有人见到黄宾虹的画后，表情就像哥伦布发现了新大陆，用电击的声音叫道，什么什么，什么啊，这张纸比一套楼房都值钱?开什么生死玩笑!黑糊糊的，乱糟糟的，什么都不像，还不如我六岁的儿子画得好呢!唉，我们怎么说呢，只能说她不懂中国画，但不能说她无知。据说，黄宾虹先生的画刚挂到美院时，美院的学生们也认为不像画，何况人家是职业主妇呢。在这里，我们只能说，看懂中国画真的不容易。其实，别说是不懂画的，就是很多职业画家，也会因为观念的不同、审美倾向的差异，不能客观地欣赏国画作品，有时会相互轻薄，相互贬低，甚至对人身进行攻击。
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那么，难道中国画的优劣就没有标准吗?非常遗憾，标准是艺术的大忌，好的画应该打破标准，突破传统，冲击既成的审美定式，拥有个性的艺术主张，甚至要超越与引导新的审美趋向。正因为没有标准，所以要谈如何欣赏中国画是有些困难的。下面，我尝试着进行分析，并冒着被拍砖的风险，发表些我自己的看法。只能说，欢迎大家拍砖，这没有什么不好，艺术是需要争鸣的，“请向我开炮”好像是句英雄的呐喊。
嗯!那我就在下面重复或者发表些自己的看法。
一般人欣赏中国画，往往会认为画得像就好。我们不能说画像了不是好画，但中国画是不能用画得像来断定优劣的，因为画得再像也没有相机拍出来的像。说白了，中国画在塑形方面是有其局限性的，是没有优势的。如果单从塑形来说，中国画不如油画，甚至不如铅笔。当然了，发如果非用简单的中国画材料去画幅超级写实的油画，这没有什么不好，这就像用二胡拉出了贝多芬的“生命交响曲”，首先这技术就不得了。但是，我们绝不能忽视了中国画材料所拥有的优势。《道德经》云：“万物之始，大道至简，衍化至繁”。是说事物本质原本简单，后来衍化得繁索了。正由于中国画材料的简单，它更适合表达宇宙大道，生命形式，人本质的层面。所以，中国画的优势在于以形写神，以神达意，而不是塑形。
中国画它有着诗的抽象与张力，它同样有诗的意境与感染力。它以概括的笔墨形式对观赏者的感官形成冲击，激发艺术联想，产生艺术延伸，共鸣情感诉求。我个人认为，画得像，远没有画得不像，感觉很像，更有艺术价值。齐白石曾提出过：“妙在似与不似之间，太似为媚俗，不似为欺世”。这么说，有些人可能摸不到头脑，画像画不像都不好，还怎么画?那我们来举个例子吧，徐渭画的墨葡萄，如果不题“半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风。笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中。”我们还以为是发霉的葡萄干，或就是些墨点子，或什么都不是呢。但徐渭用中国画这种诗画结合的特殊形式表达了饱经患难，抱负难酬，无奈之情，我们已经看懂了他所表达的情绪与意境，并可能感触我们联想到自己的人生，它已经足够了，至于像不像真葡萄已经不重要了。
我们可以说，画家用他的笔墨形式表达了思想倾向，抒发了自己的情感，并能够引发欣赏者的感触，这样的画也算得上是好画。但是，画不像并不是说随意乱画，徐渭的墨葡萄好，也不是单纯地来评判的，毕竟他的笔墨形式是独特的，并对后世产生了极大的影响，称后世认为是写意花鸟的鼻祖。其艺术价值的衡量，并不是单方面的，是有着多种因素的。
中国画不只不注重塑形上的像，它在色彩方上也不追求真实，并且刻意地抑制颜色的真实性，比如在颜色里加墨，以降低颜色的纯度，达到视觉上的沉稳感。中国画，是不以颜色来断定画的优劣的，就算是墨分五色，也是感觉上的色，而不是自然界的真实颜色。一幅只用墨画的中国画，就算连个朱印都不盖，仍旧可以是非常好的画。相反，过于鲜艳的中国画，反倒显得俗气。没办法，这种观念，是与文人墨客的思想品质有关。文人墨客，艺术家们，往往拥有更敏锐的观察力，有着更丰富的情感甚至感兴，也许他们曾想追求高官厚禄，甚至是产生过报国之志，由于不得志，形成了清高的脱俗的品质，并体现在了国画艺术形式里。这种观念不只作用到了中国画的用色上，并且体现在选材上。很多画家认为牡丹是富贵之花，因此不去画它。有的画家画牡丹，努力抑制它的美色，甚至直接用墨来画，表明自己脱俗的格调。当然了，虽然不以颜色来判断中国画的优劣，但并不是有颜色的国画都是不好的，就像大青绿山水，颜色极其夸张，并富有装饰效果，其艺术价值也是不可小觑的。最少，在某个阶段，它曾是中国画主流的审美形式，对中国画的发展起到过促进作用。
如果说，不懂中国画的人往往以像不像、颜色好看否来判断画，那么所谓懂画的人，甚至是某些画家，他们应该算是懂画的，他们又如何来欣赏中国画的呢?虽然他们常说，构图好，笔墨皆佳，厚重、高华什么的，但这些概念都很笼统，并不是标准。就算他们懂画，也有着观念的分弃。范曾在《为黄永玉画像》一书中是这样评介的：“巧密有余而睿智不足，停留在艺术的浅层智慧，而无佛家所谓的深入法性的‘如有智慧’……十年前初学中国画，由于缺乏中国画的笔墨功底，用排笔、排刷、丝瓜囊和大片水粉色彩作画，这未始不是一法，然而由于黄氏作画，心浮气躁，其所作国画，类多线条破败、色泽淆乱，油画家以为无色彩而国画家认为无线条。”
中国画界最大的争议是笔墨之争。吴冠中先生认为：“点、线、块、面都是造型手段，每种颜色都可渲染无穷气氛，孤立的色无所谓优劣，品评孤立的笔墨也没有意义。”范曾在《黄宾虹论》中则说：“有以为中国画笔墨等于零者，其用笔之浮而躁，如春蚓之行于草，秋蛇之绾于树，鄙陋浅薄，厚诬国画，无视权威，诅咒徐齐，实可鸣鼓而攻。”这些话，就是针对吴先生的。相信，传统笔墨与中洋结合之争方兴未艾，将会持续很长时间。
无论是坚守传统笔墨，还是借鉴别的艺术形式甚至是艺术材料，这是仁者见仁，智者见智的事情，怕是很难形成标准。无论怎么改进，无论怎么传承，当一种艺术审美成熟与普遍时，都会产生审美疲劳，总会有人要打击他。就像徐渭，石涛，朱耷，他们都是当时主流审美的叛离者，正由于他们的叛离，创造了新的审美形式，并深刻地影响到了后世的画家，时至如今，他们的画已经成为了传统了。拿西方的梵.高来说，他的成功，就是因为当时主流的审美产生了疲劳，他的画契合了变改的期盼，被大家接受与认同，并影响与引导了新的审美。艺术就是这样的，无论什么样的审美形式，一旦成为定式，变得官方，都会产生疲劳，而在这时候，是最容易出大师的。大师，并不只是画得好，有时候，它能够引导与影响新的审美趋势，已经足以被称之为大师了。
说了这么多，有人可能要问，你是赞同传统还是力挺中洋结合?
我个人认为，中国画无论怎么改进，都不应该扔掉中国画最大优势的那部分。就像，我们再改进也不应该在二胡上加上手风琴的键盘。中国画无论怎么改进，最低要保留宣纸的特性，笔墨的特性。如果我们用中国画颜料画在亚麻布上，我们可以称它为中国画，但中画的优势就将失去。无论中国画怎么发展，它独特的表情达意的语言形式，应该是不变的。比如，在白纸上画条鱼，我们根据它的姿态已经感到有水的存在了，再用颜料画出水面，或者用线去勾水，已经没有必要了。当然，并不是说勾上水线或者画上水面就不是好的中国画。我说的是，如果我们在个西瓜上画个大鼻子，两个小眼睛，大家能够看出是成龙大哥了，这就是概括与写意的艺术，没必要再画那么具体了。中国画应该保留这种写意的优势。
虽然中国山水画讲究可观可游可居可诗，但真正地把山水画画成风景图片，也不见得就是好山水画。艺术是需要留出相对空间让欣赏者来完成的。直白的形式向来都不艺术。好的艺术，无论是绘画，或者诗歌，都是应该留出让欣赏者来完成的空间来。你画得少，画得简洁，但是引导了欣赏者有更多的想像与延伸才是艺术。好的中国画，有时候可以不以画什么物象为目的，几根线条，几个点，几块墨面，在画面上构成了强烈的审美节奏，也许看不出画的是什么，单从这种审美格式与笔墨审美形式上来说，也可以算得上是好的中国画。有人就曾强调说，中国画的物象是为笔墨服务的，笔墨是为审美服务的，画的房子不是用来住的，画的路不是用来走的，画的船不是用来渡人的，它们表现了审美诉求，成功地对情感进行了引导与启发，已经足够了。
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由于中国画注重笔墨的审美，所以对于用笔的肯定，墨色的层次与灵动，气质的高华程度，高度概括的能力，写意的能力，意境的营造，都有着相当的要求，要想说明白这些概念，怕是得长篇大论。但不可质疑的是，中国画从古至今，对于线条的要求是极其注重的，特别是当代，极力推崇书法用笔。因此，我们可以通过一幅画里的线条，是不是厚重的，是不是平实的，是不是稳重的，能够判断出这人的基本功如何。那些线条轻薄，潦草的，杂乱的作品，就算是著名画家之作，也说明了他作画时的状态是的浮躁。如果这人没有名气，那就说明了他的基础差。所以说，从一幅画的线条上去判断优劣，是最快捷与直观的。
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如果说能从笔墨上看出一个人的基础的话，但一幅作品的艺术体现更多的在构图上，也就是中国画所谓的经营位置，但艺术的高度却更多地体现在你所营造的意境上。现在很多大画家的作品，有很多作品的构图都是雷同的。这说明什么，这说明创作出更好更新并且具有强烈审美的构图，并不是容易的事情。真正的好作品它应该与众不同，不能跟历史上的画有重复，最少不能跟自己的画有重复。虽然中国画的构图较为自由，但并不是说就可以随意。虽然你可以让植物倒着长，可以把水画到天上，可以把房子倒过来画，但总要有其相对的合理性。什么是合理性?比如画竹子，节外生枝是绝对不允许的，但真的节外生枝就错误吗，也不见得。那么，它的合理性在哪里?比如，有爱挑事爱拉舌头的人求画，你画了幅节外生枝的竹子给他，这副竹子就有了合理性，并有相对的艺术性。一幅作品中的任何布局，都应在立意里，在审美里。没有任何理由的乱摆乱放是等而下之的作品。
对于普通欣赏者来说，可能并不懂得什么黄金定律，攒三聚五，什么阴阳图，什么S形，三角形，什么环抱式，等等成品的构图规律。但这并不表明你不会欣赏作品。你要看看物象的错落有致，乱中是否有序，有没有雷同与重复。最少你要看着画面舒服。鲁迅美院山水画教授韩敬伟曾说过，一幅构图好的作品，倒过来看还应该是美的。构图，是对视觉的第一冲击。你在看画展时，首先注意的就是构图。所以，一幅好画不只要笔墨好，它还要有好的构图。还有人说过，你只要看看这幅画的留白就知道这画的构图美不美了。正因为构图的重要性，所以找到新的审美定式较难。有时候，就算你创造出了未来的审美形式，当时也不见得就得到认同。既符合审美规律又新奇的构图是不容易创作的。
范宽 谿山行旅图
巨然 秋山问道图
王蒙青卞隐居图 140×42.2厘米 上海博物馆藏
北宋 郭熙 早春图 绢本浅设色 158.3×108.1厘米 (台北故宫博物院典藏)
大斧劈皴
小斧劈皴
牛毛皴
米點皴
卷云皴
折带皴
短披麻皴
雨点皴
鬼面皴
点子皴
马牙皴
荷叶皴
解索皴
