而市场会用金钱收买你的自由。你伸手拿到钱的同时,小心自由被收缴了。弄不好只能乖乖的或者媚俗,或者一个劲儿地重复自己。

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我们期待一种健康的、良性的秩序在市场中建立,期待市场的规律与艺术的规律合二为一,期待着价格与价值同步,但这只是一种理想。即使艺术市场已经很成熟的欧美和日本,真正的艺术家还是需要清醒地面对艺术和背对市场。如果天天张望画价,天天“功夫在诗外”,可能在市场上会取得一些“成功”和实惠,但付出的代价一定是对艺术理想的彻底放弃。

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冯骥才批文艺界乱象:
画家作品没进步,可价格怎么就猛涨?

“画作没进步,但画价为啥猛涨”

经常与当代画家闲叙的冯骥才感觉一些画家好像出了不小的问题。“画家聚在一起聊什么?聊谁的画价高,而非谁的画质好。”他说,“我仔细看他们的作品,没有进步,可画价怎么就猛涨呢?”

在商品文化导向下,少数艺术家放弃“画质越好价钱越贵”的艺术规律,而是屈从于市场规律,挖空心思通过炒作提升知名度以推高画价。冯骥才说,于是,一些文艺工作者向市场看齐,感觉提高绘画水平难,但提高画价并不难。“当文化躺在市场里,没能吸引市场,则只能向市场妥协。”

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“我的挚友—画家吴冠中先生在世时经常和我通话,但他从没谈过他的画价。”冯骥才回忆,一次创作油画后,吴冠中乘公共汽车回到驻地,因怕油画蹭脏别人或被蹭坏,索性用手拎着画伸到车窗外,一走就是俩小时,到站时胳膊已经麻木……“我知道,艺术在他内心的分量有多重。”

冯骥才认为,俄罗斯若没有托尔斯泰、契诃夫、柴可夫斯基,它的文化至多可称‘高原’,没有‘高峰’。中国倘若没有李白、杜甫,没有唐诗宋词、四大名著,文化也就矮了一大截……

“任何一个民族在伟大时代里,必须有文化高峰。而高峰的显现需要文艺精英。”冯骥才说,“文艺精英的内心绝不会与市场对接,而与国家、民族、社会相连。他们,不偏爱艺术中的自己,更爱自己内心里的艺术。”

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怀素《小草千字文》高清单字

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作为以草书立足,并以草书名世的怀素,对草书临习日复一日,其中对“草法”不断的研习,也成了他重要的书法活动的内容。所以现在可见怀素的草书千字文有多种,其中有《大草千字文》和《小草千字文》。“千字文”是研习草法很好最好的版本之一。

冯错特邀当代草书大家李双阳老师揭秘怀素草书千字文 逐字示范讲解怀素《小草千字文》

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《小草千字文》的用笔:更强化了圆笔,逆笔藏锋,几乎每一个字每一个点画的起笔都做到圆起圆收,浑化无迹。

《小草千字文》的结字:一些字的点画省略得很简,更有一些笔画只是用笔速度很慢的停留所留下的“意到”,没有具体的点画,只是一种意象上的感觉。这些地方品咂起来的时候有一种模糊美和含蓄美。结字布白以平稳为主调,很多字在单字内部,偏旁部首等构件局部时有重心变化,但就整个字而言,皆以平正为旨归,是可谓绚烂之极而复归平淡。

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一个画家放松基本功

是对自己最大的摧残

对自己放纵

是对艺术极大的残酷

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北海公园濠濮涧

基本功是从十分繁复的艺术修炼的全过程中,抽出其中有关正确反映客观真实的最根本、最困难、最带关键性的规律部分,给以重点集中的锻炼。这是在艺术创作前基本能力的大储备,也是一种严肃吃重的攻坚战。只有这些最根本的规律被掌握被攻破了,以后在创作上一些具体问题也就比较容易解决了。

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崇山烟岚

在艺术学习中

基本功够不够、踏实不踏实

大大关系将来艺术的成长

因此有人把它比作树的根、建筑的基

根不深如何能长成参天的大树

基不固如何能盖数十层的高楼

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嘉定大佛

“做一辈子的基本功”

美术是创造性的工作,真正搞好是不容易的。 要有正确的艺术道路、把路子走正;还要下很大的苦功夫。“生而知之”、“不学而能”是没有的,只有学而知之。对学画的人来说,天份是有高低区别,但也只是学习上有快慢之分。绘画本身应该说是很难的,因为它不仅是门学问,同时还要有很高的技能。随随便便是搞不好的。

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略阳城(二)

我七十总结中还有两句话是:“做一辈子基本功”“天天做总结“。画画必须根据创作的需要,练一辈子基本功。有一次我在香山画一棵树,有个青年人看我一笔一笔地仔仔细细地描画,他说老伯伯头发都白了还练基本功哪!我说因为没有学好,是在练基本功。客观事物无止境,学问也无止境,我请唐云同志刻了一方印章,叫“白发学童”,我觉得我在中国画学习上,还是一个小学生。

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西湖保淑塔(三) 1954年

许多青年同志问我

绘画的基本功指什么?

做基本功应从何入手?

我看绘画的基本功至少有三个方面的要求

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黄山云海

第一, 是一般的造型能力

绘画语言是以可视形象反映客观事物,造型能力不好等于没有绘画语言。造型能力,指对形象、轮廓、明暗、层次、透视等的描绘能力,即对客观事物的刻划要准确。提高一般的造型能力,是艺术发展首要的前提。

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放鹤亭

怎样对待素描?我认为学中国画、山水画学点素描是可以的,或者说是必要的。素描是研究形象的科学,它概括了绘画语言的基本法则和规律,素描的唯一目的,就是准确的反映客观形象。形象描绘的准确性,体面、明暗、光线的科学道理,对中国画的发展只有好处,没有坏处。我们的一些前辈画家、特别是徐悲鸿把西洋素描的科学方法引进中国,对中国绘画的发展起了很大促进作用,这是近代美术史上的一大功绩,我想这是任何人都不能否认的。

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夕照中的重庆山城

第二, 是专业的基本功

专业的基本功,是指对于表现对象的深入研究和精确描绘的能力。中国画专业,一般分山水、花鸟、人物。例如画山水画的人,对自己专业的特定对象要进行深入研究,进行专业基本功的严格训练。一个具备一般造型能力的人,不见得能画好山水画。画山水还要有画山水专业的基本功。一定要对山、水、树、石、云、点景人物等进行专门研究,深入观察、研究大自然山川的组织规律,要超过一般人的认识程度。古人讲,“石分三面“、“下笔便有凹凸之形“,这就很难。山有脉络,不同的岩石有不同的纹理,千变万化,要表现好是不容易的,得下很大功夫。古人又讲:“树分四枝“,要把树的前后、左右关系画出来,画不好就只有左、右两面,没有前、后关系。画人物就更严格,要研究颜面、动态、手足、衣纹等等,不管画什么都要有专业的基本功,并不是只要有了一般的造型能力,就能解决一切。

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无锡梅园

第三, 是掌握绘画工具性能的基本功

我们画画,对自己绘画专业的工具性能、特点,表现手法、技巧、技法都要深入研究。画中国画,对笔墨的研究要下很大功夫。宣纸、笔墨是中国画的专用工具,画中国画就得对宣纸、用笔、用墨有所认识。如何使用笔墨,笔墨在宣纸上的表现效果,都关系着中国画的特色,因此对中国画的工具运用、技法要进行专门刻苦的锻炼。

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牛背闲话

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陆维钊(1899—1980)原名子平,字微昭,晚年自署劭翁,浙江平湖人。早年毕业于南京高等师范文史地部,1925年曾任清华大学国学研究院王国维先生助教,后任教于上海圣约翰大学、浙江大学和杭州大学,潜心中国文学研究,尤于汉魏六朝文学及清词有专攻。教学之余,于书画艺术始终孜孜以求。1960年应潘天寿院长之邀,调入浙江美术学院中国画系,任古典文学和书法专职教授。1963年主持创办书法篆刻专业,1979年招收国内首批书法专业研究生,是我国现代高等书法教育的先驱者之一。陆维钊先生晚岁书法,溶篆、隶、草于一炉,圆熟而精湛,凝练而流动,所创结体人称“陆氏蜾扁”,在书坛独树一帜,蜚声海内外。先生学问人品为后人所仰。著作有:《中国书法》、《全清词钞》、《书法述要》、《陆维钊书法选》、《陆维钊书画集》、《陆维钊诗词选》等。

陆维钊谈艺录

要想学会写字,必先学会做人。人品不高,落墨无法,求其风神者,当须先求人品。
——对浙江美院中国画系学生语

书法之道,不仅在于写字技巧,技巧再好,不过是个“书匠”而已。练字和学问必须同时俱进,甚至要把提高学问素养放在写字之上,否则,书法写到一定水平后,就会上不去。
——对浙江美院中国画系学生语

书家之传于后者,类多人格高尚,学问深湛,文辞华美;非此者,其修养之不足,必不易于寿世。
——《书法述要》

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不能光埋头写字刻印,首先要紧的是道德学问,少了这个就立不住。古今没有无学问的大书家,我们浙江就有这个传统,从徐青藤、赵撝叔到近代诸家,他们的艺术造诣都是扎根在学问的基础之上的。一般人只知道沙孟海先生字写得好,哪里知道他学问深醇,才有这样的成就。“字如其人”,就是这个道理。
——1980年对书法专业研究生语

中国的诗、书、画、印是中华民族文化的升华,所以学书画的人,一定要通中华民族的文化,这一点相当重要。现在许多人都忽略了这一点。许多人不好好学文,而光片面追求学字、学画,这样发展下去是不行的,也是不会有什么成绩的。
——1979年对来访学生语
  
书法先求平整通达,以后再求变化创造。要淡于名利,追求名利就不能静心做学问。
——1980年对书法专业研究生语

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学习书法必须从临摹入手。
临帖就是要入帖,通过临摹,才可能逐步深入地认识临写的碑帖字的优缺点与长处。
临摹是手段,是方法,是初学者不可缺少的基本课,但临摹不是目的。掌握了基本功,广为吸收,方可变法。变法与创造才是学书的目的。
蜜蜂采花酿蜜,蜜成而不见花,临摹碑帖也要象蜜蜂酿蜜那样,学了别人的东西,最后要变成自己的东西。善于学习的人,就要使别人一时看不出是学谁的。
——对浙江美院中国画系学生语
 
碑可强其骨,帖可养其气。
选择碑之长处,在其下笔朴重,结体舒展,章法匀净绵密;帖则用笔精熟,气韵生动。
尊魏抑唐,或尊唐抑魏,都是一偏之见,不可为训。
——对浙江美院中国画系学生语

初学一帖,必至数年方可得其规矩,忌作杂学狂乱之想。
——对浙江美院中国画系学生语
 
我辈作书,应求从临摹而渐入蜕化,以达到最后之创造。然登高自卑,非经临摹阶段不能创造;临摹对于范本,最要在取其意,兼得其形,撷其精,酌存其貌,庶可自成一家,不为古人所囿。
——《书法述要》

中国书法,其结构若无错综俯仰,即无姿态;其笔顺若无先后往复,即无气势;其布局若无行列疏密,即无组织;其运笔若无正侧险易,即无变化;其笔毛若无弹性、轻软,即无肥瘦;其使墨若无浓淡、枯润,即无神彩;其形貌若无骨骼血肉,则无生气。循是以推,不一而足。
——《书法述要》
  
初学书法不习楷书,即如孩提学步,未能立,就想走或跑,不按生长规律办事,必然要摔跤。
——对浙江美院中国画系学生语

楷书写好了,行书自然会好。这是历代书家学书之经验谈。行书可以不学的。现在许多人为了写行书,都从行书学,这是取巧,是走捷径。这样发展下去,是无面貌的。学书法的人,正、草、隶、篆都得学,这样到后来,会成其面貌。
——1979年对来访学生语

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我……对于杨雄所说的“书,心画也”一语,认为最足以表示书法之精义。此处之“画”字,也可作“描绘”解,则书法即是心理的描绘,也即是以线条表示心理状态的一种心理测验法。故醉时之书,眉飞色舞;喜时之书,光风霁月;怒时之书,剑拔弩张;悲时之书,神沮气伤;以及年壮年老,男性女性,病时平时,皆可觇其梗概。
——《书法述要》

以为碑帖损蚀,不易如墨迹之能审辩,此仅为初学言之。如已有基础,则在此模糊之处,正有发挥想象之余地。想象力强者,不但于模糊不生障碍,且可因之而以自己之理解凝成新的有创造性的风格,则此模糊反成优点。正如薄雾笼晴,楼台山水,可由种种想象而使艺术家为之起无穷之幻觉。此则临摹之最高境界,所谓由古人而出,进成自己之推陈出新也。
——《书法述要》
 
盖字体多端,好尚各异。甲所喜者,乙未必喜;甲所宜者, 乙未必宜。应各从学者之所好,而不必指定欧阳询、颜鲁公、赵孟頫为其心仪之对象,强人以性之所不近。故最理想之指导,莫若令学者各就其个性,而先写几页心中所欲写之样张,然后就其用笔,揣摩其心理(书法原可视为各人心理状态之表现于线条上的一种描绘),而选择其相适合之碑帖,使之临摹,则不但习者心中与之相契,成效上也必能事半而功倍,即所谓因材施教是也。
——《书法述要》

米海岳书,跌宕多姿,超迈拔俗,得二王法乳。就其笔势险绝、意态翔动,后世罕有匹者。人谓米书不可学,学者易入魔障。余则曰:非不可学,学之不易也;入魔障乃学者之病,非米海岳之病也。
——致友人函

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世人多嫌赵字平稳流媚,少骨气,谓不可学,我谓赵字虽有短处,而用笔精熟、气韵生动、平淡天成是其长处,他人极不易到,很值得学。
——对浙江美院中国画系学生语

篆隶柔中见刚,宜用羊毫;行书刚中见柔,宜用狼毫;正楷也刚也柔,用羊、用狼、用兼,俱无不可。此其大致也,但也不必拘泥,尽有善为变化者。
——《书法述要》

篆、隶、楷三者,宜浓墨;行书可浓可淡,也可带枯。除行书外,俱应将墨吸饱,使从纸面透入纸背,至纸背全黑而后止。
——《书法述要》

历代大家均成功于书体大变之时代 。
——对浙江美院中国画系学生语

为学宜转益多师,岂可唯以董源巨然为足。不学“四王”(王时敏、王鉴、王翚、王原祁),未免门户太狭。
——对浙江美院中国画系学生语

作画要注意生气,写生不能以形似为满足。中国画重生气,过分则唯心;外国画重对象,要防单纯形似。中外结合,中过多则守旧,外过多则非国画。要结合得恰到好处,三七开,四六开,全在领会。
——1978年对中国画花卉专业研究生语

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梅竹凭写,写胸中逸气,故画如其人。画既如人,重画应如重人,岂可拿画为俗事。
——对浙江美院中国画系学生语  

不要只钻画,忽视画外修养。画是中国文化的升华,要懂文化全貌,还要修养品德,大忌名利熏心。
——1978年对中国画花卉专业研究生语

· END ·

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李刚田谦逊、坦率,话语间给人一种不怒自威之感。

2011年他辞去《中国书法》杂志主编的工作,聊起“卸甲归田”这几年,他言语间透着松快:“黄山谷有诗句:‘痴儿了却公家事,快阁东西倚晚晴。’感觉自己老了,要多留点时间给自己。我感觉自己这个年龄应该松弛下来,做自己想做的事,做使自己愉快的事,工作、生活、学习、创作,一切要顺应自然,所以不必再去制定什么规划与目标。我现在尽量减少社会活动,尤其是那些奢华而无聊的饭局酒席。我在北京郊区租了三分菜地,周末全家带上干粮到郊外种地,亲近大自然。自强不息是年轻人的事,老了不能再逞强,该息便息,佛家说‘放下便是’。但我依旧会写字、刻印、读书,因为干这些事使我愉悦,让我体验着人生的美好。”

谈及书坛诸多现状,他不激不厉,徐徐道来,意见中肯且颇有见地。

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书法家应是“读书人”

美术文化周刊:书法的普及,是不是书法就没门槛了?

李刚田:当下书法已从精英文化逐渐走向大众文化,走向展览中的技术比拼以及娱乐文化。原本属于“小众”的书法篆刻具有了生命活力与可持续发展的社会基础。但随之出现了一个问题,即传统、封闭的书法篆刻要融入当代社会,变为大众、娱乐的文化。这种变化将使书法篆刻的独立性发生动摇,使得书法与非书法、篆刻与非篆刻的边界模糊不清。我们将用何种方式在保持传统书法篆刻精神和基本艺术语言的同时,把书法篆刻推向当代社会?从理论层面和实践层面都有许多值得研究、梳理和总结的内容。

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美术文化周刊:有人说当代书法家“有墨无翰”,文化缺失,你怎么看?书法和文化是怎样的关系?

李刚田:作为一个书法家,以全面、深厚的文化素养为基础,从而深化艺术创作思想,增强艺术创造、力是非常必要的。我觉得写什么固然重要,但只是具体的、形式的还不够,本质上是要提倡书法家做一个文化人,也就是过去所说的“读书人”。传统文人有两种内涵,一是指其学识胸怀,要读万卷书、行万里路,要学而思、思而学;二是指其风骨情操,这一点最重要,也是当下书法界失落最多、亟待唤回的一种传统文化精神。孔子所说的“志于道,据于德,依于仁,游于艺”,而今只剩下了“艺”,这是最值得反思的。

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大幅可视 小幅宜读

美术文化周刊:目前各种展览中书法作品尺幅越来越大,追求所谓的视觉震撼效应,如何看这种现象?

李刚田:与传统书法不同,当代展厅中的书法创作是挂在墙上远看的,很多人认为张扬个性的、具有形式感的笔墨表现才能在作品对比之间凸现出来。为了吸引眼球,作品尺幅便出现越来越大的现象。看展厅字是月下观美人,得其风姿绰约之仿佛,读小品书法则是灯下观书生,要感受其眉宇间的灵秀之气。二者的创作技法与审美特征大不相同,其实古代的传世书法墨迹多为所谓的“小品”。而当下书法的艺术属性越来越独立,突出艺术形式渐渐成为创作的首要目的。大展投稿动辄数万,展出上千,评委们瞬间判定优劣做取舍,读者在有压迫感的巨幅之中,在众多作品的对比之间,在各种形式对眼球的争夺之时容易走马观花,但看形式之美,无心顾及其文,更遑论品读其人。古今书法创作与审美的转换,时代使然,潮流使然,不可对此贸然臧否,妄作褒贬。

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大幅可视,小幅宜读;可视者用目,可读者用心;目视其外在形式之美,心读其内在韵味之醇。大幅多重沿空间展开的建筑般美,重黑白对比、空间构成以及形式对视觉的冲击力。相比之下,小幅虽也重形式,但更重沿笔势往复和文辞节奏展开的流动之美与随缘生机的自然书写性。

然世间大小相对而言,无此也无彼。大事情的成败,往往决定于细节,而从一个人的细行琐事中,也可洞窥其胸怀度量。由此推及书法,大幅作品不可虚张声势而索然无味,小品也不可一味展示雕龙镂凤手段而流入甜熟庸俗。小品要有纳须弥于芥子的内在大宇宙,如尺水寸山的画幅,可使人卧游千里,骋思无尽,由此及彼,由微云及泰山,得大气象与深远境界。这大气象与创作的技法、作品的形式有着直接的关系,但最根本决定于作者的气质禀赋、人格修炼及胸怀学养。所以大幅作品是“造”出来的,小品则是“养”出来的。

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不可一味附庸“展厅效应”

美术文化周刊:关于书法审美变化,专家不约而同认为现今进入“展厅时代”,这种变化的内外因是什么?

李刚田:过去书斋时代的书法不像今天很多作品是鸿篇巨制,那时多为小品,在窗明几净的书斋中,在掌上、案头赏读书法,其特点是“口诵其文,手楷其书”,这种将文词、笔墨、人格糅合起来的审美方式,是中国古典哲学思想中天人合一,真、善、美合一理念的表现。在欣赏一件书法作品时,不单单是对技巧形式的解读,文词的内容以及作者的气质、人格都将对书法审美有影响。

古人的书法是以“人”为核心,作品顽强地体现着人的“在场感”。举个例子,我们现在走进博物馆,一个厅在展出当代书法作品,另一个厅是馆藏的明清书法作品,当我们看过当代作品再走进明清展厅之时,会有怎样的感觉?反差应该说是极大的。当代书法展厅中众多作品在形式上争奇斗艳、标新立异,各以独立的形式风格彰显其个性,这些形式给人们带来的更多是对眼球的刺激,而不是给人以心底的震撼。当我们走出这个展厅后,每个人的个性表现难以给读者留下深刻印象,反之给人以雷同之感。这是因为当代创作聚焦于作品中个人的形式风格,而忽略了作品所蕴藏的内在文化和人格魅力,使得当代书法创作整体上出现雷同的现象。走进明清书法展厅,在对作品的细细品读、对笔势的细细玩味之间,有一种与古人“晤言一室之内”的感触,这里虽然表现出不同书家的不同笔法、体势乃至审美感觉,但没有太多的形式张扬,而是通过笔墨自然而然地透露出不同文化风格和书家不同的气质秉赋乃至人格魅力。

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“展览体”失却自然本真

美术文化周刊:流行的展览形式会对当代书法创作产生怎样的影响?

李刚田:当代书法处在大繁荣大发展时期,书法展览是重要的推进器。其形式也引发了当代书法从创作本体到学术理念,以及书法生态环境的深刻变革。

当下展览时代的书法创作,更多聚焦于作品的形式构成之美与笔墨的表现力。展览中的书法创作突出形式而淡化其他创作理念,这决定了一切与创作形式有关的技法都在强化、发酵、发展,而与形式美关系不大的技法都在淡化、萎缩、变异。章法上突出了其设计性和美术性、工艺性的特点,夸张了黑白对比的效果;笔法上则强调个性化的点画质感而异化了传承的笔法程式,淡化了点画之间的笔势关系;结构上更是突出夸张变型的特点,解构经典样式,以求出奇制胜的效果。作品空间构成之美的强化与沿文辞与笔势展开的时序美的弱化,使展览时代的书法变得只可视而不可读,形式设计性的强化与自然书写性的弱化使展览书法弱化了自然本真。

时下为顺应展览,在创作中生出了“展览体”书法。这种形式的书法解脱了“文”与“人”的载荷而称之为“纯艺术”。这使得书法创作不但与文字的表意功能疏离,而且远离了当下人的社会生活,远离了社会人群,与社会大众的审美需求渐行渐远。一些创新者为了求新求异,只求不与古人、时人、别人雷同而悖离了美的基本规律。只求新与奇而不顾美与否,只有刺激人眼而不求感动人心。“展览体”如同走T台服装表演,只可存在于舞台而不能使用于生活。当下书法的种种表现、书家的创作态度乃至生存状态,值得我们在“热闹中著一冷眼”。

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媒体应有担当与远见

美术文化周刊:专业媒体在推动中国书法发展中应起什么作用?

李刚田:摆在当代书画专业媒体人面前的课题,是在市场经济的环境中,如何使媒体生存与发展,努力去占领市场、拥有读者,力求社会效益、经济效益双赢,以适应当代书画繁荣发展的社会需要。

选择是两难的:完全站在专业立场思考如何办媒体而脱离当下社会,脱离读者的阅读需要,不顾市场经济的规律,将难以维持下去。如完全把办专业媒体当生意来做,只考虑营销之道,而忽视媒体的专业性、学术性、思想性、原创性,短视和媚俗的媒体将会热闹一时而终将失去品牌。二者比较,专业媒体安身立命的根本是专业与学术,这是读者的根本需要。全神贯注保持媒体的专业高度和文化品味,要表现历史渊源的博大及当代创作前沿的鲜活,在学术与经典中体现与读者的共鸣。这既是办专业媒体长期的战略需要,也要具体到工作中的每一个细节。在这个前提下,还要充分运用营销策略,保证媒体的良性运行。

这就需要媒体人素质的多重性:既是专业方面的专家,又懂经营之道,并且能将自己的专业水平和市场能力在实践中具体化。另外,还有一个专业操守的问题,也就是职业道德,这对每一个媒体人来说是根本,要有事业心、荣誉感,要有尊严,讲专业良心,不被种种诱惑所动。