体现在张旭、怀素草书中的超迈精神,被作为一种备受推崇的价值,是盛唐咏草诗反复歌咏的主题。李泽厚指出,盛唐书法是书法史上的浪漫主义高峰,孙过庭《书谱》所强调的“达其性情,形其哀乐”,“随心所欲,便以为姿”的抒情性,在这个时期达到了高度的自觉,草书家“明确把书法作为抒情达性的艺术手段,自觉强调书法作为表情艺术的特性,并将这一点提到与诗歌并行,与自然同美的理论高度:‘情动形言,取;阳舒阴惨,本乎天地之心。’。”至于狂草的创造精神,则“深刻地反映着前述那整个一代初露头角的知识分子的情感、要求和向往:他们要求突破各种传统约束羁勒,他们渴望建功立业,猎取功名富贵,进入社会上层······他们抱负满怀,纵情欢乐,傲岸不驯,恣意反抗······而所有这些,又恰恰只有当他们这个阶级在走上坡路,整个社会处于欣欣向荣并无束缚的历史时期,才可能存在。”

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唐的题壁草书今已不存,但我们从张旭的《断碑千字文》《古诗四帖》和怀素《自叙帖》中,仍可看出狂草所具有的一些典型特征。就用笔来说,张旭的《断碑千字文》《古诗四帖》中侧锋并用,使转之间有“锥划沙”“屋漏痕”之妙,线条具有很强的体量感。在结体上,张旭草书较为宽博,最大限度地发挥了字内空间分割的自由度,造型往往出乎意料。通篇字形大小变化强烈,线条粗细转换自然而又对比丰富。字形连绵处则极尽“一笔书”之势,出现了大量多字间的连绵,甚至通行的连绵,在线条的连断之间,形成了势的张力。在行列方面,这两件作品每行的天地头敞开,无齐平之弊,极尽参差错落之致,行与行之间则疏密不定。行内轴线虽以直贯为主,但又有少数整体左倾的斜行穿插其中,形成了微妙的奇正关系。通过独特的用笔,极佳的线质感变化莫测的笔势和结体,再加上丰富的行间关系,张旭作品通篇有一种凤翥龙翔的超然之态。

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作为盛唐狂草的另一重镇,怀素在章法处理上较张旭更为狂放。从他的《自叙帖》来看,字形大小对比强烈,行内中轴线转折变化丰富,在行间形成了犬牙交错的内心追求的空白空间,笔势凌厉迅捷,神完气足。唐人称怀素草书有“骤雨旋风,奔设走虺”之势,信为不虚。

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当然,狂草并非止于唐代。在其后的北宋时期,受张旭尤其是怀素的影响,黄庭坚的一些草书作品(如《诸上座帖》)同样体现出狂草那种强烈的构成张力。至于晚明,作为传统帖学的最后一个辉煌期,以徐渭、王铎、傅山为代表的书家所创作的大轴巨幛草书,则是在新的思想风气的浸染下,呈现出了新的狂草旨趣。尚“奇”是晚明书法普遍的精神特征。董其昌说:“古人作字,必不作正局,盖以奇为正····余学书三十年,见此耳。”又说,书以绝奇,此窃惟颜鲁公、杨少师得之,赵吴兴弗解也。”(《画禅室随笔》)在董其昌看来,只有领悟了“奇”,才能从古人法书中脱胎出来。董其昌在观念上拈出一个“奇”字,王铎则在创作实践中抓抓了一个“势”字,“极其势”是王铎给自己设定的超越路向:“盖字必先成局于胸中····至临写之时,神气挥洒而出,不主故常,无一定法,乃极势耳。”(《王烟客先生集》)糅合二王、张旭、怀素、米芾等人的经典笔法,王铎将草书欹正相生的体势发挥到了极致。他的草书作品,语汇上的丰富性是空前的,通过对结体、字组、行间、余白、墨法、落款等形式要素的娴熟而富于创造性的运用,体现出了强烈的构成意识。

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徐渭草书是晚明草书的一个特例。从现存的一些徐渭作品可以看出,虽然字形大致是行书,较少用简省的草书符号,但他那盘纾跌宕的点画,激昂振迅的的笔势,却与唐代草的精神风气相同。就此而言,我们可以认为,对狂草而言,关键的问题并不在于草书符号的使用,而在于那驱动笔势运动的饱满激情。因此,对当代的草书创作而言,徐渭以“行”为“草”的经验向我们提供了重要的启示:作品中的情感节奏是决定草书是否有“草情”“草性”的关键因素,仅仅书写草书符号,未必就称得上是草书,更不用说狂草了。

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“草情”之外,在狂草创作中,需要引起高度重视的是法度问题。狂草一方面是形和势变化的极致,另一方面也是法度的极致,是遵循法度与跳出法度的矛盾对立统一,是正书传统与草书创造的矛盾统一,是感性与理性的矛盾统一。关于这一点,古人多有阐述。早在魏晋时期,卫恒就在《四体书势》中称张芝:“下笔必为楷则”;唐代的颜真卿则称张旭:“虽姿性颠逸,超绝古今,而楷法精详,特为真正”(《怀素上草书序》,而代的包世臣也说:“右军作真如草,大令作草如真”(《艺舟双楫》)。透过这些品评理念,我们可以看出,对于草书,前人所反复强调的是法度的重要性。就书体而言,真书法度谨严,其结体用笔的规律性相对容易理解一些,但草书尤其是狂草则不然,由于字形相对于正书,有大量出乎意料的变形,在经典狂草作品中,法度往往处在一种若合若离的临界状态。而事实上,衡量这种变形是否合度的标准,和正书的法度具有高度的一致性。与此相关的另一问题是势的问题。古人的狂草的确富于连绵盘旋之势,但仔细观察就会发现,古人并非是一味连绵,而是循着点画的运行之势或连或断。其中有明确的点画意识,否则,为连绵而连绵,必然出现雷同和重复的连绵符号,也必然在草书中失去点画生成的生命感觉。

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狂草是书法这顶皇冠上的明珠,因为狂草的出现,书法的章法观念、形式观念发生了深刻的变化。以极致化地追求点画、笔势的情感、节奏,以及平面空间内的笔墨造型张力为特征,狂草成为了能充分体现抽象精神和追求情感表现力的标志性书体。对书法家而言,写草书,写狂草始终是一大诱惑,但也必须充分认识到,草书自有草书之理,天马行空地任笔为体,是无法创作出具有艺术感染力的草书作品的。取会风之意,既需充分调动主体情感,时也需法度作其坚实的基础和保障。

历来书画家之创作,主张“以意为主”,意造境生。康定斯基说“艺术作品必须在人内心较深之处激起回响”。书法,“渗情入法”,必须通过摄情达意方能使观者在“不尽之境”中受到感染。

宋人晁补之谓:“学书在法,而其妙在人。法,可以人人而传;而妙,必在胸中之所独得。”中国历史的积淀长期形成了衍化传统、具有民族特色的人文精神。

作为表达艺术家人格理想的书法艺术,艺术创作的心理体验是艺术家心灵与时代人文精神的交融契合。——言恭达《抱云堂艺思录》

 

微信图片_20181127165345张旭《古诗四帖》局部

言恭达先生强调“书法,‘渗情入法’”“学书在法,而其妙在人”,实则是指出了书法创作中“法”与“意”的辩证关系。

关于“意”“法”之关系,前人多有论述,如崔瑗的《草书势》阐释了草书的意趣和法度:“放逸生奇”“一画不可移”。“放逸生奇”是崔瑗对草书细腻体察的感受,也是书者情绪和意志的表现;“一画不可移”是指草书要有严谨的法度。

 

微信图片_20181127165348王羲之《得示帖》摹本

在草书创作中强调意多于法,“法”不可相辅相成,而不相悖相害,这也是学草书者所应该厘清和掌握的。崔瑗关于草书“意”和“法”的阐释对后世有着较深的影响,刘熙载认为其“然两言津逮,足当妙迹已多矣”。

刘熙载《书概》:“书虽重法,然意乃法之所受命也”,他在《游艺约言》中也有类似的表达:“作文、作诗、作书,皆须兼意与法。任意废法,任法废意,均无是处。” 可知刘熙载在书法审美上是主张意法兼顾,且意重于法。

微信图_20181127165352五代 杨凝式 韭花帖

冯班《钝吟书要》:“宋人作书,多取新意,然意须从本领中来。”冯氏所说的“本领”即是学问与法度。如果书法创作不讲规律,无视法度,那么学的就是野狐禅,走的也是江湖路。

可如果把规律当程式,拘于程式的运用,这样的法度也就成了束缚人个性的障碍,书法作品也就失去应有的情趣和气韵。关于“法度”,赵冷月有过深刻的认识:

“长期以来,许多人都把规范化与书法的法度等同起来,认为没有前者也就没有后者,我不苟同。事实上,法度有一种随机性,存在着变幻,蕴含着生命力。而法一旦被规范化,就没有了随机性和生命力,这样的书法便是美术化了。真正的法度,无论是关于用笔还是章法,都忽隐忽现于历代书家的大手笔之中,我们可以从中感受到一些原则化的东西。

我想,对法度的误识,很容易把人引入危险的漩涡之中,而难以自拔。我便是自此入而又艰难地由此出的,于是,找到一片属于自己的艺术天地。我对书法法度认识的超越过程,与自己艺术水准的提高是同步的。”

微信图片_20181127165354王羲之《快雪时晴帖》

石涛说“无法之法,乃为至法”,余以为“无法”不是不要法度,而是不要机械地、教条地运用法度,而是要知晓法度的根源,用其核心精神去探索、去创造。张怀瓘说:“圣人不碍滞于物,万法不定,殊途同归,神智无方而妙有,用得其法而不著,至于无法,可谓得矣。”

张旭的草书可谓无拘无束、大胆放任、痛快之至,可见其有过人之处——深谙“意”出于“法”,如此意性极强的草书作品则是出于他能写出严谨楷书的缘故。

微信图片_20181127165356颜真卿 《麻姑仙坛记》

董逌在《广川书跋》有所分析:“及《郎官记》,则备尽楷法,隐约深严,筋脉结密,毫发不失。乃知楷法之严如此而放乎神者,天解也。夫守法度者至严,则能出乎法度者至纵而不可拘矣!”。

书法何以做到意法兼顾、意重于法?言恭达先生高屋建瓴地指出:“必须通过摄情达意方能使观者在‘不尽之境’中受到感染”,即书法要渗情入法”。

 

书法点画线条中节奏的呈现,除了用笔之外,还有赖于墨色之助。

在酣畅淋漓的墨色氤氲中,书法家和画家一样,成就了一个气化流动、虚灵缥缈的艺术空间。在中国书法家看来,墨和气的关系十分紧密,墨的世界就是气的世界。“氤氲”原指天地阴阳二气交感,孕育动荡和流动的混沌状态。

这种状态,也就是作为万物本原而又混沌的一种运动状态。墨的世界,之所以能幻化出一个生意盎然的世界,与中国传统哲学中的气化哲学密切相关。

微信图片_20181126154401▲ 蔡羽 行书扇面

在书法中,墨气主要是通过墨色的浓淡变化、枯润对比、涨墨晕染等彰显出来。离开了墨色的浓淡变化、枯润对比、涨墨晕染等等,墨气则无处可见。

书法家写字很重视调墨,调离不还水和墨,水是无,墨是有,水至清而无色,墨至纯而大黑,书法就是要在水和墨这“两端”的交融变化中,来展现那墨气的流动聚散,展现那些水墨淋漓和墨气氤氲的效果。

微信图片_20181126154404▲ 米芾《蜀素帖》

书法中的“墨分五色”观念,是在五行哲学的启发下产生的。中国古代哲人,根据阴阳五行哲学原则,将色彩归为五种基本元素,即青、赤、黄、白、黑五色。

五色就是五行的表现,五色于五行之间存在着对应的关系:水为黑,火为赤,木为青,金为白,土为黄,以这五种色彩分别象征自然界和社会人类的各个方面,并组织成某种密不可分的关联结构,五色对应五行、五色象征五方、五色显示五德等等。

受五行哲学的影响,中国人认为天有东、西、南、北、中五方,音有宫、商、角、徵、羽五音,物有金、木、水、火、土五行,颜色也不出于红、黄、蓝、白、黑五色。中国人长期将五色视为基本的色彩,所以清人沈宗赛说:“五色源于五行,谓之正色,而五行相错杂以成者谓之间色,皆天地自然之文章。”

微信图片_20181126154406▲ 董其昌 《草书千字文》

总体上看,在唐代以前,中国书法对墨色的要求,主要还是以浓墨为主,最经典的表述就是“一点如漆”。到了唐代,书法开始关注墨色变化。欧阳询说:“墨淡则伤神采,绝浓必滞锋毫。”孙过庭说:“带燥方润,将浓遂枯。”

他们浓淡适宜中和的墨色美。但在洇染晕化的宣纸使用之前,淡墨的妙处在绢素和麻纸上不容易体现,容易因淡而缺乏神采,所以,实际上用墨还是以浓墨为主,他们甚至希望墨色能百年保全如漆,至洇散。

当水墨画“墨分五色”的观念进入书法之后,书法的墨色变化开始变得微妙起来,富有内在节奏感和层次感的水墨洇化,在墨气氤氲之中展尽大千世界的奥秘。书法中讲究“一团墨气纸上来”,气不可见,而墨色的变化,帮助了气感的视觉化和丰富化,使不可视变为可视。

毛笔能表现力量和节奏,但笔力是含于内的,没有长期的笔墨体验不容易感觉到;而墨的氤氲变化,可以在瞬间展开一个生气流动的世界,使气形之于目,引起强烈的审美愉悦。

微信图片_20181126154408▲ 王羲之 兰亭序

在书法史上,明末对于书法墨法的发展至为关键。董其昌、王铎、傅山等,更是拓展了书法的墨色境界,让人耳目一新。董其昌的书法,体现了一种玄淡素雅的墨色之妙;王铎、傅山用笔奇肆放纵、用墨大胆泼辣,涨墨渴笔,任情挥洒,天趣横生。

总之,从对墨色变化的探求,我们约略可以一窥中国书法发展的脉络轨迹:从抛弃朱色选择墨色,从浓墨传神到淡墨显韵,从浓不凝滞、淡不浮怯到水墨淋漓、涨于字外,书法的墨色变化从一个侧面反映了书法发展的时代特征。

唐代大书法家孙过庭在他的《书谱》中曾说:“违而不犯,和而不同”。意思是说书法要讲究变化,但不能相互抵触,要在和谐中展现出不同。孙过庭的这句话是对书法中有关“变化”与“和谐”的精辟阐述,同时这句话也成为了包括书法在内的整个中国传统文化艺术的一个重要法则,就是要讲究变化与和谐。

所以,纵然书法艺术伴随着中华文明走过了悠悠三千余载,但变化与谐法艺术不变的主题。变化作为书法艺术的一个内在要求,使得翰墨的形态千变万化,各具姿态,能够带给人以丰富、多样的审美感受。而和谐作为书法艺术的另一个内在要求,使得各种翰墨造型通篇融为一体,相生相克中能够共同发展。

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讲究变化的同时要能够做到和谐,和谐中要能够体现出变化,二者需同时存在,这既是书法艺术的一个内在要求,也是书法艺术的一个重要法度和审美标准。下面,就来具体看一下书法艺术中的变化与和谐。

先看变化

任何一门艺术的发展与传承都少不了“变化”在其中所发挥的重要作用,对于具有悠久历史的书法艺术来说也不例外。通过变化,书法艺术得以发展;通过变化,书法艺术变得五彩斑斓。变化体现在书法的方方面面,具体来说,包括以下三个主要方面:

首先,是风格上的变化

纵观书法发展的几千年来,产生了真、草、隶、篆五大字体,而每一种字体中都存在不同的风格流派,而每一个流派中都有着多个书家形成自己的独具一格的书法面貌。书法中的变化贯穿于书法产生、发展的每一个时期。例如,大草中的以怀为表“书僧”书法。这一流派中的怀素和高闲不仅都写大草,也同为“草书僧”书法的代表人物,但是,二者都具有各自风格的书法面貌,相互之间存在着明显的区别和对比。

 

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其次,是造型上的变化

这种造型上的变化主要表现在相同笔画、部件以及相同字之间所表现出的形态上的变化,包括长短、粗细、方圆、正斜、曲直、断连等方面的不。这变化书家了追求趣味和个人风格特点而精心设计、布置的。通过这些变化,可以展现出各种造型之美,同时也避免了因造型雷同而造成的呆板。

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很多时候,变化的巧妙与否也成为了评判这个书家成功与否的重要标准之一,而这些变化也在很大程度上成就了书法这门艺术的美。例如,在许多书法作品中,“以”字、“之”字 的出现频率都是非常高的,但是不同书家都有不同的处理方法,即便是同一位书家在同一部作品中也是将这些相同的字写得各具姿态,毫不雷同,我们所熟知的“天下第一行书”《兰亭序》中“之”字的巧妙变化就是最好的例子。

再次,是“阴阳”上的变化

“阴阳”变化可以包括运笔的提按、快慢、轻重,用笔的枯湿、浓淡、藏露、粗细、长短、曲直;结体的收放、聚散、开合、正斜、高低、断连、方圆、长短、向背;章法的疏密、轻重、虚实、繁简、大小、正斜等等。

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总之,“阴阳”变化在书法中无处不在,无论相同的字,还是不同的字,或不同的构件、笔画,都可以表现出丰富的“阴阳”对比。而“阴阳”变化也成为了书法艺术的重要法则,具有了“阴阳”,就会展现出造型之美。

再看和谐

和谐是自然万物普遍存在的内在规律,自然万物由和谐而获得发展,也由和谐产生美。和谐也是中国传统文化中的重要范畴,中国传统艺术都将和谐视为自己的内在精神和审美标准。

同样,书法艺术中也将“和谐”作为自己的一个内在法度要求和审美标准。书法中所追求的变化,终要能归于和谐,体现出和谐之美。在书法艺术中,和谐表现在两个方面:“同”基础上的和谐和“违”的基础上的和谐。

首先,来看“同”基础上的和谐

“同”即是具有“共性”,书法中这种“共性”所涉及的范畴包括不同的形体本身以及它们的位置关系。

 不同的形体本身的共性主要体现在字体和书体方面,每一种字体和书体都是一个稳定、和谐的体系。比如楷、行、草这三种字体都具有各自的一个完整体系,这三种体系有着各自的特点,相互比较又会有很大的差异,所以每种字体体系中有构型上的相同之处,也就会表现出和谐之美。

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而每一个书家由于形成了各自独特的点画用笔和结体取势上的特点,从而建立了一个相对独立的完整体系,正是在这个体系内部,作品产生出“和谐之美”。举例而言,孙过庭的草书笔笔规范,极具法度,留有魏晋遗风;而怀素的《自叙帖》则笔势连绵回绕,字形变化繁多。若是将二者的字随意抽取再次进行排列,则不能表现出“和谐之美”,因为它们表现的是不同系统中的特点,不具备共性。

位置关系上的共性主要表现为平行、对称、均匀、一致。例如篆书结构中的平行、对称、均,楷书法中的齐、一,这些都是我们所追求的“和谐之美”。而在草书中,也是要求具有平行、对称、均匀的特点,不过都是相对的了。不同的形体符合了这样的位置关系后,就容易变得和谐,能够给人以美感了。

其次,再看“违”基础上的和谐

“违”就是指具有矛盾,常表现出阴阳对立的特点,如粗细、长短、轻重、大小、宽窄、正斜、疏密等等。这些矛盾的存在是必要的,它们的出现使翰墨造型避免了雷同,从而充满了变化,也充满了生机。但这些矛盾双方在相互对立的同时还需要能够和谐统一,能够相生相克。要想达到和谐统一,就需要矛盾双方的对比控制在一定的范围之内,不能对比过于悬殊,否则就会失衡无法和谐。

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总之,变化与和谐是书法内在的法度要求和审美要求。

我们学习和创作书法作品,就是要观察和表现出翰墨造型中的变化与和谐。我们要尽可能多的展现出变化,同时更需要将这些变化统一起来,达到和谐的状态,使得整幅书法形成一个有机体,从而带给人以审美享受。

当然变化越多,矛盾越多,也越难和谐,它更需要书家掌握大量的技巧加以调和些矛盾。们都知道书难于真,至于狂草,则更是难上加难,其原因就是其中的变化多、矛盾多,而不易和谐。

 

观当代学书者,也不外乎以古人经典法帖为临摹对象,至自以为有一定的把握后,试作己书,即所谓“书法创作”。但是,在大多数情况下,这种创作是很尴尬的,甚至是经不起严格推敲的,因为,这种创作心态是有某种负担的。比如,创作者如果仍然处在一种集字状态下的话,必然会导致其胸中无底、笔下迟疑、字态无神等问题的出现。究其根本,就是在临帖中没有经过对原帖进行二度创作的过程。

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毫无疑问,学书临摹是为创作做准备的。那么,怎样才算是合格的临摹呢?回答很肯定,像古人。如何才算像古人呢?对于这个问题,南宋姜夔在《续书谱》中就回答得很到位。姜氏说:“摹书最易,唐太宗云:‘卧王濛于纸中,坐徐偃于笔下’,亦可以嗤萧子云。唯初学者不得不摹,亦以节度其手,易于成就。皆须是古人名笔,置之几案,悬之座右,朝夕谛观,思其用笔之理,然后可以摹临。其次双钩蜡本,须经意摹,乃不失位置之美耳。临书易失古人位置,而多得古人笔意;摹书易得古人位置,而多失古人笔意。临书易进,摹书易忘,经意与不经意也…”

我认为,姜氏对怎样临摹古人法帖已经讲得很透彻了。我甚至想,他的理论应是完全来自于他实践中的深刻体会吧,因为,我在学书的过程中恰恰有这种感受。

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那么,何谓临帖中的“二度创作”呢?我以为,当书者对原干时间和阶段的实际临摹后,在基本上掌握了原帖的用笔技法,并对原帖作者内在的精神面貌有一定了解以后,就可以大胆尝试对原帖进行面对面的创作式临写,这就是人们通常所说的意临原帖,这个过程要完成至能基本背临原帖为止,这就是所谓临帖中的“二度创作”。但是,在对原帖进行二度创作时,对每一个学书者来说,其悟性是占第一位的,也就是说,要多动脑筋,舍此,则一切皆为空谈。

与人交往,时常听到这样的说法:读书多了,不用临摹古人法帖也照样能写出古人之书卷气来。对此我是持否定态度的。读了再多书,如果不临帖,还是写不出书卷气的书法来。如果读书与书法二者兼重并续,或可成正果。对于这一问题,我的观点是:只读书不临帖,不一定写得出书卷气来。但是,只临不读书,肯定写出卷来的。

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由于书法环境和书写氛围的缺失,造成了当代许多人在书写汉字方面,竟然不如过去的一个账房先生!所以说,中国书法的环境和地位还有待于提高!中国书法在当代应该成为一门真正的独立的艺术,并在学术上进一步得到提升。学书者应该由技至道,渐次修为。否则,中国书法“申遗”成功何益?

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中国自有文字始,书法就走上了漫长的岁月征程和发展道路,一步一个脚印地奠定了中国书法不可动摇的历史地位,成为人类不朽的文化遗产。纵观中国书法史的发展脉络,历朝历代,没有不研习和继承前人法书经典而成正果者。临池长修,创作随机而出,先有古人而后有我,这就是中国书法乃至中国文化得以长久发展的根源。临帖中“二度创作”的行为从古人那里就开始了,并且从未中断过,它是每一个学书者在进入自我创作过程中的必经之路。

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大字《阴符经》用笔之美,可用一字概括:活。

在其从容的书写之中,顿挫、轻提相衔,活力十足。此帖与褚遂良楷书《雁塔圣教序》有诸多相通之处,虽学界至今尚无定论它是否为褚遂良本人所书,但对我们来说,体悟此帖与褚体一脉的细微之处,对于丰富书写体验仍有裨益。

01、大胆收拾

全篇每字落笔处,往往不是虚入,而是重按而行,形成一种大胆落笔、大胆收拾之势。如此,为用笔轻重先行准备了一个变化起点,由重至轻,从而使用笔非常丰富,且有成竹在胸之意。

此帖中起笔较重,或体现在点,或体现在撇等,如“上、宇、立、移、我、宜、知”等字往往因为是首笔而易忽视其大胆之处,不可不察。

 

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02、S形

“S”形运笔是《雁塔圣教序》的一个典型特征。而在《阴符经》中,可谓有过之而无不及,整体表现出一种柔韧之美。如长横、撇、捺等笔画,大致与唐楷书写法则一致。而其小竖尤其是左竖,波浪形尤为明显,如“根字,达到动之极致。

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但是,不可徒书其形。这种S形势只在部分字中出现,因其独特,故印象深刻。临习时,应结合其他笔画的自然衔接为根本。此类字包括“有、阴、亡、神”等。

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03、1:7的对比

从楷书的自然书写法则来说,轻重的对比应当避免过大,而此帖的轻线条粗与细的对比可达1:6至1:7,重处理却并无突兀之感。在起笔或收笔处,重按而入,或重按后轻提,并未妨碍书写过程中的流畅与贯通,如“化、之、无、胜、象、发”等字。

 

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在相同笔画的书写中,此帖亦从轻重方面形成对比。如字中含有的类似“口、曰”等,左右轻重明显区别。除了存在笔画之间的对比,还有字中不同部件的轻重对比,形成类似块面对比,亦为唐楷中少有。如“者、合、奇、可、倍、圣”,这些字中的封闭框,都以重笔画出现,对比强烈,可见匠心。

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04、行云流水

楷书,亦不可忽视笔意的气脉贯通。任何书写过程,都是书者精、气、神的总体笔墨呈现。除了行草书,还有篆、隶书体,都存在气脉是否畅通的考察要素。此帖中,看似独立的笔画之间,通过乘势而入、顺势而出,在字里行间,如言语往来、问答之间无所障碍,有行云流水之意。这在所有的入笔与收笔之中明显可以看出,如“于、心、火”等字。

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点,有短小与灵动之特点,见出前呼后应、左顾右盼之势,在“物、知、莫、机”等字中,就有明显近似行书之法,顿使全篇充满生机与动势。

 

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05、隶书笔意

依汉字发展历程说,楷书中愈多含隶意,则字法愈古。因隶书之便捷与书写速度提升等因素,也促成了章草的生成,因此从某种程度上讲,古意与流动,都可以作为楷法之源而被补充吸收。在此帖中可找寻到相关信息,如“胜”字,其右部写法就含有隶书或章草之韵。

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此外,该帖的捺画,都有轻入-重按-轻提的渐变过程,为此帖添了些许飘逸之气,如“象、根、取、于”等字,亦使全篇有了丰富的轻重变化。

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06、势呈八面

该帖在笔势往来中,看似无意自然,却也蕴含着丰富的起收之势。如“万”字,在上部的两点收笔之际,不是左下收起在右下顿笔书写横画,而是先接近下行再反向左上轻松入笔写横,顿使该字灵动。

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生动的气韵,与笔势关联度很大。书者挥运之时,笔锋顺势而为,可谓乘势八面。“道”亦如“万”字,灵动而不失气势。

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起笔,是以技法到位的收笔为过渡前。中笔也可看出,没有简易书之,还带出明显的回环动作。如中篇的“天”字等。宋代米芾有“八面出锋”,《阴符经》可谓八面乘势了。

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微信图片_20181124104956开幕仪式上,全国政协委员、中国艺术研究院中国篆刻艺术院院长、博士生导师骆芃芃发表讲话

 

金 石 为 开

——第三届骆芃芃师生篆刻书法艺术展在山东举办

2018年11月17日上午十点半,由中国艺术研究院中国篆刻艺术院、山东省书法家协会、山东印社联合主办,荣宝京行艺术馆承办的“金石为开”——第三届骆芃芃师生篆刻书法艺术展在荣宝京行艺术馆隆重开幕。

出席本次开幕式的领导和嘉宾有全国政协委员、中国艺术研究院中国篆刻艺术院院长、 博士生导师骆芃芃,山东省书法家协会副主席、山东印社社长范正红,山东省书法家会驻王瑞,山东省书法家协会副主席陈靖、山东省书法家协会副主席谢长伟、中国艺术研究院中国篆刻艺术院创作部主任尹海龙、中国艺术研究院中国篆刻艺术院理论部主任冯宝麟、北京银行济南分行副行长廖谨、济南荣宝京行艺术馆馆长刘明以及其骆芃芃导师的30位硕士和博士研究生。还有来自山东财经大学、山东艺术学院、山东工艺美术学院、山东大学、齐鲁师范学院等高校的学生400余人。

微信图片_20181124104959山东书家会会副主席王瑞主持开幕式

开幕式由山东省书法家协会副主席王瑞主持。开幕式首先由山东省书法家协会副主席、山东印社社长范正红致辞;其后由中国艺术研究院篆刻艺术博士李立山代表学生发言。之后,骆芃芃院长发表讲话。骆芃芃院长在讲话中说:“山东是儒学的发祥地,这里的伟大哲人,他们的思想、几乎涵盖了我们举办师生展的所有愿望和目的。“教学相长”,这是孔子的教育理念。作为学生,就是要不断地学习,不断地进步;作为老师,就是要不断地教授文化、技能,不断地充实自己,不断地补给学养,在教学中获得更多、更新的信息和知识。”

微信图片_20181124105002山东省书法家协会副主席、山东印社社长范正红致辞

中国篆刻艺术院创立于2006年,隶属于中国艺术研究院,是目前中国第一家也是唯一的一家以研究和创作篆刻艺术为主旨的国家级院体机构。2007年中国篆刻艺术院在中国艺术研究院的指导和支持下在研究生院开设了中国第一个篆刻艺术硕士研究生教学点,又于2015年设立了中国第一个篆刻艺术博士点。篆刻艺术的硕士和博士点的设立,标志着中国篆刻艺术的独立学科建设了起来。从此,中国有了一批又一批的刻艺术硕士博士中国刻艺独立学科的建设不仅完善了篆刻艺术的传承体系而且在中国篆刻艺术教学史上具有着划时代的意义。骆芃芃院长在讲话中说:把篆刻艺术学科越办越兴旺,越办越好,这是我们年年举办师生展的最为重要的期许。

微信图片_20181124105004中国艺术研究院篆刻艺术博士李立山代表学生发言

参加本次展览的学生大部分都是中国艺术研院篆刻艺术独立学科建设的“篆刻艺术的创作和理论研究”的研究生,是这个学科的累累硕果。这些学生虽然还不够多,但都是中国篆刻艺术学科发展的“星星之火”。他们是:吴义达、曲学朋、李立山、肖春光、殷玉刚、刘雅婧、尹军、蒋明、孙长铭、刘宝民、冯强、李婧、鹿秋珺、刘美汝、康颖、曹锋、廖文奇、赵文晓、周传印、王兴、金鑫、聂国娇、董子涵、彭勃欣、徐如昌、苏军、韩昊、王盛贞、程振国、魏波等30位。

微信图片_20181124105006微信图片_20181124105009骆芃芃院长发表讲话

 2016年6月在中国篆刻艺术院院长骆芃芃的精心策划和指导下,在日本京都王子美术馆曾举行了第一届师生展并与日本随风会共同展出和进行学术交流; 2017年8月在吉林省政协书画院展览馆举办第二届师生展,展览取得了良好的效应和影响。与上次展览有所不同的是本届展览参加的学生人数增多了,特邀作者增多了,学生们的作品也都有了长足的进步。中国篆刻艺术院研究员尹海龙艺如乐图、冯宝麟朱培尔谷松章范正红赵熊、洪亮、郭强、戴武等著名篆刻家都提供了书法作品。展览还特别邀请了当地的著名篆刻书法家顾亚龙、王瑞、陈靖、苏剑君、孟鸿声、谢长伟、蒯宪等7位作者的作品。

微信图片_20181124105012骆芃芃院长接受采访

本次展览的作品分篆刻和书法以及篆刻原石三部分。共有作品110件。在主题创作上,以书写和镌新时代”的内容为主。样的创作不仅提升学生们的变能力,同时也是篆刻艺术和现实生活相结合的一种创作实践。此外,为了更好的展示展览效果,骆芃芃院长特别为本次展览的印屏进行了统一设计:以传统信札的形式结合印章放大样作为印屏。这样的设计增加了作品的书卷气和形式美感。

微信图片_20181124105014微信图片_20181124105016微信图片_20181124105018

开幕式结束后举行了“金石为开”——第三届骆芃芃师生篆刻书法作品展研讨会。研讨会由中国艺术研究院中国篆刻艺术院创作部主任尹海龙和理论部主任冯宝麟共同主持。与会专家有范正红、王瑞、陈靖、孙宏伟和参展及各大院校的学生,就关于当前篆刻艺术独立学科建设与发展的思考以及“双扎根”—访碑问帖列活动对篆刻艺术教学的意等主题展开热烈的研讨大家在阐述己观点的同时还提出了许多有价值的意见和建议。研讨会上,大家对本次参展作品的水平给予了高度的肯定和赞许 。本次展览的成功举办,对于中国篆刻艺术的传承和发展、对于中国篆刻艺术的学科建设起到了积极地推动作用。据悉,展览到2018年12月6日结束。

微信图片_20181124105020参加开幕式领导嘉宾合影

微信图片_20181124105022领导嘉宾及参展作者合影

微信图片_20181124105024骆芃芃师生合影

 

【图集】

开幕现场

微信图片_20181124105027信图片_20181124105030

展览现场

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微信图片_20181124105042微信图片_20181124105044微信图片_20181124105046信图片_20181124105048微信图片_20181124105050微信图片_20181124105052

微信图片_20181124105054骆芃芃院长与嘉宾观众

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全国政协委员

中国艺术研究院中国篆刻艺术院院长骆芃芃作品

微信图片_20181124105059骆芃芃院长作品

 

微信图片_20181124105102骆芃芃院长作品

学生作品

微信图片_20181124105104微信图片_20181124105108微信图片_20181124105110微信图片_20181124105112微信图片_20181124105114微信图片_20181124105116微信图片_20181124105118

 

研讨会

微信图片_20181124105120中国艺术研究院中国篆刻艺术院创作部主任尹海龙主持研讨会

 微信图片_20181124105122中国艺术研究院中国篆刻艺术院理论部主任冯宝麟主持研讨会

微信图片_20181124105124山东省书法家协会副主席、山东印社社长范正红在研讨会上发言

 微信图片_20181124105126山东省书法家协会驻会副主席王瑞在研讨会上发言

微信图片_20181124105129山东省书法家协会副主席陈靖在研讨会上发言

微信图片_20181124105131学生李立山在研讨会上发言

 微信图片_20181124105133学生曲学朋在研讨会上发言

 微信图片_20181124105135学生肖春光在研讨会上发言

 

它山之石 可以攻玉

“金石为开:第三届骆芃芃师生篆刻书法艺术展”

“金石为开”师生展已举办了两届,这次是第三届。第一届是在日本举办的,第二届是在吉林举办的,这次我们来到了山东。山东是儒学的发祥地,这里的伟大哲人,他们的思想、他们的言论几乎涵盖了我们举办师生展的所有愿望和目的。

“教学相长”,这是孔子的教育理念。作为学生,就是要不断地学习,不断地进步;作为师,就是要不断地教授文化、技能,不断地充实自己,不断地补给学养,在教学中获得更多、更新的信息和知识。

举办展览最重要的目的是通过年年举办的方式,促进学生们不断进步、不断提高,并且可以很好地记录学生们成长的过程。

引进竞争机制也是举办展览的目的。大家相互比较,在学术和艺术上相互竞争,形成一种自觉的督促势态,有益于学生们的不断精进。

“与时俱进”,这也是举办师生展的重要任务与责任。无论我们生在哪个时代,都要跟随时代的潮流,都要学习和顺应时代对我们的要求。学习艺术的要用符合时代审美取向的创作去反映和回馈社会,反映人民的需要,反映人民的所思所想⋯⋯这是我们文艺工作者不可推卸的责任和使命。如今我们赶上了新时代,就要以新时代的精神貌为主题,多作与时俱进的作品。

《世说新语》中说“入古出新”,这是老生常谈的内容,但是说者易,行者难。首先是“入古”,怎么“入”?“入”到什么程度?这不仅仅是个人修习的问题,还是一个传统文化如何传承和保护的问题;“出新”,如何“出”才算得上不是邪门歪道?不是标新立异?不是强作风头?这不仅仅是个人创作风格独特性的问题,还是一个如何发展、创新文化艺术的问题。如今,党和国家号召我们文艺工作者在新时代要持有创造性转换和创新性发展的精神,这就引进了创新机制。举办师生展就是要“年年岁岁花相似,岁岁年年人不同”,每年都要有创新的佳作,都要对自己有所突破。

“它山之石,可以攻玉”,语出《诗经·小雅》。第一届在本举办的师生展出了国门,我们请了日本的青年学子加。站在一个具有国际视野的平台,我们在展示自己作品的同时,坚定了文化自信,增强了文化自觉,同时也找到了差距。第二届展览我们走出了北京,以站在全国范围的视角去审视我们的作品,我们看到了自己的特点,感受到了师生展的特色,同时也找到了自己的不足。

今天,我们选择了全国的书法篆刻大省山东,就是要向山东的艺术家学习,思考山东为什么是书法篆刻的大省?我们同样是来寻找差距的。

经过两届师生展,我们感到学生们确实有了长足的进步,在同学们的作品中,我们明显地看到了这一点,当然仍然存在不少不足。同学们的艺术水平长进了,成熟了,非常可喜。这一届参加的学生比前两届增加了,同学们的热情也高涨了许多。好在每一届我们都邀请了当地资深的艺术家展出大作,垂范后学,非常感谢这些艺术家的“友情出场”!非常感谢山东省书法家协会、山东印社、山东济南荣宝斋对展览的大力支持!

自2007年始,中国篆刻艺术院在中国艺术研究院的指导和支持下,在中国艺术研究院研究生院设立了篆刻艺术的独立学科,招收了中国第一批篆刻艺术的硕士生和博士生,为国家培养了许多杰出的篆刻艺术人才,取得了丰硕的成果。今天参加展览的绝大多数是毕业或就读于中国篆刻艺术独立学科的硕士生和博士生。我们坚信中国篆刻艺术的独立学科一定会越办越兴旺,越办越精专。这是我们年年举办师生展最重要的期许。

骆芃芃

2018年11月6日

 

全国政协委员

中国艺术研究院中国篆刻艺术院院长

博士生导师骆芃芃

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骆芃芃丨中国艺术研究院中国篆刻艺术院院长、中国艺术研究院学术(学位)委员会委员,国家一级美术师,博士研究生导师。中国共产党第十八次全国代表大会代表,中国人民政治协商会议第十三届全国委员会委员,享受国务院政府特殊津贴专家,中国书法家协会理事,中国书法家协会女书法家委员会副主任,西泠印社理事,广西艺术学院书法与篆刻方向硕士生导师,清华大学美术学院兼职教授,北京语言大学中国书法篆刻研究所教授。曾获“文化部优秀专家”“文化部非物质文化遗产保护工作先进个人”“全国先进作者”等称号。多次举办个人艺术展及参加国内外大型篆刻书法展览。多次出访国外讲学并参加艺术交流活动。作品被中国美术馆、人民大会堂、英国皇家艺术学院、捷克国家博物馆、中国艺术研究院等机构收藏。编著、主编和编辑书籍170余部,发表论文多篇。

一幅书法作品,其中有看得见的东西,笔画、墨色、字形、诗句等,这是“躯体”; 还有看不见的东西,感情、风神、韵律等,这是“灵魂”。 书法出“味”, 往往就出在这“灵魂”上,故此只能靠细细品味,才可感悟得到。要使书法打动人心,使观赏者产生思想共鸣,则作者必须具备两个条件:一是字内功夫,二是字外功夫。

具备这两个条件的人,写书法才容易有味道。

微信图片_20181123211457米芾《李太师帖》

字内功夫,即笔墨功夫。就是指驾驶笔墨的本领、能力、造诣。

1、笔的运用,提、按、使、转,抑、扬、顿、挫,中、侧、逆、顺,方、圆、藏、露等等,达到驾御自然,随心所欲,一种“必然” 程度。

2、“脱化生新”,在精心临摹古人法帖的基础上,之后,不断溶入自己的个性之“味”。

3、文字功夫,要熟练掌握汉字的八个笔画及其变化,汉字的结构及其变化,尤其是草书符号及其变化。

微信图片_20181123211502米芾《晋纸帖》

还要具有 “六书” 汉字知识。因书法是依托于文字,当文字出现错误,即使不是“佛头浇粪”, 也是“白璧有瑕”。 如果是“人云亦雲”, 后”“ ” 分就贻人口实。最后,还要熟练布白安排,用墨技巧,俗话说“熟能生巧”,只有有技巧,才能出“味道”。

微信图片_20181123211505米芾《张季明帖》

要使书法出“味道”, 那就必须下功夫。坚持不懈,刻苦临池,突破高原,不断进取。“多看自知,多作自好”, “跬步不休,跛鳖千里”。 只要下功夫,定会出“味道”。字所精良应在书中法度;书之妙趣当字外功夫。字好,在法、在手;出味,在意、在情。书法要有“味”, 还必须有字外功夫,即:

一、要有文化素养

书法是系统的书法,是一门综合的艺术。涉及到史学、哲学、文学、美学等。我曾在《书法与人生》一书中就论述过有关知识,如“书法对立统一说”、“ 书法心理学浅析”、“ 书法系统浅论”, 书法与气功、书法与音乐、书法与人生等等。故此要借鉴古法,借鉴自然,借鉴姊妹艺术,掌握书法技理,以我性情,我书我书,书出“书味”。

微信图片_20181123211507米芾尺牍

二、要有学识修养

古今书法家尚来重视字外功夫,宋·陆游说:“汝果欲学诗,功夫在诗外。”学书亦然,明·董其昌说:“读万卷书,行万里路,胸中脱去尘浊,自然丘壑内营。”清·杨守敬说:“学富,胸罗万有,书卷之气,自然溢于行间。”

因为书法作品是书家渊博的知识、高深的修养、娴熟的技法的结晶,所以,没有一定的学识修养,是无法创作出上乘作的学识,意平和;学识高,胸怀豁达;学识广,联想丰富。

凡是卓有成就的书家,都是学识丰富深广的文人、学问家。识广方能才高,才高方能创作出“书味” 。古代的王羲之、颜真卿也好,近代的吴昌硕、于佑任也好,当代的启功、沙孟海、欧阳中石也好,都是学识深厚,修养颇高,独树一帜的大学问家。书品人品,人所共仰。

微信图片_20181123211509芾尺牍

三、是要有艺术素养

书法是一种精神产品,一个人如果没有几个艺术细胞要创作出艺术产品是不可能的。这种艺术素养,有先天因素,更主要的是后天的努力,不是读了一两本“美学”就可以学到的。

“观千剑而后识器,操千曲而后知音”, 艺术素养是要从长期的学习和实践中逐渐培育出来的。

微图片_20181123211511米芾《淡墨秋山诗帖》

四、是要有品德素养

首先,善是美的内容,美是善的表现形式,这种“美善统一” 是我国传统哲学中的基本观点。人的道德品性与书法作品的风格及其价值是切切相关的。

毛泽东的字,处处锋芒毕露,表现出他的“与天斗其乐无穷,与地斗其乐无穷,与人斗其乐无穷”的品性。周恩来的字,处处藏锋不露,与他的清风明月、真诚忠义的高贵品性一脉相承。

微信图片_20181123211513米芾《官复帖》

从价值观念上讲,品德高尚的人的书法作品价值就高。诸如,立身清廉的王羲之,风毅雄特的颜鲁公,秉性刚强的柳公权,爱国名将岳飞等,都是人品高尚,为后人所崇的书法大家,他们的墨迹也都是永垂千古,成为无价之宝。

相反,蔡京、汪精卫、秦桧、胡长清之类的字也不错,并名噪一时,但因他们品德恶劣,故字与人同臭,无一字传世。这正如古人说的:书品即人品。”

微信图片_20181123211515米芾《盛制帖》

其二,中国传统道德观是“和为贵”, 而书法艺术不论是笔法、字法、章法、墨法都是要达到“和而不同” 的有机统一,以表达人们的美感。

书法是体现人们心灵美的特殊造型艺术,书家的道德修养越深,则书法艺术境界越高,书法必然越有“味”。 明·项穆说:“学术经论,由心起,其心不正,所动悉邪。”王昱说:“立品之人,笔墨自有一种正大光明之概。”

微信图片_20181123211516米芾《临沂使君帖》

总之,书法是中国的艺术,只能有“书味”, 不可有“洋味”; 书法是高雅的艺术,只能有“雅味”,不可有“臭味”。 只有具备了字内和字外两种硬功夫,才能使书法真正有“书味”、“ 雅味”。

书法是以点画为表现形式的附丽于汉字的抒情艺术,尽管其外形不一,但作为书法的点画都必须是有一定的力度,也就是我们经常强调的所谓“笔力”,或者叫做“骨力”,是毋庸置疑的。那么,究竟什么样的点画,才有这种美的艺术感受呢?按照传统的审美标准来说,那便是要有“圆”相。

“圆”是相对“扁”而言的属于立体的概念。但是为什么书法的点画,那些留在纸上的生“圆”的艺术形象呢?相传南唐徐铉写篆书,“映日照之”,其线条的中心有一缕浓墨正当其中,“至于曲折之处,亦当中无有偏侧,乃笔锋直下不倒,故锋常在画中”,指的就是这种因墨色从中心向两边渗透扩张所产生的浓淡层次的变化,使得书法的点画显得四周饱满,有立体感和浮雕感,从而显示出充实的力度。所以,在传统书法中,特别重视这个中心张力的艺术效果,“圆”相的书法点画,便是这样产生的,所谓“令笔心常在点画中行”,这就叫做“中锋用笔”。

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中锋用笔,历来为书家所贵,甚至有主张必须“笔笔”如此者,比如沈尹默在他的《书法论》中就这样说过,“历代书法家的法术,经过短长疏密、笔画肥瘦方圆,往往因人而异,而不能不相同的,就是笔笔中锋”,话虽说得比较偏颇一点,但把中锋用笔作为每一点画的共同审美基础来理解,是不无见地的。用笔是书法审美的最先条件,不同的用笔方法,自然自然产生不同的书法点画,那么,怎样才能保持“笔笔中锋”呢?根据实践的体会,功夫全在如何变化毛笔的“竖锋、铺豪、换向“,让笔心不时在点画的中间运行。

先说“竖锋”,所谓竖锋,简单地说,就是把笔锋上提而竖立起来,这是解决中锋用笔的一个首要因素。众所周知,毛笔蘸未写前,一般来说,主毫和副毫均挺直而无扭曲之状,可是一旦触纸,由于受到了外界的压力,柔软的笔毫便自然立即倒向纸上,如果此时顺势运笔,平托直拉,那只能写出扁薄而单调的线条,更何况在整个书写过程中,笔毫的平卧纸上是其常性,老是“卧”在那里拖来拉去,要想发挥中心的张力是办不到的,只有把笔锋竖立起来,才能让笔心永远居中而步步向前。古人用“如锥画沙”来形容他,确实是非常深刻的,锥能“立”起来,那么从平沙的沟痕中所反映出来的正是它的深度和厚度,挺拔而中含,给人以“圆”的立体之感。所以,历来对于“竖锋”的这一用笔方法是非常重视的。

“作书须提得笔起”,“提得笔起,则一转一束处皆有主宰”,“发笔处便要提得起,不使自偃,乃是千古不传语”,是董其和倪门二的说。而讲的最为彻底的要数周星莲在《临池管见》中的生动描述:“所谓落笔先提的笔起,总不外凌空起步,意在笔先,一到着纸,便如兔起鹘落,令人不可思议。笔机到则笔势劲,笔锋出,随到随起,自无僵卧之病矣。”形象地用“兔起鹘落”,“随到随起”的妙愈指出了“竖锋”的重要性。事实也正是如此,特别是那些以点法起笔的侧锋用笔,如若不把斜铺在纸上的笔毫迅速地用腕翻腾提起,那么笔尖在上,笔肚在下的偏侧之态就很难改变,因此,竖锋的这一运笔动作,实际上正是调整笔锋,使之由偏转中的最理想的用笔方法之一。

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古人雄厚恣肆,令人断不可企及者,则在画之中截。盖而端出入操纵之故,尚有迹象可寻,其中截之所以丰而不怯、实而不空者,非骨势洞达,不能倖致。”两端雄肆而中间空怯,这是笔毫轻易偏软不能沉涩所造成的,当然是产生不了骨力居中的艺术效果,只有不偏不倚地平铺展开,逆势涩进,才能因中心的张力而产生洁净充足、圆满遒丽的中锋线条。

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最后,便是个“换向”的问题。

由于笔毫在书写过程中是不可能始终让笔锋在点画的中心线上运行,特别是在拐弯的地方,一不留意,便很容易使原来居中的笔锋倒向一边,或出现了因笔毫扭转而形成的“偏锋”,导致线条的由“圆”变“扁”。因此,要克服这个不良的倾像,也就是说要保持“圆”势,纠“偏”归“扁”,关键便在于用笔的提、按两法。具体地说,当笔锋行至拐弯的地方,先把笔毫向上稍提起已不离开纸面为限,并且要提得了的笔锋回到画中,随后再稍重按下去,尽力顿挫平铺纸上,完成中锋用笔。要之,就是把笔锋从一个方向转换到另一个方向,正如刘熙载所说的“论书者每回换笔心,实乃换”。晋潇洒飘的行草折之美,正是从节节“换向”的翻腾挥霍中体现出来。

提笔和按笔是对立的统一。所谓“凡书要笔笔提,笔笔按,辨按尤当于起笔处,辨提尤尤当于止笔处”,“书家于提按两字,有相合而无相离,故用笔重处正须飞提,用笔轻处须实按,始能免堕飘二病。”刘熙载《书概》讲的就是这个道理,所谓“铺毫”,“竖锋”,其实也正是提按两字,毫“铺”平了,则锋必须“竖”起来,否则容易走“偏”;相反,锋“竖”不起,则毫也就“铺”不平。简言之,竖锋(提笔)未来铺毫“按笔”必须竖锋。所以,每按笔必须在提的基础上按下去,而提笔则要在带按的前提下提起来,这样,按在纸上的笔画,即使粗一些,也不会是死躺着的笨重不堪的形态,而提也不会出现一味虚浮而无分量可言的纤弱迹。两者须结合起运用,彼离开了对方就不复存在,舍提而谈按,去按而言提,则不复有书道矣。沈尹默曾把笔毫的提按动作,比作行人的两脚一起一落,是非常透彻的,可以这样断言,不会提按便不成书法。

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《书谱》云:“意画之间变起伏于峰抄,一点之内殊衄搓于毫芒。”这里的所谓“起伏”、“衄搓”,实质上就是提与按的两种交替的用笔方法。通过不断的提笔、按笔,才能使劲常“跌”的笔锋迅地站立起来竖锋),才使笔锋恰到好处地平铺展开(铺毫),才能轻灵地“八面出锋”(换向)。所以,“竖锋、铺毫、换向”原本是个相互联系的有机体,为便于说明,才把它分而析之的。

说到这里,我们似不难明白,毛笔的一旦落纸,是没有绝对的静止,而是始终让笔锋在纸面上作“竖锋、铺毫、换向”的反复变化,使之充分发挥笔毫自身的弹性,力透纸背,乃是保证中锋用笔的三个要素。米南宫的所谓“得笔,虽细如鬓发亦圆;不得笔,虽粗如椽亦扁”,其道理即在乎此。

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意境蕴涵着中华民族的审美观念, 其美学思想贯穿于中国文学艺术的整个历史过程, 并体现在 每个具体的艺术领域。 书法艺术的意境是书法艺术作品的灵魂, 它使作品氤氲着灵虚之气, 其特征表现为:语 言寓意的模糊性、审美时空的无限性、格调审美的超逸性。 简逸玄淡而饱蕴张力的线条, 是意境创造的基础, 旷达空灵的构图是意境创造的关键。 书家具有与“道” 冥合的天人合一的人生境界, 才能使作品意境天成, 而 达到天籁自鸣的自然之境。

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意境作为中国古典美学的核心范畴 ,是在我 国古代儒 、道、佛哲学思想的滋养和孕育下形成 的。其中佛道哲学思想对意境论的形成起了重要 的作用。道家所阐述的“道”的最高境界和玄妙的 特征及“言不尽意”的思辨性, 给文学艺术家审美 创造以深刻的启迪 , 为意境理论的产生和发展奠 定了哲学基础。道家的哲学思想形成了中国的艺 术精神,开辟了中国的审美之路。印度佛教的输 入及中国禅宗哲学的兴起 ,对中国文学艺术理论 的建构与发展起了极其重要的作用 。佛教哲学的 宇宙观和心性理论思想及禅宗的直觉的思维方 式,体验 、顿悟的修持方法, 渗透到中国古典文学 艺术领域 ,为文学艺术注入了元气 ,扩大了文学艺 术家的视野,并直接导致了意境论的诞生。

意境论萌发于魏晋, 形成于唐 ,宋至清代得到 了发展和完善。意境论蕴涵着中华民族的审美观 念,它贯穿于中国文学艺术的整个历史过程, 并体 现在每个具体的艺术领域 。书法艺术将其丰富的 审美内涵熔铸在精湛的笔墨线条之中 , 使作品韵 味无穷,意境深邃 。本文就书法艺术意境的特征 及创造作一探索 。

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书法艺术意境的特征

书法艺术是中华民族特有的一种传统艺术形 式,它以艺术化了的汉字形象来表现人的气质 、品 格和情操 ,从而达到美的境界。书法艺术与其他 艺术形式如诗歌、小说、绘画 、雕塑 、音乐 、舞蹈等有着相同之处, 即采用以形传神的手法来创造艺 术形象,并把意境作为审美追求的最高境界 。然 而,书法艺术又有其自身的独特性 ,即它不能直接 反映现实生活及自然事物的形貌, 而是以书家在 “外师造化 ,中得心源” 这一主客观融合中所营构 出来的逸旨丰的示大自然之美和生活 中千姿百态的生动形象。书家将自己的诗意憧 憬、情感意绪倾注在笔墨之中 ,通过线条的枯润浓 淡和结体章法的虚实相生 、起伏迭宕来表现自己 的审美趣味及书法艺术的意境之美 。书法艺术的 意境美是书法作品的总体审美意向和审美氛围, 氤氲荡漾着一股灵虚之气 , 是书法艺术的灵魂。 它使作品超越有限的形质 ,而进入一种无限的境 界之中。书法艺术意境的特征表现为:

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1.语言寓意的模糊性

线条语言是书家提取的自然万象的神髓, 又 经过书家心灵的滋润和笔墨纸的渲染、夸张 ,使线 条或粗或细,或浓或淡,时断时连, 若隐若现 ,飞旋 连转, 穿插交织, 变化多样 , 精妙绝伦 。由线条所 组成的汉字艺术形象看似无序而实为有序 ,形简 旨丰 ,韵味无穷 。然而,线条语言虽然能够产生无 穷无尽的变化 ,并具有无限的表现力,但却不能直 接抒写书家胸中之意 , 如孙过庭所说:“ 夫心之所 达,不易尽于名言;言之所通 , 尚难形于纸墨” 。 

书家笔下的线条语言所创造出的汉字艺术形 象,还包含着超越书家主观意图的客观意义 。因 此,在书法艺术作品中,其线条语言的内在含意远 远大于其本来的意义 。看似简单而形态各异的线 条中 , 浓缩和寄了人以释的情感意绪。 如张怀瑾所说:“ 尔其初 之微也, 盖因象以瞳 ” 。

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2 .审美时空的无限性

书法作品中的结体章法, 是以笔墨点线巧妙 地分割纸面的空白, 使有墨处呈现出牵丝 、仰俯、 向背 、疏密 、长短 、参差等变化之美 ;空白处浩渺无 际,荡漾着一股灵虚之气, 蕴涵着无穷的意象 ,这 虚象即“象外之象” , 使作品超越有的形, 而进 入种无限的境界之中 ,它提供给欣赏者的是自 由想象和驰骋情感的心理空间 。意境之美作为书 家和欣赏者共创的心灵空间, 它的深度 、高度 、阔 度都是广袤无垠 、无穷无尽的 。因此,它的审美时 空具有无限性。如唐代书家张旭的狂草作品《古诗四首》其线条翻滚流转, 左摇右荡, 使字的结体 纵横驰骋 ,虚实相生 ;其章法跌宕起伏, 变幻莫测, 满纸云烟。作品中点线的聚散和盘旋 , 交织在充 满元气的虚空之中, 形成流动的节奏,其奔放不羁 的线条乘宇宙之元气 ,冲破了时空的局限,升华到 剔透玲珑的艺术时空 , 进入了无穷之门而游无穷 之野 ,“独与天地精神往来” 。

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3 .格调审美的超逸性

格调高雅超逸、平淡自然的作品,呈现出一种 崇高超逸的宇宙意识和生命情调。虽然作品风格 各异 ,但均具有一种恢宏或旷达的气度 。作为书 家独抒性灵的书法艺术 ,其作品中的笔墨意象是 书家人格的缩影, 它从书家心源中流淌出来并浸 染着书家的审美情趣及道德情操。书家的“人品 既已高矣, 气韵不得不高, 气韵既已高矣, 生动不 得不至,所谓神之又神而能精焉” 。 

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书法艺术意境创造的独特性

书法艺术作品的意境具有独特的内涵和无穷 的魅力。“意”是指书家的审美体验和审美情感相 结合所产生的审美意象。“境”是指书家在艺术创 作中, 由心灵再造的境界, 即虚灵的境界。简言 之,意境是指书法艺术作品中呈现出的一种扑朔 迷离 、朦胧含蓄而又寓意深刻 、耐人寻味的艺术氛 围。当代美学家宗白华先生说 :“意境是艺术家的 独创 ,是从他最深的`心源’ 和`造化’ 接触时突然 的领悟和震动中诞生的” 。

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1.简逸玄淡的艺术符号

线条是书法艺术作品最基本的造型段 。线 条在作品中不仅是构造字形的基本素材 ,同时还 表现出字形的质感 、量感和动感。书法艺术作品 中的线条随着浓淡、干湿的墨色和轻重 、疾涩的用 笔变化,产生了不同的风格和特色 。如大气磅礴、 峭拔险峻 ;古朴苍老 、凝重沉郁 ;俊秀潇洒、天真烂 漫;平淡旷、含蓄蕴籍等 。多样化的线条语言为 书法术意境创造供了有利的条件 。

简逸玄淡的线条 ,是产生“象外之象”的基础。 线条的简逸是对自然万物抽象概括的需要。克莱 夫·贝尔认为简化是造成有意味的形式的必要手 段。“简化对于整个艺术来说都是不可缺少的。 没有简化 ,艺术不可能存在,因为艺术家创造的是 有意味的形式, 而只有简化才能把有意味的东西 从大量无意味的东西中提取出来” 。 

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简逸玄淡的线条创造依靠以点线纳万境, 并 摄取万境中的神髓而创造出有意味的形式 ,其最高境界, 即无装饰之态、无斧凿雕琢之工, 天真平 淡,妙合自然。因此 ,要求书家要具有对客观形象 的概括 、提炼和抽象能力及驾驭笔墨线条的创造 能力, “入乎幽隐之间 , 追虚捕微 ,探奇掇妙” , “索 万物之元精 , 以筋骨立形, 以神情润色, 虽迹在尘 壤,而志出云霄” 。 

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2 .旷达空灵的结构形

旷达空灵的结构是产生“象外之象”的关键, 而虚实相生是其重要的艺术手法。老子说:“天下 万物生于有,有生于无” 。 

书法艺术作品中的疏密揖让和虚实相生体现 了生命运动的节奏, 在书法艺术作品中 ,其线条和 结体经过疏密和繁简的搭配组合成字的形体, 字 与字和行与行的排列构成其作品中的艺术形象, 即实象,表现作品的筋骨和血肉,即作品生命的物 化实体, 构成了作品的笔墨意象 。只有精妙的 “实” 、“有” ,才能孕育空灵的“虚” 、“无” ,才能使作 品中朦胧的意象丛生, 把作品推向神远的境界。而字内的空白及字与字 、行与行之间的空白是书 法作品的虚象。空白处给创作者与欣赏者提供了 交流互动而展开联想和进行再创造的空间。字与 字、行与行之间的空白多为疏朗型 ,则气舒而神 远,可取字外的风神 ,能够表现作品的恬静、典雅、 清逸 、清爽 、空灵 、旷远、萧散的意境美。如唐五代 书家杨凝式《韭花帖》字与字、行与行之间的距离 宽阔疏朗 ;明代书家董其昌用墨淡雅,结体章法清 朗空灵 。他们的书法作品其意境恬淡神远 ,给欣 赏者以无限想象的心理空间。字与字 、行与行之 间的空白少为茂密型 ,密则气聚而神凝 ,可取字迹 的苍老,能够表现作品的雄强 、浑厚 、凝重、古朴的 意境美。清代傅山草书呈茂密苍茫的意境美 。字 内的疏密有内疏外密型和内密外疏型。如颜真卿 《颜勤礼碑》结体内疏外密, 均衡平稳 。左右竖画 外拓如弓, 略带圆弧形, 使字体雍容宽松, 包含宏 大,其作品呈雄浑的意境美。柳公权《玄秘塔碑》 结体内密外疏 ,疏密得当 。主笔舒长, 次笔紧缩, 主次分明 ,对比强烈 ,其作品呈清朗的意境美

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拓展心理时空是实现旷达空灵构图的重要途 径之一 。艺术时空是虚拟的, 它存在于书家和欣 赏者的心中。一张白纸是有限的空间 , 书家要在 这个小宇宙里, 利用笔墨线条来塑造字迹实象 ,并 由此拓展画面之外的空间 ,即在有限的一纸之内 营造出空灵虚幻的无限的审美空间, 并使之与宇 宙大道冥合。因此, 书家在创作时 ,要“因心造境, 以手运心” , 使心理时空穿越现实时空的樊篱束 缚,升华到至高无上的审美境界,即书的精神家 园, 使书家的心灵与广袤的宇宙融为一体 ,这时, 从书家广阔心理时空中诞生出来的线条悠然往 来,构成一种神奇的灵境 。可见,书法艺术作品入 宇宙之大道,是自然之精与书家之华融合而成 ,具 有无限的深邃性 。

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3 .天人合一的人生境界

书法艺术高的境界是体现与“道”冥合的天 人合一的人生境界 , 书家在审与人生相互 系的觉中所形成的一种精神境界 。书家把心灵 作为一个宇宙, 其心源是创作精神生命的根源。 书家在审美创造活动中所进行的心灵游履 ,即审 美境界,它是书家用心灵构筑的境界。

心灵的升华需要虚静的心胸来涵养静气 。虚静是一种无有苦虑、超越功利 、空明澄澈的心理状 态。“书法乃传心也” , “故欲正其书者, 先正其笔, 欲正其笔者 ,先正其心” 。

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书法艺创作的过程就是艺术生命诞生的过 程。在创作中, 书家通过对宇宙自然的体悟, 实现 了对自我的超越 ,进入到天人合一的精神境界 。