分类：未分类

王羲之《兰亭序》基本风格

文/陈振濂

关于王羲之书法的基本风格，历来都有定评。

虽说像《兰亭序》这样的真迹其可靠程度尚有疑问，但对大王书风的继往开来之功，却是无人能予以否定的。《兰亭序》，在真伪方面的争执，并不影响它是一本极优秀的学习范本，学习行书以它作为门径颇可收便捷快速之效。

与汉、西晋的其他书法作品相比，《兰亭序》书风的最明显特征即是它的用笔细腻和结构多变。

大王以前的墨迹如陆机《平复帖》、吴皇象《急就章》古拙可爱、平和淡怡，颇见内敛之功，但无清雅之巧。存世汉简中倒不乏笔画跌宕纵肆、变化丰富的作品，但在结构上又相对飘散而乏丽趣。

王羲之的功劳即在于他把自然的书风引向一个较为精练但又注重技巧华美特征的格局，从而确立了书法艺术强调对审美的主动把握这一时代的基调。在他以前，人们对此是不够重视的。

强调主动追求，强调风格的个性，强调技巧的丰富性，使《兰亭序》《奉橘帖》《得示帖》《丧乱帖》等体现了一脉相承的魏晋式审美风度。对于学习行书的同志而言，努力注重在这方面的追索与体察是十分重要的。

我们甚至不妨说，行书之学大王成功与否的标志即看学习者能否淋漓尽致地、深入细致地把宇帖中最细腻的用笔动作和线条效果表现出来。粗率的临摹决然得不到真谛，而丝丝入扣的体察与反映，则是熟练掌握大王书风的第一个步骤。因为《兰亭序》本身就是对以前书法作品的高层次发展，我称之为是从粗到细、从疏到密、从大概到精密、从拙朴到华美的审美发展。在唐人的书论中，大王式的风格被冠以一个纯粹爽义的词：“巧媚”。

《兰亭序》的成功之处是它在当时达到人所不及的技巧境界（当然还有风格境界），它对笔与纸的驾驭能力：那种运用自如、出神入化的技巧，在东晋以前是为人仰慕已久，而在当时也是同辈书家们所叹为观止的，它标志着书法从筚路蓝缕阶段走向艺术的成熟。而我们正是要学习这种成熟，因为我们希望能由此而进入书法（行书）的技巧王国。

《兰亭序》的“巧媚”与它的细腻特征，在与被翻刻的《圣教序》相比时呈现得更为明显。柔软的毛笔与坚硬的刀石相比，后者毕竟会更趋向规范化的处理，而这对细腻而言却是个大害。

于是，学《兰亭序》者似乎更应该注意和了解这一特定现象，把握正常学习方式。说学《兰亭》是因为它被封为“天下第一行书”，这自然是毫无意义的空泛话，艺术是没有“天下第一”的。但学《兰亭》是为了掌握它那种精巧的笔法，掌握尽可能多的技法语汇，这却是每个学书者应该建立起的学习观。

清末民初
涌现出了一大批书法名家
然而能够名闻一方
名载书法史的人毕竟少之又少
更多的书家被时代逐渐淡忘
……
那么他们的书法
作品流落何处呢

晚清有一个叫孙智敏的书者
年轻时曾高中进士
担任翰林院编修
1930年代他开始以卖字为生
他的字方正清秀，字如其人

孙智敏辞世后
他的家人和后辈
在此后的十数年
先后将他的数百幅
书法作品低价售出

如今
这些作品都被散落在民间
数量难以估算
……

孙智敏的书法作品

常常出现在一些售字网站

作品价格

相当亲民

孙智敏的书法
笔画清秀，字迹端庄
虽不是书法名家
一看就是饱学之士
这种规范和章法独特的字
值得了解和收藏

书法是一种文化，靠的是深厚文化底蕴去吸引人们视线，打动人们心灵，任何人为炒作都会事与愿违。

书法，如果静不心来刻苦临帖，只是忙于展览，忙于发表，忙于应酬，而品质数年一贯制，本想早日成名，结果弄巧成拙。任何艺术家，当然包括书法家，都要坐得起冷板凳，十年二十年在所不惜。假如为利益驱动，不在临帖上下功夫，而在宣传上打主意；不在理论上下功夫，而在关系上打主意。到头来，只能成为“社会活动家”，而不是书法家。钢铁是练出来的，美酒是酿出来的，书法是写出来的。 耐住寂寞写自己的字吧，研究一辈子书法，假如历史能够宽容大度地给你留下一幅字，甚至一个字，就胜过一百次展览，对已对人都很负责，今生足矣！

求怪，是不甘寂寞的常见表现

当今书坛，各种思潮、各种现象，各种希奇的流派，各种莫名的称谓，光怪陆离。在这种种“现象”面前，我们要保持清醒头脑，经得住诱惑，让自己的书法始终植根于传统，取法于经典。

现在书法界确实存在一种反常现象，假如你写一手传统的“颜柳欧赵”，也许真的获不了奖，参不了展，我觉得参展和获奖都不重要，我们学习书法不是为参展、获奖而学，一切有志于书法学习的战友，一定不要为了获奖、参展去扭曲自己的审美理想，审美趣味，跟着流行书体左右摇摆。“颜柳欧赵”等等这类传统的书法永远不会过时，学习这类经典书法永远不会错。把中国传统这棵千年大树连根拔起去新栽一棵是得不偿失的事。 我们提倡书法的儒雅书风，提倡书法的“中和之美”。历览古今书坛，古有王羲之、米芾父子，今有启功、林散之、沙孟海等等，个个都是儒雅之人，儒雅之字。

同时，我们也不反对百花齐放，百家登台，各种流派，共存共荣，异彩纷呈。但无论那一种流派，那一种创造，都必然出于真功夫，“功”从何来？传统为师，“勤”字当先！所谓“功到自然成”。努力吧，朋友们，用你们的勤劳和聪明写一手大众喜欢又高雅的漂亮书法吧。

按耐浮躁，书法安抚心灵

1976年2月，沙老说：“书为心画，心灵不美怎么能写出美的字来？”西汉学者杨雄说：“书为心画”。柳公权有闻名的“心正则笔正”之说。明末清初书法大家傅山也说，作字先作人，假如人格不高，字格就媚俗。杨守敬说：书法家“一要品高，品高则下笔妍雅，不落尘俗；一要学富，胸罗万有，书卷之气自然溢于行间。古之大家，莫不备此，断未有胸无点墨，而能超轶等伦者也”。朱和羹在他的《临池心解》一书中说：“书学不过一技耳，然立品是第一关头。

名人书法充斥着商业浮躁

品高者，一点一画，自有清刚雅正之气，品下者，虽激昂顿挫，俨然可观，而纵横刚暴，未免流露楮外”我们翻开中国书法史册，别的暂且不论，仅就宋代四大家来说，无论是苏（轼）字的天真安闲，还是黄（庭坚）字的纵横奇崛，无论是米字（芾）的迭宕多姿，还是蔡字（襄）的温厚敦实都与他们的人品和性格有着惊人的巧合，于是后人并有了“字如其人”之说。这些说法都为当今众多艺术家所接受。书法作为书法作者从心灵流淌出的琼浆玉液，他必须有一个美的心境，美的“场”。灿烂千余年的天下第一行书《兰亭序》，当年王羲之假如不是在天朗气清、惠风和畅的美丽环境和文人雅集、曲水和觞的和谐心境，而是在血雨腥风的战场，就不可能写出那样精妙绝伦、流传千古的佳构。征之以书法史，古代大书法家王羲之、颜真卿、苏轼等等，有英雄、有忠烈、有贤臣，人品书品俱高者比比皆是。

书法是情感的宠儿，需耐心呵护、培育

书法创作，不仅仅写古人法帖中我们所能见到的世界，而是写我们心灵中所感受到的世界。毕加索有句名言“我不是画猫的本身，我画它的微笑”。猫的本身多么单调乏味，猫的微笑却是可以画出的千变万化的艺术感受。写心灵的情感，在中国并不生疏，所谓“胸有成竹”、“心中要有千山万壑”。“胸中之竹”和“心中的千山万壑”都是心灵之物，都是情感之物。古代的西方艺术家大都注重写实，在“形”上做文章，很难成就大业。到了二十世纪这一百年，西方艺术家为什么创造了那么的重要流派，产生了那么多的艺术大师，一个重要原因就是他们追求到了表现心灵的感受，展示情感的世界，而不是一味地强调形似、强调客观世界的再现，而是重在表现艺术家内心的主观世界。

书法作品是书法家心灵的构置件。书法意境的创造带有书法家浓重的感情色彩。只有在作品中倾注感情，点画线条才有生命力，才能流美传神，才能驾起作者与欣赏者之间的感情桥梁。 书法创作有时能让我发狂。拿起毛笔，一个个字，飞恕般地以各种形态飘散在我的脑际。有时像不明飞行物一样，呼啸而来，闪着奇异的光线，变幻着各种形态，让你有一丝惧怕，满腔惊喜。意境是书法的灵魂，感情是意境的灵魂。只有用吟诗作词、放声高歌的昂扬激情，让情感掀起波涛，撞击心灵，涌向笔端，才能创作出外形润美，内寓刚劲、意境超逸的作品，绵延数千年的中国书法，正因为情随人异，情随地异，书法才有了千种风流，万般意境。书苑才出现了波诡云谲，变化莫测的笔墨品类和千古流芳的翰墨丰碑。

——END——

魏碑《元羽墓志》，1919年河南洛阳出土墓志高一尺八寸，广一尺六寸，景明二年（公元501年）七月刻。墓志有楷书十三行，行十五字，文辞书体均极精劲。石刻现存中国历史博物馆。

立于北魏宣武帝景明二年。元羽为北碑王室，因此墓石字体优美，刻工极精细，笔画方折峻厉，而亦参用圆笔，直画收笔多做悬针形，凝练端整气息足以并驾张猛龙碑，浑脱北朝粗犷之风。

 

 

林散之（1898.11.20-1989.12.6），名霖，又名以霖，字散之，号三痴、左耳、江上老人等，生于江苏南京市江浦县，祖籍安徽省和县乌江镇七颗松村庄，诗人、书画家，尤擅草书。林散之是“大器晚成”的典型，1972年中日书法交流选拔时一举成名，赵朴初、启功等称之诗、书、画“当代三绝”，与李志敏并称“南林北李”，被誉为“草圣”，林散之草书被称之为“林体”。

林散之草书极讲究用墨干、湿、浓、淡的变化，精彩处不让古人。林散之谈用墨讲究辩证关系，如力求从枯笔中写出润来，黑大方圆者谓之枯等。看似矛盾的墨色关系，其实蕴含着精神气韵上的内在联系，卫夫人《笔阵图》：“多肉微骨者，谓之墨猪”，即是讲浓墨肥笔写出的字绵软缺乏神气。下面请看林散之谈书法如何用墨：

写字要有墨法。浓墨、淡墨、枯墨都要有。字“枯”不是墨浓墨少的问题。

墨有焦墨、浓墨、渴墨、积墨、宿墨、破墨之分，加上渍水深浅干润，变化无穷。“运用之妙，妙乎一心。”

多搞墨是死的,要惜墨如金。

林散之作品

把墨放上去，极浓与极干的放在一起就好看，没得墨，里面起丝丝，枯笔感到润。墨深了，反而枯。枯不是墨浓墨淡。

  怀素能于无墨中求笔，在枯墨中写出润来，筋骨血肉就在其中了。

怀素《自叙帖》

王铎用干笔蘸重墨写，一笔写是一个字，别人这样就没有办法写了，所谓入木三分就是指此。

早年闻张栗庵师说：“字之黑大方圆者为枯，而干瘦遒挺者为润。”误以为是说反话，七十岁后，我才悟看字着重精神，墨重笔圆而乏神气，得不谓之枯耶？墨淡而笔干，神旺气足，一片浑茫，能不谓之润乎？

   笪重光：“磨墨欲熟，破水写之则活。”熟，就是磨得很浓，然后蘸水写，就活了。光用浓墨，把笔裹住了，甩不开。

——选自《林散之比谈书法》

梅清（1623—1697年），原名士羲，后改梅清，字渊公，号瞿山、敬亭山农，宣城（今属安徽省）人。清初画家、诗人。工诗善画，以画山水、松石、梅花著称，时有“画山水入妙品”，“松入神品”，画梅花“枝干奇古”之评。山水画大多是黄山景致，风格雄奇豪放，为宣城地区画坛领袖。梅清的山水画远承宋元诸家的遗绪，近学“元四家”和沈周的笔墨技法，又尝与石涛相互切磋画艺，故功力尤深。他的创作最重师法自然，曾在各地游历名山大川，终日面对青山描摹写生。黄山和家乡宣城是梅清绘画中最着力表现的题材。著有《天延阁集》、《梅氏诗略》等书。   

梅清 憺园图卷 天津博物馆藏

梅清黄山图 故宫博物院藏

　　《黄山图》轴，清，梅清绘，纸本，设色，纵183.8cm，横48.8cm。
　　图绘被世人称为“黄山绝胜处”的文殊台。群峰松林以平行的斜线构成，白云蒸腾而上，气势雄浑。作者用豪放、泼辣的笔法突出了黄山奇、峻、险、秀的意境，山石以皴勾画，繁而不乱，松树枝叶墨气浓郁，独树一帜，别开生面。
　　本幅自题诗一首，款署：“瞿山梅清并题”，钤“瞿山清”白文印、“渊公”朱文印。

梅清白龙潭图 故宫博物院藏

　　《白龙潭图》轴，清，梅清绘，纸本，设色，纵183.1cm，横48.9cm。
　　自题：“苍松翠壁瀑声奇，六月来游暑不知。仙子真踪无处觅，白龙潭上立多时。白龙潭摹松雪笔意，瞿山梅清并题。”钤“瞿硎清”、“渊公”印。 
　　梅清曾经游历黄山，并陶醉于其烟云变幻、奇伟瑰丽的迷人景色，因而创作了许多表现黄山胜景的作品。
　　图中所绘为黄山北部松岩溪中五龙潭之一的白龙潭。因雨量充沛，黄山形成了形态各异的水景，河溪、瀑布、深潭往往相互串连，形成黄山最有生命力的景观。梅清绘黄山时从写生入手，又加入自己的主观感受，再以豪放、泼辣的用笔突出黄山奇、峻、险、秀的意境，展示了其雄浑奔放与清秀空灵兼具的绘画风格，给人以强烈的艺术感染。　　　
　　作者构图亦极为讲究，顶天立地式的布局突出了瀑布飞流直下的雄壮气势。几组枝繁叶茂的松树掩映于瀑布的首尾两端，避免了直白的艺术表现，从侧面烘托了画面气氛。用浓重的笔墨点染瀑布两边的石壁，其余部分留出空白，增加了画面的空间感。巧妙的构图、变化有致的笔法、浓淡相宜的墨色使得画面丰满完整而不显杂乱。

梅清高山流水图 故宫博物院藏

　　《高山流水图》轴，清，梅清绘，纸本，墨笔，纵249.5cm，横121cm。
　　图绘景象奇伟的山川之貌，陡峭的山石于群峰中傲然而立，如练的瀑布从山壁上飞流而下。瀑布与山峦点明高山流水的主题，亦营造出清幽疏旷的意境。款题虽言系仿“石田老人笔意”（沈周）之作，但体现出的完全是梅氏晚年粗笔皴擦、焦墨点苔、笔力老健的画风特点。
　　款署：“高山流水。仿石田老人笔意。甲戌中秋前一日，瞿山梅清时年七十有二。”钤“矍硎清”白文印、“渊公”朱文印、“老去看山眼倍青”白文印、“天延阁图书”朱文印。鉴藏印有“槃斋秘玩”等。
　　“甲戌”是清康熙三十三年（1649年），梅清时年72岁。

梅清莲花峰图 故宫博物院藏

　　《莲花峰图》轴，清，梅清绘，纸本，设色，纵183.3cm，横49cm。
　　梅清一生曾七次寓居黄山脚下的汤泉，两次攀游黄山，并陶醉于其烟云变幻、奇伟瑰丽的迷人景色之中，因而创作了许多表现黄山胜景的作品。
　　图中所绘为黄山三大主峰中最高的莲花峰。构思奇险，以纵向取势显现出峰峦陡壑的苍秀之美。峰下群松环翠，诗意清绝。全幅用笔雄健粗放，墨色浑厚华滋，是梅清所绘黄山题材画中的代表作。

 

梅清黃山天都峰图 184.2×48.8cn辽宁省博物館藏

　　天都峰为黄山三大主峰之一。古时有“群仙所都”之称，意为天上都会，故名。此峰卓立地表，险峭雄奇，气势博大，最为雄伟壮丽。
　　图中天都峰陡立奇险，冲出云天，山腰间云气缭绕，矮岩上的古寺为林木掩映，两位文士静立观赏山的峻峭与云的变幻。在艺术表现手法上，画家突出表现天都峰奇险雄秀的气势而不求形似，通过顶天立地式的布局与弥漫山间的浮云相配合，从侧面烘托了画面气氛，避免直白的艺术表现，增加了观者的空间感，展示出兼具雄浑奔放和清秀空灵的绘画风格，给人以强烈的艺术感染。此外，墨色的浓淡相宜既显示了画家非比寻常的绘画技巧，也使得画面完整而统一，没有杂乱无章之感。

最近
田英章弟子退师事件闹得沸沸扬扬
一则田英章的回应音频更是将其推上风口浪尖
从“只能学田楷”
到
早年的封建拜师视频
无不令人议论纷纷

近日
田英章在微博与朋友圈
就弟子们写什么书体问题
和田英章全国书院教学的问题
正式发表如下文字声明
值得注意的是
田英章此声明写于日本东京

 1、我本人，只有楷书算作一个长项，既然徒弟们要拜我为师，先把师父的长项学到手，我想这应该是天经地义的，否则拜师到底是为了什么？作为徒弟总不能连师父的皮毛还没学到，就妄图改弦易辙、另寻他境吧?！须知浅尝辄止、见异思迁，应该是学书之大忌，作为我的徒弟，万万不可有。我作为师父有责任提醒各位弟子，也有必要如此要求各位。

当徒弟把师父的本事学到一个较高的阶段水平后，我自然会要求这些徒弟要广揽博收，兼收并蓄，欲穷千里，更上层楼。比如，我常常嘱咐祝金廷、荆霄鹏、李淼等楷书水平较高的徒弟，应该在赵体行书上多下功夫，因为赵体行书最为接近欧楷，写好赵体行书，会大大地丰富和辅佐我们自己的欧体楷书。作为师父，这样的许可，是指的在楷书方面，已经达到一定水平的徒弟。对于楷书水平较差的徒弟，还应该跟着我好好学习楷书，不可过早的涉猎其他书体，特别是不能涉猎现代人的书体，否则这些徒弟将会是邯郸学步、竹篮打水、一事无成，我这是对众弟子应负的责任。

2、作为田英章书院，如果不教田英章书法，那田英章这个名字是干什么用的呢?拉大旗作虎皮吗？我田英章也不够大旗的资格呀?比我水平高，比我名气大的古今名家多的是，干嘛要用我的名字呢？既然是田英章书院，就应该有田英章书法这一席地位，舍弃田英章书法而顾其他，名不副实暂可不论，也有坑骗之嫌呀。

但是我并不主张一个书院全部都是教授我的书体，单纯教授我的书体，不仅会影响生源，也无法使学生们学到更多东西。所以我们应该在古人的真、草、隶、篆法书中寻找选择适合我们教学的素材，以开阔学生视野，增大学习范围，兼收并蓄，博采众长。但是，作为田英章书院，田英章的书体作为基本教材，应该是合理的。用我的书体给初学者打打基础，既符合田英章书院办院原则，也不失为一种较好教学机制。

眼下，一些别有用心的人，编改了我的一些讲话录音，又缩编成只言片语，意在诋毁，各位弟子和书友，大可忽略不计。作为学子，把字写好才是硬道理！

    田英章

                                                                        2018年5月14日于日本东京

藝恩山房

作者 书法孔见

冯保，明代宦官。冯保于嘉靖年间入宫，历经嘉靖、隆庆、万历三朝。穆宗驾崩时为顾命大臣。冯保主政时，曾支持张居正推行的“一条鞭”法，使大明政权一度复苏。然而，因之前的不少恩怨，明神宗对他忌恨，将他放逐到南京病死。冯保文化素养较高，善制琴，琴艺高超。其书法也不错，留在《清明上河图》上的题跋，应在太监历史中居数一数二水平。

冯保书法：《清明上河图》题跋

（局部）

作品背景概述

《寒食诗帖》不仅是宋代大书法家苏轼个人书法生涯中最为精彩的代表作品之一，也是中国书法史尤其是行草书法发展史上的里程碑式的重要作品。后人将其与东晋王羲之的《兰亭序》、唐颜真卿的《祭侄文稿》相并称，誉为“天下第三行书”，这里的“第一”、“第二”、“第三”其实是指年代顺序的前后，而不能简单地理解为其艺术水平的高下分别。因此，学习和考察宋代尚意书风乃研究自“二王”以来行书艺术风格流派的发展演化，就无法绕过《寒食帖》。

作品意境解读

此作为宋元丰五年亦即公元1082年苏轼被贬黄州时写下的两首诗稿，纸本，原件现藏台北故宫。是年三月清明时节，苏轼自黄州至沙湖，再游蕲水，作了一次短暂的春游，无非是身遭磨难苦中作乐而已。在如此困顿无助的日子里，还保持着文人的童心雅趣，对生命充满着赤诚热爱，这是苏轼性格中的可爱之处。正因为如此，也才有了这件诗书双璧的《寒食诗帖》。这是两首诗，自“自我来黄州”至“病起须已白”为第一首，“春江欲入户”至“死灰吹不起”为第二首。作者在诗中描述了自汴京被贬黄州三年来悲苦惨凄的生活境况，抒发了其欲哭无泪徒叹奈何的感伤情怀。因此，我们不能把这件作品简单地看作一件墨迹，一幅“好字”，在我们动笔临写之前，要认真地品读诗句内容，仔细体味作者的情感与心境，感受作者彼时彼地濡墨挥毫时的生命律动。品读体味既久，我们便会在不知不觉中慢慢地拉近了与作者的距离，直觉得作者就是我们身边的一位慈祥长者，向我们诉说着命运的不幸与激愤，满篇的点画线条也就与我们产生了一种亲近感，在我们眼前“活”起来了。

基于这样的阅读体验，我们再来从整幅的章法布局进一步来理解苏轼此作笔墨的不凡之处。第一首诗着重叙述，“自我来黄州，已过三寒食”，且年年苦雨，以至“病起须已白”。情感是低沉的，笔墨的律动也是平实而低缓的，第四、第五行稍作起伏，第六、第七行即归平静。

相比之下第二首则颇为激昂悲怆，“春江欲入户”至“空疱煮寒菜”三行用笔迅疾、劲爽、猛利，仿佛一首乐曲在即将推向高潮之前的铺垫酝酿，至第十一行“破灶烧湿草”则如整首乐曲的最强音骤然响起，一下子使作者激愤悲凄的情感心绪得到了淋漓的暴发与宣泄。接下来的几行此起彼伏层层递进，困厄的日子让人竟忘记了祭祖烧纸的寒食节日，看到飞鸟衔纸远去，才想到已是清明节了，一位昔日出入宫廷的重臣，一个才高八斗的文人，此时却谪居他乡离家万里，此情此景怎么不触动诗人那颗敏感的心，思念家乡，想念亲人和先辈，忍不住“也拟哭途穷，死灰吹不起”，已然是去国怀乡欲哭无泪了。可见这件千年不朽之作的特殊意义绝不仅仅在于其笔墨的精妙，而更在于其诗情墨韵与作者人格修为的和谐统一，这是作者以一颗悲悯“大心”对人类永恒情感的写意与舒怀，因此而具有了一种千年不泯的强烈的艺术感染力。

诗作与书作意境关联

我们不能把对苏轼诗文的理解简单地照搬套用到对其书法艺术的理解上，对书写内容的理解不能代替对书法艺术本体的认识。

作为书法家的苏轼，是宋代尚意书风的倡导者与实践者，他所提出的“自出新意，不践古人”，“无意于佳乃佳”的艺术观点对宋代乃至以后的行草书风影响巨大。一个“意”字，让我们自然联想到诸如“意趣”、“意味”、“意态”、“意境”等审美形象的意趣情味。熊秉明在《中国书法理论体系》中将其解释为“一种恬静、愉悦的创作”，强调的是一种创作中的抒情性，这是颇为准确的。

立足于这样的艺术主场，苏轼在用笔的技巧方面则较之前辈如“尚法”的唐人更为轻松自然，更推重适性自由。这就不能不说到他那与众不同的执笔法—偃卧笔法。何谓“偃卧”？《说文》这样解释：“偃：僵也。凡仰仆曰偃。”其好友陈师道应该是非常熟悉苏轼执笔的，他这样描述：“东坡作书以手抵案，使腕不动为法。”

可见，“僵”即是“不动”之意，“仰仆”是指毛笔的锋毫与纸面成一定倾斜角度，而不是直立式的，运笔时毛笔的毫端自然就常常处于偃卧状态。“以手抵案”，则是说其执笔是很低的，枕腕并不悬腕。因为枕腕书写，故而只能以运指为主，毛笔锋颖的回旋余地相对要狭小许多。

这种执笔方法的优点是线条点画的挥写十分肯定平实，爽健酣畅，如“年”、“中”、“苇”、“纸”四字中的悬针竖，写来十分猛利刚烈，畅快淋漓，且破解了苏字喜作扁势的沉闷压抑之感，在整幅作品中起到了画龙点睛的作用。不足之处则是结体时见促迫而不够舒展。黄庭坚挖苦苏字如“石压虾蟆”，并说：“或云东坡作戈多成病笔，又腕着而笔卧，故左秀而右枯。”

董其昌在其《画禅室随笔》中也说：“坡公书多偃笔，亦是一病。”因此，我们在临写此帖时，不能不注意这些特点，要熟悉苏轼这种较为特殊的用笔方法，既要力求临写得像，形神兼备；又不可东施笑颦，徒摹其皮相，最后神采捕捉不到，反落下一堆毛病。

对临《寒食帖》四大要点

我们知道，临帖含有“对临”和“意临”。我们先说对临，具体来说要特别注意以下几方面：

1，对典型偃卧笔势的点画，如“来”、“黄”、“两”、“烧”、“那”、“死”等字临写时，不可因过度求似而导致点画臃肿无神，运笔时应适度提笔缓行，尤其撇画转斩处要适当收束。

2，字型多取扁势，且左低右高、左舒右蹙，呈倾斜状。横画起笔处多用顺锋，不藏。临写时要把握好这些特点，行笔要力求斩截，平实，勿使尖峭、疲弱。另外，也间杂一些结体纵长的字，如第二行的“年”字，第五行的“中”字，第十行的“里”字及第十一行的“灶”、“苇”字，十三行的“纸”字等，与通篇以扁横取势的整体基调恰好形成了鲜明的对比，富于变化。临写时要注意这些变化，特别是“年”、“中”、“苇”、“纸”四字的悬针竖，要笔沉墨实力量饱满一气贯下，表现出一种不可遏止的气势，一泻千里，痛快淋漓。

3，注意字形的大小变化，此帖字形的大小变化较大，反差强烈，小者如“已”、“去”、“又”、“雨”、“白”、“万里”等，大者如“年”、“破灶”、“途穷”等，相差数倍乃至十数倍，间杂错落，仿佛大珠小珠落玉盘，自然生动。临写时，注意小者要充分利用锋颖的尖部，力求灵动自如；大者要落笔果断、狠重，做到力量饱满，情感内含。

4，此帖章法的突出特点是字距紧而行距松，如第四、第五、第九、第十、第十一、第十四行，字与字之间几乎不留缝隙，尤其四个悬针竖底端与下面的字几乎穿插在一起，这在历代名帖中都是极为少见的，这种紧张压抑的空间氛围与作者诗中的情感基调是十分契合的，临写时应仔细体味把握。此外，也要注意每行轴线的正斜摆动和行与行之间的疏紧变化，这种变化使作品整体充满强烈的节奏感，如第一行“黄州”二字斜向右下，“三寒”二字又斜向左下，第八行也是先右后左，第十三行“衔纸君门深”斜向左，而第十五行则又斜向右下，收紧。

从行距变化看，前七行亦即第一首诗较为均匀，自第八行开始，则忽松忽紧，随势生发，动感强烈。在对临时，除了要把握以上几个方面外，在工具与材料的选择上也应注意要尽量选用狼毫或加健的兼毫笔，纸则宜选用半生半熟的仿古纸，以便控制墨的过度渗化。

意临《寒食帖》同样重要

临写此帖，写实的对临是十分必要的，否则我们就无法体会原帖细节的精妙之处，无法解决学古人的技法技巧问题。

但是，学习《寒食帖》，就其似与不似之间的意临更有意义，理由是：

其一，行草书与楷篆隶静态书体不同，动感极强，书写过程中必然要保持一定的行笔速度，随势赋形、随形生势都是极其自然的，很难使临写与原帖做到毫厘不差，正如黄庭坚在此帖后的跋语所说：“试使东坡复为之，未必及此也。”

其二，苏轼的用笔方法较为特殊，这种低执管的三指“偃卧”笔法，在苏轼那里也许是歪打正着的“化腐朽为神奇”，在我们来说，则可能变成一种毛病，起码不符合我们大多数人的执笔习惯，刻意模仿实在没有必要。其三，学书应以古人为宾我为主，这是前辈的经验，临帖终究是手段而不是目的，从对古人经典碑帖的体味、理解与临习中悟到一种启迪，找到一种方法，练出一套技法运用到我们自己的书写和创作中去，才是我们最根本的目的，才是最有意义的。

自从《宰相刘罗锅》热播后，戏中那个长得有点对不起观众的“刘罗锅”——刘墉，成了妇孺皆知的人物。历史上真实的刘墉，可没有子虚乌有的罗锅，是清朝乾嘉时期的政治家，还是著名书法家和诗人。

刘墉《临陆游与明远书帖扇》

刘墉博通经史百家，他的书法，不随俗，初从赵孟頫入，法魏晋，学钟繇，兼颜真卿、苏轼及各家法帖，但他敢于创新，不受古人牢笼，貌丰骨劲，味厚神藏，超然独出，自成一家，名满天下， 政治文章皆为所掩。

刘墉的书法，初看圆软轻滑，若团团棉花。细审则骨骼分明，内含刚劲。刘墉书法之境界可以“静”、“淡 ”、“清”三字概括，这是他超过常人之处。他与喜用淡墨的王文治成鲜明对照，有“浓墨宰相”之美称。

刘墉行书轴冷金笺

乾隆皇帝酷爱书法，对书法家要求严谨规范，独宠“馆阁体”， 帖学风行，翁方纲、梁同书、王文治等人书法风靡一时，但扼杀了书法艺术的个性。刘墉敢于突破传统的写法，受到了当时的一些思想保守的书法家的指责，翁方纲就是其中的一个。

翁方纲行书题画诗轴

翁方纲有一个女婿是刘墉的学生，看岳父练字写的还是他练了一辈子的字体，一笔一画都完全按古人的要求，不改动一笔。这个学生就拐弯抹角地说：“岳父，您和我的老师都是当代的大书法家，我从来没有听您评论我的老师的书法。您今天给我谈谈吧！”

翁方纲放下笔，看了看他的女婿，说：“你回去问你的老师，他写的字哪一笔是古人的？”

这个学生真的回去问老师。刘墉笑了笑说：“你回去也问你的岳父，他写的字哪一笔是他自己的？”

这互相间的问话，反映了他们对待书法艺术的不同见解，一个守旧，一个创新。后来这个故事成了书法史上的佳话。

刘墉《小楷临古诗文页》

据说刘墉握笔的姿势也是很奇特的。他在客人面前写字的时候，笔正腕端，采用传统的握笔方法。但是，他自己在内室书房写字的时候，就不论写大字写小字，都转动笔管，飞快地书写。笔随手指前后左右旋翻飞动，像狮子滚绣球一样。他写得兴奋的时候，甚至笔管脱手飞落到地上。可惜，这种方法没有传下来。

刘墉《行书录苏轼南堂诗轴》

刘墉的书法造诣如此之高，离不开毕生的努力和渊博的学识，除此之外，更需要过人的天赋。

但乾隆年间居然有人能代笔刘墉的书法，而且可以以假乱真，让人惊诧的代笔之人不是当时的书法名家，而是刘墉先生自己家里的小妾。更不可思议的是，有三个小妾可以代笔，逆天了！

清人包世臣《艺舟双楫》中记：“诸城(指刘墉)有摄夫人黄氏，嘉兴人，笔势极似，惟工整已甚，较诸城疏散韵味微减耳。诸城晚书多出黄手，小真竟至莫辨。有家书个册，黄夫人原书后，诸城批答，皆绝妙，世人罕有知者。”

近人马宗霍《书林纪事》称：“石庵（刘墉号）有三姬，皆能代笔，可乱真，外人不能辨，晚年书代笔最多。其但署名‘石庵’二字及用长脚‘石庵’印者皆代笔，署‘瑛梦禅’亦其一也。”

能把小妾培养成书法家，还一口气培养了三个，刘墉先生可谓书法史上最优秀的培训老师啊。

刘墉《行书四言联》