分类：未分类

风情万种的弘一法师

在1907年春节期间，李叔同公演了法国小仲马的名剧《茶花女》，他饰演茶花女。这是中国话剧艺术实践的第一部，也是中国话剧史上记载的第一次正式演出。

下图为《茶花女》剧照

弘一法师（左） 时年28岁

年轻时的弘一法师身材很不错！

《茶花女》描写的是外表与内心都像白茶花那样纯洁美丽的少女被摧残致死的故事

弘一法师是服装设计师

通过春柳社的演出，李叔同对西方戏剧的布置设计、服装、化妆、刀具、灯光等方面进行了潜心研究和大胆实践。出家后也自己设计服装，下图为设计草图。裤腰一尺五寸半，真的是小蛮腰呀！

未卜先知的弘一法师

弘一法师是提前预到自己死期的人，他临终前，与刘质平、夏丏尊等一一道别，安排好后事，一切都从容不迫，涅槃之像，面带微笑，慈祥安然，如睡着了一般。读弘一晚年信件，最钦佩的当是，他对衰老死亡的态度超然乎常人，不喜不忧亦不惧，表现的一如往常，给朋友的信中说到晚景，病体，没有哀伤欲绝之气，也少未竟事业之叹，很是平常，人世死，极乐生，勘破生死，方能正确对待，切实享受死亡。弘一法师晚年给朋友的信中多次提到诗句“莫嫌老圃秋容淡，犹有黄花晚节香。”，在圆寂前几日给李芳远的信中还说：“朽人近来病态日甚，不久当即往生极乐，犹如西山落日殷红灿烂，瞬即西沉”，在弘一法师给朋友的书信，看不到“日薄西山”、“苟延残喘”之句。临终书“悲欣交集”，亦未言痛苦与恐怖。他从生到死，都是一种超乎寻常的境界，让人生高山仰止之叹。

从弘一法师的书信里，看到他的生死观，或能悟到人生真谛！

质平居士文席：
朽人已于九月初四日谢世，。曾赋二偈附录于后。
君子之交，其淡如水，执象而求，咫尺千里。
问余何适，廓尔亡言，华枝春满，天心月圆。
前所记日月，系依农历也。
谨达不宣。
音启
2011年4月5日谷雨于拙书堂
悲欣交集，是弘一法师的临终遗书。寥寥四字，无穷玄机

弘一法师明信片欣赏

我的腿，我的腿，善行走，将来不免入汝手，盐渍油烹佐香酒，我欲乞哀怜，不能做人言，顾汝体恤猪命苦，勿再杀戮与熬煎!

弘一法师画线路图

往伏龙寺之路程

狄思成路口

更多弘一法师早年的作品：

………………………………………………………………

硬朗霸气的金石碑风：

沉静而筋挺的折笔：

灵动奔放的伸张：

——END——

刘海粟

世界工业愈发达，经济愈发展，名画价值愈高，这是一定的规律。每一个世纪不一定就能够产生几个伟大杰出的艺术家。决不能拿艺术品当作商品，但艺术品自有它不朽的一定的评价。总之，画，绝不是为生活而应付的东西。

《荷花鸳鸯》144×73cm  

1981年作 成交价55.2万元

倘若受了社会邪恶势力的压抑，就顺从着去描写，那就成了一种“流行的艺术”，就是虚伪的技巧化。技巧化的艺术，就是无生命的艺术。这种艺术都是没有感觉而强作感觉，实在是空无所有的。拿虚伪的技巧化来使俗人佩服，那更是艺人人格的堕落！这样的艺术，就是害人的艺术。害人的艺术，是艺术吗？

《红荷》95×53cm 

1993年作 成交价55.2万元

有两位我过去的学生来拜访我，他们本来画得很好，但是目前使“美术”商品化了。为了卖钱，就要投买主所好，他们的作品画得太俗气。我对他们说：“你们太会画了。要从会画到不会画。”看他们画菊花、牡丹、最初几笔还可以，但加了又加，越加越糟。

我虽然取得了一些成就……我还有些自知之明，离完美的境界还有很远的距离，只是一个在追求完美过程中的画家。“年方八六”，不光是不服老，也有仍在学习的意思。

《荷花》134×66cm  成交价78.2万元

学画不能停留在书画上。

要有为艺术事业坚持斗争的勇气，文化的发展离不开斗争。真、善、美总是与假、丑、恶在斗，一潭死水是不行的。我们都应该坚持真理，批判谬误。

《墨荷青蛙》136×68cm  

1989年作 成交价63.25万元

凡是研究艺术的人，自己只希图做一个出众的大家，那是不行；拿报纸来鼓吹，金钱来运动，更加不对。我希望研究艺术的同志们，都拿“信仰自然”为主旨，还要拿“诚实”、“勤恳”、“忍耐”的手段去进行，就不难深解艺术里面的真意了。所谓“美在自然，自然方美”，我们确要把它思索思索才行。假使专以“造作”、“因袭”为美，我就要说他是自堕人格。至于这个虚荣心，我们既要研究艺术，是绝对不容它存在，那更不必多说。

《风荷》132×67cm  成交价106.4万元

世人只知落笔作画，却不知画非易事。庄子说画史解衣盘礴，此真得画家之法。人须养得胸中宽快，意思悦适，如所谓移画于纸油然之心生，则能于轮廓一线之际，平面上有一分之地，与之以生命。盖大艺术家个人之情操，不仅表现于形象之构想与配置，即于极微之明暗间，为官能所不能觉者，亦有真精神焉。

——END——

 

书法的层次

书法的本质是抒情。
法外求法，有法无法，
在自由的艺术王国里徜徉，
这是书法最动人的一种境界。
书法有三个层次：
一是方正停匀，点画不差；
二是铸碑帖，能出己意；
三是技进乎道，以有限笔墨尽万象之美。
此篇即为第三层次而说。

人情不外乎喜、怒、哀、乐、愁，观天观地，看山看水，似乎都能有所依托，但是，寄之于书法线条，难于上青天。一难是必得以汉字为载体，而非鬼画符；二难是点线须合技法要求，而非随意挥就；三难是要除去执著心，而不可有意为之；四难是要有真情真性，决不能故作声势；五难是胸中要广纳万象，而不能就字写字；六难是若不积学养气，下笔一定虚脱。自然，不只这六个方面。

有人认为，草书最能达人性情，也不见得。实际上，楷书、行书照样能充分体现性情。孙过庭在《书谱》中说，王羲之“写《乐毅》则情多怫郁，书《画赞》则意涉瑰奇，《黄庭经》则怡怿虚无，《太师箴》又纵横争折。暨乎兰亭兴集，思逸神越；私门诫誓，情拘志惨。所谓涉乐方笑，言哀已叹”。不独楷、行；隶、篆诸体也有同样的功效。所不同者，只是书家性格、兴趣爱好差异而已，而无优劣之分。

人的性情，譬如潮汐，涨落虽有定期而难为外物所抑。因此，书法写性情，如果囿于成法，必定难以畅怀。常常是破法比坚守技法更重要。这有两层意思：一是不合技法的破笔，或者说是败笔。这是为了达性情合理的破法，可产生一种残缺的美，历代大家也难例外。尽善尽美在一定程度上不是真实的美。二是离了法而去求道、求意，无迹或者无法可寻，然莫不合法。苏东坡说：“我书意造本无法，点画信手烦推求。”意造，即以意作书，不拘成法。其实，冯班在《钝吟书要》中的几句话说得更明了。他说：“唐人用法谨严，晋人用法潇洒，然未见有无法者，意即是法。”

由此可见，法外之法，全在一个“意”字上。这不由使我想起玄学的创始人，魏晋时的少年天才王弼关于言、象、意的辨析。他既提出“尽意莫若象，尽象莫若言”，又提出“言生于象”“象生于言”。三者关系既分离，又有因果连锁，而最终目的是“得意在忘象，得象在忘言”。这个观点在中国美学史和艺术史上影响非常大，其直接成果是在六朝和唐宋分别产生了“意象说”和“意境说”。

那么，再回到书法，无论意象抑或意境，首先应着眼于“意”。因为书法是最为抽象的艺术，若要使点线心灵化，必得离法趋意，寻求自由的发挥空间。意到则笔到，笔到则见意似，意似则生万象，万象出而境界成矣。同时，意也是多元的。从抒情上说是美学的，从思辨上说是哲学的，从实用上说是合乎人道伦理的。这一点，又恰恰建立在法的基础上。

总之，中国书法就是理与趣、法与意、技与道相生相成，水乳交融的一种境界。若要求法外之法，功夫即在书外。一旦求得，就能达到庄子所说的“与天地精神相往来”。

——END——

图/刘伯承战斗前示范射击

民国时期尤其是解放战争时期，多数将领都要拟写电函信札，日夜激战、马不停蹄，导致手写函件数量空前庞大，大家毛笔字娴熟，书写秉自然貌，合法度、强识别，因此，那时稍有书法功底者比如文将尤其如刘伯承、毛泽东、刘少奇、彭德怀等，战乱期间呈现出无意而佳的精彩墨迹。书思之前很少介绍刘伯承，但其水平不可小觑，今天咱们不妨来看看：

刘伯承信札《响堂铺战斗电报》

刘伯承将军平常写字，固然是快速的自然书写，从信札中可见书风端倪：起笔直入和逆入都有，连带关系明朗（从包围结构就能看出），结字和字间呼应相关非常强烈，一气呵成，当然也难免有些带着个人习气，可圈可点，但细细品会，翻转绞转不失精彩。刘伯承无心栽柳，给出一个平衡于美学、实用、情绪化的笔墨风貌。

不过，在历史档案中能找到的刘伯承最成功的信札，应属下面这件：

上面这件手札，信手拈来，气息流畅，风神隽永，作为一份传统意义的手札作品，单就这幅手札的品质而言，在整个民国期间都毫不逊色。纪念淮海战役的题词，也是经典作，结字开张，不失流利气息：

谈起刘伯承习字渊源，刘蒙说：“父亲酷爱书法，早年临摹王羲之，也曾写过《曹全碑》”。可见，刘伯承对于写字的理解，从观念上是有较高品质要求的。我们看其65岁时写的一张大字作品，从结字、用墨和布白可以看出，刘伯承对书法情有独钟。

——END——

诗 | 冯错
书法 | 廖伟夫

《金陵初雪》

昨日风花
今日雪夜

千山鸟
未绝
而孤舟早已在河心
停了一夜

雪落金陵
无声
踏雪秦淮
有痕
有无之间
相看两不厌的
只有六朝的两粒雨花石
在没有炉火的历史中
对坐了几百年

风来，我在月下等你
雪来，我在白头中等你

 

▲
廖伟夫 书 冯错诗

【 更 多 诗 抄 】

01

02

03

04

05

06

诗 人 简 介

冯错    写诗，也写书法，本为秦人，18岁之前没有出过陕西八百里秦川，后游走北京、上海，现居南京秦淮河畔，濡染于金陵烟水之中。如果写诗是手艺，那么现在算是还没拿到从业资格证，属于非法执业。但如果写诗是赤子之心，还好初衷未改，本心未失。8年前曾有诗集《不系之舟》刊行，现在写诗如写己，一种心境，两端凌乱。我是冯错，我喜欢将错就错。

——END——

吴冠中作品

灵境，是艺术意境之最高境界。进入灵境的艺术作品，是“抱朴守拙”至“守静笃，致虚极”之境，往往给人以“简洁，但不简单”的感觉。

欣赏吴冠中的作品，往往给人以王维诗词的感觉，令人耳目一新。欣赏他的作品，仿佛禅语“不生不灭、不垢不净、不增不减”，刚刚好！

吴冠中作品欣赏

——END——

 

李可染(1907年3月26日-1989年12月5日)，江苏徐州人。中国近代杰出的画家、诗人，画家齐白石的弟子。李可染自幼即喜绘画，13岁时学画山水。43岁任中央美术学院教授，49岁为变革山水画，行程数万里旅行写生。下面我们从山水画的构图、形象、层次、氛围等方面一起来学习李可染山水画的技法。

（一）构图

画画前，先酝酿情绪，再设计方法。对风景对象将信将疑，意境还不十分鲜明的时候，坐下来慢慢细看，有时会得到启发。我画《鉴湖》就是如此本来兴趣不很高，定下心来凝视，饱览？看，想到古人所说：“湖光如鉴”，觉得有所启发，意境酝酿得比较成熟了，经过组织加工，终于画成了一幅画。古人说：“万物静观皆自得。”成见往往使人听而不闻，视而不见。

仔细观察，心要像明镜一样，你就会发现一切景物都生意盎然。所以画画之前静下心来，仔细观察很重要，心情烦乱是没法画好画的。 顶好的构图要“似奇反正”，古人说“既得平正，须得险绝”，构图要极尽变化，大胆组织变化，但有要求稳定。

只奇不正就有不稳定的感觉，要郑重见奇，奇中见正，两条腿走路，矛盾中求统一，八大山人的画构图很奇，但又有庄严的感觉。画面上主要的东西一定要给适当的位置。

一般说来主要的东西不要放在正中，要靠边一些，但又要使人感到整体画面的平衡；形象地说：“要像秤，不要像天平”。在风景画里，一般地说，树比山分量重，人造物比自然物重，人比一切重，懂得这个，对构图是很有帮助的。 善绘画要求“大”和“多”，所谓大是感觉大，多是东西多。

因此，构图要善于穿插，要往深处发展，不要平铺对垒。《清明上河图》绝不是仅往两边伸展，同时也很注意深度，往深里发展。石涛的画很讲究穿插，利用中景，使画面能透出去，四王的画就常常是一层层地往上叠，空间的感觉就比较弱。任伯年很会构图，有的画几棵树占满了画面，下面画上人物，穿插得很好，很奇。我画嘉定大佛，把大佛几乎画满了整个画面，再利用周围的角落画上树、石级、江水、行船等，这就不仅使主题突出，而且画面也丰富起来了。

艺术一定要讲求形式，有人怕讲，以为就是形式主义，这是一种误解。要区别为表达主题讲求形式与为艺术而艺术的形式主义。构图上的一些规律是要注意的，譬如画面上前后两个人的头正相叠上，三棵树交叉于一点等，这些都是要避免的。黄宾虹先生说：他从中国书法、绘画中得出构图规律的奥秘是不等边三角形，这实际上就是变化统一的规律。艺术上美的抽象的规律往往是最高的境界。规律中有一条最重要的规律就是自然，矫揉造作永远是要避免的，不要把“奇”理解为矫揉造作。

（二）形象

艺术用样要求精神，艺术形象不能是吧普普通通的，电影摄影师对着意嘉陵江上自远而近，自近而远的行船，可以摄下几百个不同的镜头，但其中最美的只有几个。一张画还要有最精粹之处——所谓“画眼”，画眼一定要特别抓紧，不能与其他一切平均对待。主要的东西可以强调、夸张，要避免面面俱到，应有尽有。竭力描写自己最感兴趣的，最主要的东西，才能引人入胜，打动人心。京剧表演家有三字诀，叫做“稳、准、狠”，狠就是要敢于强调最主要的东西，狠狠地表现，狠取决于艺术家的感情。艺术创作要像写情书那样充满感情。母亲的孩子如果被人杀害，她会咒骂一辈子，这是感情使然。艺术就怕搔不到痒处。

艺术家不仅表现所见，还要表现所知和所想（自己的全部经验和传统知识，以及根据客观事物发展规律的推想），中国古代艺术家描写的《仙山楼阁图》，就是把最美的建筑放在最美的环境里，这是艺术家根据现实的想象，是现实主义和浪漫主义的结合。中国画家画黄山，绝不是站在某一个固定地点取某一个固定的角度画其眼所仅见，而是全面观察理解以后加以表现，好像是站在黄山的上空。古人说：“以大观小”，也就是这个意思。

石涛画黄山曾将距离二里的“石虎”与“鸣骇泉”画在一起，题诗：“何年来石虎，卧听鸣骇泉”，这在艺术上是完全允许的。毛主席词：“千里冰封，万里雪飘”，绝不是站在某一固定的地方能看到这么广阔的景致，而是融入了诗人的想象，这是和毛主席宽阔宏大的胸襟分不开的。中国画家画菊花，绝不止于表现菊花，而是寄托了画家自己的感情，山水画不是照片，也不是风景说明图，风景画要比自然更美，从来人们说“河山如画”而不说“画如山河”。要建筑师来参考我们所画的楼台亭阁。我有一棵图章，叫做“不与照相机争工”，画家比摄像师有更大的创造的自由，应该充分利用这个条件。缝纫师给人们做衣服，不合身是最坏的，合身了还不够，还要使一幅能突出身体美丽的部分和隐藏丑的部分，这才是最好的缝纫师。

画家对着自然景物作画也是如此。风景写生也可以叫做“对景创作”，对象只是创作资料，并非全部，呼之即来，挥之即去，可以十分之七根据对象，十分之三根据画面本身需要，脱离真实不对，完全依靠真实也不对，艺术应比真实更高，更集中，更概括。形象要真实与美统一，真实使人信眼，艺术性叫人感动，要运用自己的全部修养把自然提高到更美的境界。

构图设计好了以后，可以先拣最感兴趣的最主要的东西画，一点点地加，一层层地加，加到适可而止。罗丹雕刻时就是在石头上逐渐地剥出一个人来，有时连手脚还没有剥出来，但感觉意境够了，就不再剥了。不要把什么都表现得很清楚，譬如我话“巫山渡头”，两边虚中间清楚，画中主要的东西就突出了。清楚是为了表现最精彩，最要强调的，含蓄是为了表现丰富；光清楚不含蓄不耐看，光含蓄不清楚又软弱无力，要把两者很好地结合起来，沈石田的画不含蓄，含蓄是和一览无余相对立的。京剧《平贵回窑》王宝钏出场时，薛平贵站在台上纹丝不动，古典戏曲中龙套不讲话，不动作，都是为了突出主体，画家要有这样的手段，一棵树可唱一出重头戏，深入观察，抓住细节，丰富它。相反，整座城市可以处理的很单纯，含蓄。单纯不等于简单，简单往往由于忽略细节，浮现掠影，观察不深入，深入观察房子也是有性格的。根据对象的特点，沿着对象的本质夸张，就付于了对象鲜明的个性，特点只能夸张，减弱了就平淡。

山水画要讲求明度，画前要明确最亮的地方在哪里，最黑的地方在哪里。要在整体中求明暗，局部无法决定明暗，明暗不完全取决于对象，更取决于主题。

马思聪说我的画黑是为了亮，说得很对。和对比相反的是“对吃”或“对消”，几种东西分量轻重一样，黑白明度一样，就达不到效果，画面无力的原因常常在于此，整体感是画家一辈子的事，为了把握整体，画面时切忌一个局部画完了，才画另一个局部，要整体地画，整体地加。 画山首先要看大的形式，再看大的转折，不要零碎，大的转折不清楚时，要仔细找出它的脉络来。画山要介于方圆之间，太圆会显得软。 树的关系是接若离，画树点叶要含蓄，不能太清楚，要在清楚中包含不清楚，一片树的处理要介于具体与不具体之间，往往突出几棵主要的，会显得既生动又无尽的感觉。 远山远水远树的处理，越远越要小心经意，要在简单的笔墨里表现空间、距离，要有远的感觉，随便乱抹几笔不行的。八大山的人物不要太正，太正就无神态。

——END——

 

 

何绍基（1799-1873），晚清诗人、画家、书法家。精通金石书画，以书法著称于世。誉为清代第一。

何绍基初习颜，中年博习南北朝书，笔法刚健，此期作品传世甚少。后致力分隶，汉魏名刻，无不深研熟密闭，临摹多至百本。偶为小篆，不顾及俗敷形，必以顿挫出之，宁拙毋巧。暮年眼疾，作书以意为之，笔轻墨燥，不若中年之沉着俊爽，每有笔未至而意到之妙。年尊望重，求书反多，故史年作品传世较多。尤以篆隶法写兰蕙竹石，寥寥数笔，金石书卷之气盎然。何氏博学多才，尤工于诗。

何绍基隶书集字《心经》

——END——

 

《欧体楷书间架结构习字帖》，柳溥庆、柳伦编撰，北京出版社

——END——

 

 不过是一张纸，却比人民币，更深入人心，甚至牵引魂魄。民国收藏大家张伯驹，即为这样的“纸”，穷尽毕生财力、物力、精力，在所不惜，足见书画艺术的魅力。书画，就是这么一张“神纸”，一旦爱上，便是一生的探索！

书画，旨在探索灵魂深处之“真、善、美”

与古人的画不同，现今的画，充满了功利目的，完全抛弃了书画作品所应该传达的“真、善、美”。很多书画家在艺术探索的过程中，捡得枯枝半叶，就迫不及待地拿出来卖钱。其实，从事书画真正的目的，是在传递“真、善、美”，而不是几分几毛，因为当书画家真正抓住“真、善、美”的时候，作品本身，已是无价之宝。这样的作品，才能净化人、洗涤人、升华人，让人们的灵魂干净、纯洁、高尚。

书画，旨在传达灵魂深处的真情实感

在艺术市场骗子横行的时代，灵魂枯竭。很多书画家的作品，流露出的不是真情实感，而是假大空以及谎言，来愚弄那些不懂艺术欣赏的“暴发户”、“投机商”、“文化流氓”等。这些都与书画艺术的初衷相悖，书画艺术只有流露出灵魂深处的真情实感，才能取得他的伟大地位。王羲之《兰亭序》、颜真卿《祭侄文稿》、范宽《溪山行旅图》等，无不是流露出真情实感而取得重大的艺术地位。

 

书画，旨在寻找最直白的语言

墨色、线条、意境等，构成了书画作品的语言。书画家只要找到适合自己的诉说方式即可。墨色的浓淡、变化；线条的力道、层次；意境的深浅……无不在表达着书画家的思想。爱上书画，就是利用墨色、线条、意境等像小孩子呀呀学语那般，找到最有水准的语句。