孙晓云:女,1955年8月生于江苏南京。国家一级美术师。中国书法家协会理事,中国书协培训中心特聘书法教授,江苏省书法家协会副主席,江苏省美术馆馆长,江苏省文联副主席,江苏省妇联副主席,南京市书协主席,南京书画院副院长、沧浪书社社员。享受国务院政府特殊津贴。

1孙晓云书苏轼论书诗六首

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附:苏轼论书诗六首

01

【和子由论书】

吾虽不善书,晓书莫如我。

苟能通其意,常谓不学可。

貌妍容有颦,璧美何妨椭。

端庄杂流丽,刚健含婀娜。

好之每自讥,不谓子亦颇。

书成辄弃去,谬被旁人裹。

体势本阔略,结束入细麽。

子诗亦见推,语重未敢荷。

迩来又学射,力薄愁官笥。

多好竟无成,不精安用夥。

何当尽屏去,万事付懒惰。

吾闻古书法,守骏莫如跛。

世俗笔苦骄,众中强嵬我。

钟张忽已远,此语与时左。

02

【题王逸少帖】

颠张醉素两秃翁,追逐世好称书工。

有如市倡抹青红,妖歌嫚舞眩儿童。

谢家夫人淡丰容,萧然自有林下风。

天门荡荡惊跳龙,出林飞鸟一扫空。

为君草书续其终,待我他日不匆匆。

03

【观子玉郎中草圣】

柳侯运笔如电闪,子云寒悴羊欣俭。

百斛明珠便可扛,此书非我谁能双。

04

【石苍舒醉墨堂】

人生识字忧患始,姓名粗记可以休。

何用草书夸神速,开卷惝怳令人愁。

我尝好之每自笑,君有此病何年瘳。

自言其中有至乐,适意无异逍遥游。

近者作堂名醉墨,如饮美酒销百忧。

乃知柳子语不妄,病嗜土炭如珍羞。

君于此艺亦云至,堆墙败笔如山丘。

兴来一挥百纸尽,骏马倏忽踏九州。

我书意造本无法,点画信手烦推求。

胡为议论独见假,只字片纸皆藏收。

不减钟张君自足,下方罗赵我亦优。

不须临池更苦学,完取绢素充衾裯。

05

【孙莘老求墨妙亭诗】

兰亭茧纸入昭陵,世间遗迹犹龙腾。

颜公变法出新意,细筋入骨如秋鹰。

徐家父子亦秀绝,字外出力中藏棱。

峄山传刻典刑在,千载笔法留阳冰。

杜陵评书贵瘦硬,此谕未公吾不凭。

短长肥瘠各有态,玉环飞燕谁敢憎。

吴兴太守真好古,购买断缺挥缣缯。

龟跌入座螭隐壁,空斋昼静闻登登。

奇踪散出走吴越,胜事传说夸友朋。

书来乞诗要自写,为把栗尾书溪藤。

后来视今犹视昔,过眼百世如风灯。

他年刘郎忆贺监,还道同是须服膺。

06

【书刘景文所藏王子敬帖绝句】

家鸡野鹜同登俎,春蚓秋蛇总入奁。

君家两行十二字,气压邺侯三万签。

1题匾圣手 名动海上

——唐驼先生书法赏析

二三十年代,当漫步在商家林立、店铺云集的上海滩,那五颜六色的招贴;鳞次栉比的广告;名人书写的店招,使你眼花缭乱,目不暇接。而许多店铺匾牌就是闻名遐尔的唐驼先生的手笔。

唐驼先生是抗倭寇名将唐荆川后裔。生于清同治十年(1871年),病逝于1938年。原谱名成烈,又名守衡,字鹤龄、子权、孜权,因座姿不端正且二十九岁时生病,遂至驼背,毅然改名为驼,又号曲人。他题签名著《孽海花》时首用“唐驼”之名,一时成为美谈。他天姿聪颖,每日识字五十个,昼夜苦练书法,十七岁时,致力楷书研究,对王、欧、颜、柳诸体悉心临摩。深得王欧笔意,逐渐形成特有的刚劲秀逸的“唐体”风格。与沈尹默、马公愚、天台山人并称题额写匾四大圣手,扬名天下。

唐驼先生不仅是著名的书法家、而且是一位书法教育者。早在光绪二十七年,为上海澄衷学堂缮写小学课本《澄衷学堂字课图说》,书中大小文字均由唐先生楷书缮写,清晰优美,一笔不苟,更宜为儿童接受,备受家长、学校及各界名流赞赏。此外,又先后由中华书局出版发行了《孝弟祠记》和《育和堂记》二种字帖,风靡全国,再版重印达六次之多(陈吉龙先生语)。另一位受唐驼先生资助留法的杰出人才柳溥庆先生在六十年代首编一套欧、颜、柳、唐(驼)标准字帖,惜未完成,去世后由其女儿柳伦续编完成《唐体孝弟祠记标准字帖》和《唐体楷书间架结构习字帖》出版发行,延惠至今。

略知书法的人都知道,各种书体中,楷书在唐代几乎被写绝,同时,楷书是“静态”字体,有特殊的间架结构要求,笔划稍一挪动便要变异,因此最难创出新的风格和写出书者的个性。宋代以降,以楷书名家的鲜见其人。一般的书家大都将楷书作为临习和功底而不会将楷书“示众”,可见楷书创新之难,这也是不争的事实。唐驼先生穷其一生创就的“唐体”,在近代史上独树一帜,无人可比。足可以名家,定可垂世。其实,他的行书写得也很有灵气,可惜不留心于此而已,否则唐驼先生在书界的地位非一般人可比。另外,他还著有《兰蕙小史》三卷,流传于世。

这里值得一提的是唐驼先生不仅是著名书法家,而且还是一位抱负不凡、眼光独到的我国印刷业的开拓者。只是为书名所掩,鲜为人知。二十世纪初,我国印刷业尚处于幼稚时代,机器设备陈旧落后,为了寻求拯救祖国的良方,唐先生毅然去一衣带水的日本考察、学习印刷技术和工艺,他以习字的刻苦精神,学习了先进的印刷技术和管理经营。后来,主持中华书局印刷所,使得中国的印刷事业蒸蒸日上,而且在印刷邮票和钞票方面,当时在亚洲各国中是最先进的。同时,他注意培养人才,慧眼识英,派高徒沈逢吉(字迪人)东渡扶桑,留学六年,掌握系统的凹版雕刻和电镀钞券印版方面的各种技能,学成回国后,被北京财政部印制局聘为雕刻部长,在中国凹版雕刻界独执牛耳(陈吉龙先生语)。而他的再传弟子赵俊先生,是在美国杰出的有成就的著名华人,被誉为中国凹版雕刻大师。因在二十八岁时所雕刻的孙中山像用在十七种钞劵上,获得中外名家的一致推崇。世界雕刻权威、美国的撒威吉(ROBERT SAVACE)就亲笔驰函赵俊,赞赏他的成就。三十四岁出任中华书局香港印刷厂厂长,后来又操刀修改蒋介石先生头像而得以邮票顺利印制,一时传为佳话。一九六四年和一九九零年分别在日本、北京举办的两百多件的雕刻精品展,在国內引起轰动,被日本、美国、意大利等国的权威评为一流的雕刻家。赵俊先生饮水思源,不仅在家中供奉恩师沈逢吉的照片,而且在安邦小学(现刘国钧职校)设立《唐驼、沈逢吉奖学基金会》,以奖励品学兼优的学子。又在九五年捐款重建唐驼先生家那早已被战火毁掉的《暂园》,笔者三生有幸,勉为其难,受命为前辈书法大家唐驼先生撰书《暂园重建记》(唐驼纪念碑),虽非原貌,亦有可观。唐驼先生地下有知,当捻须含笑!2 14 13 12 11 10 9 8 7 6 5 4 3

米芾《焚香帖》,又作《海岱帖》,草书九帖之九,为米芾知涟水军时所写之尺牍,以帖中有“焚香”二字,故取之以名。“海岱”指海岱楼,在涟水。

1米芾《焚香帖》

草书 纵25.2厘米 横25.2厘米 日本大阪市立美术馆藏

[释文]雨三日未解,海岱只尺不能到,焚香而已。日短不能昼眠,又人少往还,惘惘!足下比何所乐?

单字放大:2 12 11 10 9 8 7 6 5 4 3

1?明 杜堇 仕女图之琴阮合奏 局部

漫步在城市的街道,有一种风景叫做时尚。它多变的身影令人捉摸不定,时而停留在少女的衣衫上,时而飘浮于妇人的发髻间。从古至今,女性追逐时尚的脚步从未停歇,而那些追求时尚的女性,也成为画家笔下不朽的题材。时尚因它的变幻莫测而充满魅力,画中那些风情万种的女子,早已成为世间经典。

收藏在上海博物馆的一幅名为《仕女图》的十米长卷,就像是电影胶片一样,把古代宫廷女子的时尚生活,真实地呈现在画卷之上。然而,这样一幅堪称巨制的画卷,它的作者却是一位民间画师,虽然他在美术史上占有一席之地,可是关于他的身世,历史上却仅仅留下了只言片语。今天的我们只能从他仅存的画卷中,试着拼凑出对他的记忆。

《仕女图》的作者是明代画家杜堇,江苏镇江人。对于今天的收藏界来说,杜堇的画作,无论是山水、花鸟,还是人物、神佛,人们都并不陌生。故宫博物院、台北故宫博物院、辽宁省博物馆、上海博物馆,这些国宝殿堂中,杜堇的画作一直被奉为上品。民间流落的杜堇画作一旦现身拍卖会,飙到天价也不足为奇。

然而,相比较作品的名气,杜堇的生平却不为人所熟知。在《中国大百科全书》中,杜堇的词条仅有寥寥数行。关于他最生动的记录,竟然是在一个诗人的诗句里。故事就从杜堇生活的明代说起吧。

2?明 杜堇 仕女图之蹴鞠 局部

落魄民间的绘画大师

公元1500年前后,明朝国泰民安,京城里每年都会汇集众多进京赶考的学子。年轻的学生求取功名,借此改变命运。而对于一个人来说,来京赶考似乎更像是一场游历,他就是唐寅,唐伯虎,中国历史上的风流才子。当年,三十岁的唐伯虎进京赶考,初出茅庐的他在京城举目无亲,于是顺着从家乡打听到的地址,去投奔一个乡党。

杜堇就是唐伯虎的乡党。江南水乡,一个才子辈出的地方,而杜堇流落京城多年,虽然乡音未改,但早已习惯了北方的生活。唐伯虎的拜访令杜堇有些窘迫,因为那时杜堇的生活已经十分困顿了。

唐伯虎倒也随遇而安,见到杜堇后自然是心中喜悦。杜堇年长,唐伯虎是晚辈,当他看到杜堇寥落的境况,心中有些酸楚。但毕竟两人都是作画之人,一来二去,很快便相谈甚欢了,唐伯虎对杜堇也有些惺惺相惜。酒过三巡之后,唐伯虎不羁的性情也就放任开了,他不分长幼,管杜堇叫老杜迂。

3?明 杜堇 仕女图之写神 局部

乘着酒兴,唐伯虎作诗一首赠予杜堇,如今这首诗就收藏在唐寅的诗集里:

白眼江东老杜迂,十年流落一囊书。长安相见红尘里,只问吴王菜煮鱼。

在唐伯虎的眼里,杜堇就是一个倔老头,他十年流落京城落魄到只剩下一囊书,见面后聊起家常,谈的都是故乡的鱼肥水美。唐伯虎不愧是才子,几句简单的白描,杜堇骨子里艺术家的那种偏执和可爱,就被他勾勒出来。

杜堇也是一位白描高手,虽然他的诗文不如唐伯虎,但他的白描绘画却是鼎鼎有名,与当时的画坛名家沈周、郭诩、吴伟齐名。据说杜堇年轻时也曾考过功名,但都不曾及第, 科场失意后流落京城以卖画为生,尝遍世间冷暖。他的画气韵高古,学生众多。说起来杜堇也是唐伯虎的长辈,在明代画坛中,像仇英、唐伯虎这样的画坛大师,都得管杜堇叫一声老师才对。

4?明 杜堇 仕女图之蹴鞠 局部

笔下传神的宫廷生活

自古以来,皇宫贵族、深宫大院里的故事,就是人们津津乐道的话题。皇帝和嫔妃之间的逸闻趣事,王公大臣的锦衣玉食,宫廷女子的动人美貌,宫墙里的一切无不充满着神秘,都是百姓们渴望了解的。

杜堇自然也不能免俗,虽然身在民间,虽然有时会食不果腹,也会在闲暇时与朋友聊起宫廷的神秘,在他的笔下也常常会有幻想中的皇宫美景,意念中飘忽着后宫佳丽的美貌。《仕女图》中一百多名美丽的女子,就是杜堇一笔笔勾勒出的。

可是,身为民间画师,杜堇并没有宫廷生活经验,宫廷女子的生活场景他又是如何得知并付诸笔墨的。这背后都是因为一幅名为《宫中图》的画卷。据考证,杜堇的《仕女图》长卷极有可能就是对《宫中图》的临仿。虽然说是临仿,但是在杜堇的笔下却有了青出于蓝的效果。

《宫中图》其实只是一份类似于草稿的画卷,它出自南唐宫廷画师周文矩之手,描绘的是五代南唐宫廷女子的生活场景。如今它已经流落海外,而在明朝时,《宫中图》是被画家奉为神明一般的艺术品,这是因为宫廷生活原本就神秘,能够传世的画卷就像是今天的老照片一般珍贵。

5?明 杜堇 仕女图之演奏 局部

一次机缘巧合,传世的《宫中图》就这样传到了杜堇的手里。一时间他心中大喜,展开画卷,废寝忘食,细细瞻仰,随即欣然提笔磨墨,开卷临摹。杜堇从艺多年,在绘画上有很深的造诣,比起当时随处皆是的临摹匠人,杜堇把临摹《宫中图》看得无比神圣。对于他来说,这样的临摹是一个巨大的工程。

自古以来,皇宫贵族、深宫大院里的故事,就是人们津津乐道的话题。皇帝和嫔妃之间的逸闻趣事,王公大臣的锦衣玉食,宫廷女子的动人美貌,宫墙里的一切无不充满着神秘,都是百姓们渴望了解的。

杜堇自然也不能免俗,虽然身在民间,虽然有时会食不果腹,也会在闲暇时与朋友聊起宫廷的神秘,在他的笔下也常常会有幻想中的皇宫美景,意念中飘忽着后宫佳丽的美貌。《仕女图》中一百多名美丽的女子,就是杜堇一笔笔勾勒出的。

可是,身为民间画师,杜堇并没有宫廷生活经验,宫廷女子的生活场景他又是如何得知并付诸笔墨的。这背后都是因为一幅名为《宫中图》的画卷。据考证,杜堇的《仕女图》长卷极有可能就是对《宫中图》的临仿。虽然说是临仿,但是在杜堇的笔下却有了青出于蓝的效果。

《宫中图》其实只是一份类似于草稿的画卷,它出自南唐宫廷画师周文矩之手,描绘的是五代南唐宫廷女子的生活场景。如今它已经流落海外,而在明朝时,《宫中图》是被画家奉为神明一般的艺术品,这是因为宫廷生活原本就神秘,能够传世的画卷就像是今天的老照片一般珍贵。

一次机缘巧合,传世的《宫中图》就这样传到了杜堇的手里。一时间他心中大喜,展开画卷,废寝忘食,细细瞻仰,随即欣然提笔磨墨,开卷临摹。杜堇从艺多年,在绘画上有很深的造诣,比起当时随处皆是的临摹匠人,杜堇把临摹《宫中图》看得无比神圣。对于他来说,这样的临摹是一个巨大的工程。

我们无法还原当时杜堇临摹画卷时的兴奋,但是从现有的《仕女图》中,我们似乎能够感觉到他对艺术的虔诚。原有的周文矩的《宫中图》中只画了八十多个人物,而杜堇在《仕女图》中一口气画了一百多个人物。长卷中仕女们飘逸的衣饰,以及纹理逼真的绸缎质感, 就是明代女性的服装秀。这些女子高耸的发髻,头上插着银质的凤凰头饰。还有脸上用三白的手法妆点,三白是将额头、鼻子和下巴处涂成白色。这些都是明代贵族女性流行的化妆手法,是那个时代贵族女性追求的时尚。

6?明 杜堇 仕女图之蹴鞠 局部

明朝宫廷的时尚运动

大唐盛世,以胖为美,而明朝的女性显然是很在意自己的体重。在杜堇笔下的《仕女图》中,明朝后宫佳丽们一个个身材苗条,但并非孱弱,看来是注重身材的保持。今天爱美的女士们都知道保持身材,一要节食,二则要锻炼。其实早在几百年前的明朝后宫,女子们就已经得到这样的真传了。在《仕女图》的前两幅场景中,分别是一幅《捶丸图》和一幅《蹴鞠图》。这就是当年杜堇在临仿前人作品时加入自己的原创部分,而这两种运动就是明朝时期宫廷贵族追求的风尚。

捶丸是中国古代的一种体育运动,起源于唐代的步打球, 宋朝以后逐渐成为一种贵族们时髦的运动项目,从捶丸用的球、球杆,以及捶丸的规则来看,很像是现代社会流行的高尔夫球运动。高尔夫球是起源于西方的运动,注重礼仪,讲究运动时的形象,运动场地山水绿茵,充满贵族风情,一直以来被称为绅士运动。中国古代的捶丸运动几乎就是现代高尔夫球的东方版本。

据古代一本名叫《丸经》的文献记载,捶丸用的球杆一般为木制,王公贵族们使用的球杆,则是用纯金打造,在边缘顶上还要镶上玉石,以显示尊贵。小球用木头做成,大小也和现代高尔夫球十分相近。《丸经》中还特别强调了捶丸体育运动中的道德,这与被称作绅士运动的高尔夫球,也有着异曲同工之妙。古代捶丸比赛的规则比较简单,就是用球杆把小球打入地上的球洞。比赛时只要三棒之内把球击进就可以得分。

7?明 杜堇 仕女图之捶丸 局部

《丸经》中记载有“宋徽宗、金章宗皆爱捶丸”。明朝还有一位出了名的贪玩皇帝,他就是明宣宗朱瞻基。明宣宗从小喜欢斗蟋蟀,后来又开始迷恋捶丸。身为皇帝,本应治理国家, 朱瞻基却常常放着朝政不理,沉浸在捶丸的世界里不能自拔, 且有图为证。故宫博物院收藏的一幅名为《明宣宗行乐图》的画作就是证据。画中的宫闱深处,是一个宽阔的球场,几个太监在皇帝旁边小心地伺候着,明宣宗显得得意洋洋,正在挥杆捶丸,神情投入。

在中国古代没有照相技术,但是皇帝的日常生活需要记录, 靠的就是眼明手快的宫廷画师。《明宣宗行乐图》就是当年的宫廷画师,捕捉到的明宣宗的生活场景。玩物丧志的明宣宗当年捶丸的样子,就这样被定格在历史的画面上。

明朝的皇帝大都爱玩,有个性。宋朝也有一个爱玩的皇帝宋徽宗,宋徽宗琴棋书画样样皆通,还喜欢踢球,《水浒传》里镇压梁山好汉的高俅,就是因为球技高超而得到宋徽宗宠信。其实高俅擅长的踢球,就是蹴鞠,也就是杜堇《仕女图》里的第二段场景。

蹴鞠是现代足球的前身,虽然对此中西方的不同专家各执一词,不过无法否认的是,中国古代的蹴鞠和足球的样子几乎别无二致。比起捶丸,蹴鞠这种运动的影响力更大,在宋朝到明朝的几百年里,从小孩到大人,从百姓到皇帝,从边疆到中原,无不被波及。中国古代蹴鞠的参与人数之广,推广范围之大, 绝对是当时一项时尚而主流的文体活动。

杜堇笔下那些身在后宫中的女子,虽然大门不出,二门不迈,可时髦之风却是无孔不入,女性对于时尚的敏感度,自然也会让她们被当时的这种时代风尚所影响,投入到蹴鞠运动之中。

也多亏了杜堇当年的几笔勾勒,让我们有幸看到古代宫廷女性多变的形象。这些身在宫廷的女子,她们静若处子的娴雅仪态,或是活灵活现的运动场面,都真实地呈现在杜堇的笔下。

8?明 杜堇 仕女图之写神 局部

隐匿画中的宫廷情结

十米长卷《仕女图》中所包容的信息是庞大的,有明朝宫廷的宫戏楼台,有后宫佳丽的日常生活,这背后也有作者杜堇鲜为人知的冷暖人生。

杜堇在流落京城的十年时间里究竟做了些什么?除了和唐伯虎短暂的会面,历史并没有给人们留下更多的文字记录。这个吝惜笔墨的白描大师,似乎成了一个令今人难以想见的名人。

不过,如果静下心来细细观赏《仕女图》长卷,当年作者落笔的心绪也许会渐渐从画卷中流淌出来。在这一百多个女子的图卷中,你可能会发现,其中有一个男性, 就是画卷中给后宫仕女画像的一名画师。

古代匠人,尤其是有名的匠人往往会在作品中嵌入自己的符号,比如紫砂壶工匠可能会在壶盖内钤上自己的印章,画匠们则可能会在山水间留下自己独有的笔法图案。这就像是今天纸币中的水印,是一种防伪的标记, 或是作者对自己钟爱作品的那种小小的沾沾自喜。

我们不妨推测《仕女图》中这个长着胡须的画师, 他不修边幅的样子,极有艺术气质,与宫廷的优雅精致稍显冲突,似乎还略带民间的风尘。那么,他会不会就是杜堇当年的样子?没有结论,但并不能否定这样的推测。这位明朝的白描大师没有留下一幅自画像, 当年他虔诚描摹,潜心绘画的时候,当描绘到这个画师时,想必他的心底会有一些异样。虽然身在宫墙之外, 但也曾意气风发,也曾试图求取功名,虽然在京城流落, 却也在心里存了一份信念,也许与皇宫有关,也许更关乎于艺术,也许他自己也不清楚,只是觉得那样的流落生活或许更让他觉得踏实,更让他觉得一步步在接近梦想。

9?明 杜堇 仕女图之照镜 局部

落笔的心绪也许会渐渐从画卷中流淌出来。在这一百多个女子的图卷中,你可能会发现,其中有一个男性, 就是画卷中给后宫仕女画像的一名画师。

古代匠人,尤其是有名的匠人往往会在作品中嵌入自己的符号,比如紫砂壶工匠可能会在壶盖内钤上自己的印章,画匠们则可能会在山水间留下自己独有的笔法图案。这就像是今天纸币中的水印,是一种防伪的标记, 或是作者对自己钟爱作品的那种小小的沾沾自喜。

我们不妨推测《仕女图》中这个长着胡须的画师,他不修边幅的样子,极有艺术气质,与宫廷的优雅精致稍显冲突,似乎还略带民间的风尘。那么,他会不会就是杜堇当年的样子?没有结论,但并不能否定这样的推测。这位明朝的白描大师没有留下一幅自画像,当年他虔诚描摹,潜心绘画的时候,当描绘到这个画师时,想必他的心底会有一些异样。虽然身在宫墙之外, 但也曾意气风发,也曾试图求取功名,虽然在京城流落, 却也在心里存了一份信念,也许与皇宫有关,也许更关乎于艺术,也许他自己也不清楚,只是觉得那样的流落生活或许更让他觉得踏实,更让他觉得一步步在接近梦想。

1法度有余但稍欠神韵的文徵明

2文徵明的老成持重不但表现在他的为人上,主要还是表现在书风特征上.比如,早年的学习黄山谷,本来极易染上剑拔弩张的习气,但他在将蹈险绝之后又复归平正。在一些大轴中堂中还动辄开张跌宕,一到老来健笔,在一些手卷册页上却是地道的平实,原有的开张完全消声匿迹,实在是令人感到诧异不已的。至于早岁学习米带,刷笔折冲,也颇见习气,但后来却用笔如金刚柞,一洗桃挞的笔道,而是气沉劲实,显然又是使后人为之敬佩不已的。故而明代中叶书坛学宋人成风,祝允明学宋,行草书有才气逼人之长,但亦时露桃挞,却未能称是骨力沉稳。而文徵明始动终静,从剑拔弩张走向沉稳,从刷扫桃挞走向沉静,可谓是有大定力者。或许,这与他的生性严谨有关;也或许,这又与他的以学力称有关;或许,这还与他髦重之寿的书法生涯有关—老来静气,非复少年裘马轻肥、旁若无人之际,当然是唯以平实为尚了。

3当然,审美方面的理由也不可忽略。比如文微明自己在《跋姜太仆书法》中提出:

观其点画形体,端庄严肃,士大夫品其有正人君子立朝之象。噫!岂虚誉哉?后之君子,即此是学,因其笔而得其心法,其心正,则笔正;如正人君子,则其为益不小矣,岂特为六艺之一而已哉?

4这种持论,完全是一种伦理的书法观。以书品关乎士大夫的立身处世,当然是唯“端庄严肃”为尚了。只不过它与真正的书法立场也还有距离。文徵明是老臣,他的规行矩步显然使他更能契合于伦理式书法观念的立场。从而与徐渭、祝允明稍稍拉开了距离。

5因此,他的行书是大小一律的—因为要“端庄严肃”.不可态意歌侧.故而作行如作楷。每一字每一笔均是骨力分明.不有丝毫苟且。作为初学范本.能在行书中有笔笔送到的功底.当然是第一流的。因此,文徵明是技巧型书法的杰出代表,技法的展示平均而有基调,不以字形变化或书写时的不同心态而有丝毫变更—比如不会因长卷作书稍见认真而更其精到,也不会因其间的偶有懈怠而时出败笔。他的水平处在一个十分稳定的水平线上,下笔即有如此境界水准.但任何事物都是相对的,没有低潮当然也就无所谓高潮,因此文徽明的行书笔笔无懈可击,却又很少有那些眉飞色舞精彩迭出之笔。比起二王手札的寓情寄兴.它却又缺少一种有血有肉的、活泼的感情。过去在讨论王殉《伯远帖》时即提到:所谓的“韵”有时恰好表现在某些不周到上,完美无缺与“韵”之间未必是完全一致的。文微明的书法在技巧上可称完美,但他的“韵”却也稍见逊色,在历来诸多大家名作的映照下,他未免稍有遗憾了。

6文徵明的行书明显得力于《圣教序》,我想这恐怕也是一个问题:《圣教序》是集字,本身文是点画周到但神气欠缺,以它作为临本,得之在笔画而失之在行气。长期面对这样的范本,文徵明焉得“无法”,又焉得有“神韵”?7

不要老是狂草了,小草也文雅也抒情
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唐 怀素《小草千字文》简介:

贞元十五(公元799年书)怀素千字文有多种,而以“小字贞元本”为最佳,又称《千金帖》绢本,八十四行,一零四五字。明莫如中说:“怀素绢本千字文真迹,其点画变态,意匠纵横,初若漫不经思,而动遵型范,契合化工,有不可名言其妙者”,此本为怀素晚年所书,怀素晚年草书又从骤雨旋风转到古雅平淡,字与字不相连属,笔道更加苍劲浑朴。当为绚烂之极而复归平淡之作,故历来为书林所重。2 20 19 18 17 16 15 14 13 12 11 10 9 8 7 6 5 4 3

1一个人的命运完全掌握在自己手中。你想成为一个什么样的人,想过什么样的生活,改与不改,什么时候改变,都完全取决于你自己,只要你想成为一个有价值的人。什么时候开始都不晚。

我常听一些人抱怨,“算了,不想再努力了,都一大把年纪了”“这辈子没什么希望了,就这么凑合着过吧”。其实,说这些话的人并不老,他们大多在四十岁左右,年富力强,精力充沛,只是他们遭遇了太多的失败、太多的打击,以致灰心丧气,得过且过。

当一个人错过了黄金学习时期,错过了黄金创业阶段,就真的没有成功的希望了吗?事实并非如此,只要你想上进,什么时候开始都不晚。

安娜·麦阿利·莫泽斯出生于美国纽约州一个农民家庭。27岁那年,她嫁给了个农场里的雇工,先后生育了11个孩子。从此,她将生命的大部分时光都消耗在了孩子身上,成了一个名副其实的家庭主妇。

为了照顾家人,她牺牲了自己的青春年华,牺牲了自己的兴趣爱好,牺牲了自己想要追求的生活,数十年来,她几乎没有出过门,一直默默地坚守着,洗衣,做 饭,干农活……时间一晃就是四十年,此时的莫泽斯已不再年轻,她已是一个67岁的老太婆了。而这一年,她的丈夫又被马踢伤,不治身亡,她不得不和小儿子一 家人生活在一起。

失去经济来源的莫泽斯成了儿媳妇的眼中钉,尤其是她患上风湿症,丧失劳动能力后,儿媳妇变本加厉,恨不得将她扫地出 门。看着儿媳妇阴沉的脸,莫泽斯决心自食其力,她勇敢地拿起了画笔。做一名画家,一直是莫泽斯的梦想,只是年轻时被贫穷所困,中年时又被孩子和家务所缠, 直到70岁,她才心无旁骛,无所牵绊,可以安安心心地画几幅画了。

没有画笔,就用刷漆的板刷代替;没有画布,她就在门廊和厨房的地板 上画;没有素材,她就到田野里、山坡上去寻找。经过五年的刻苦努力,莫泽斯终于创作出第一幅作品《农场·秋》。这幅作品一问世,就受到人们的广泛关注,并 被托马斯·德拉格斯特亚收藏,摆放在商品陈列窗内。

随后,“莫泽斯老奶奶画家”的名号传遍了纽约,她的作品被刊载在各大报刊杂志上。不久,莫泽斯的作品流传到法国,卢浮宫近代美术馆出资100万美元,收购了她的一幅作品。而在普希金美术馆举办莫泽斯的作品展时,排队参观的人竟然高达11万。

在102岁以前,乔治·道森一直是一个默默无闻的人,直到90岁时他才猛然意识到自己的这一生都虚度了,似乎应该在这个世界上留下点儿什么。于是,他进 了扫盲班,开始学识字,学文化知识。后来他爱上了写作,并孜孜不倦地朝着这个方向前进,终于在他102岁那年,完成了自己的处女作《索古德的一生》。这本 书刚刚上市,就引起了巨大的轰动,成为美国当时最畅销的书籍之一,乔治·道森也一下子从一个名不见经传的小人物,荣升为一个人们喜闻乐见的大作家。

1《梅花诗帖》

刘熙载《艺概·书概》云:“观人于书,莫如观其行草。东坡论传神,谓:‘具衣冠坐,敛容自持,则不复见天。’《庄子·列御寇》篇云:‘醉之以酒而观其则。’皆此意也。”苏轼固然在正书碑刻中显示了他的气韵与艺术个性,但在行草中的神韵传达得更为淋漓尽致,更体现了他的创造性。下面分析几件典型作品。

23前赤壁赋 局部

《前赤壁赋》(图4),行楷书,纸本,前有缺行。曾经贾似道、文徵明、项元汴、梁清标等收藏过,后入清内府,现存台湾。此赋用笔锋正力劲,欲透纸背;在宽厚丰腴的字形中,力凝聚收敛在筋骨中,此谓“纯绵裹铁”。这种力又往往从锋芒、挑踢、转折中闪烁出来,就像宽博的相貌中时有神采奕奕的目光流观顾盼。特别耐人寻味的是,苏轼选用行楷表现出一种静穆而深远的气息。明董其昌赞扬此赋“是坡公之《兰亭》也”。试作剖析:王羲之的《兰亭序》既有诗情画意,又渗透玄理,《前赤壁赋》的内容与之相近。苏轼的旷达胸襟、高洁灵魂与羲之亦有相似之处。王羲之将他风神萧散、不滞于物的襟怀在行书《兰亭序》中表现出来,而苏轼情驰神纵,超逸优游的心神也在此赋中显现。董氏还赞扬此书墨法:“每波画尽处每每有聚墨痕,如黍米珠,恨非石刻所能传耳。”

4 6 5《寒食诗帖》(图5),又称《黄州寒食诗》,苏轼撰诗并书,行书十七行,五言诗二首。现藏台湾。曾刻入《戏鸿堂法帖》、《三希堂法帖》。和《前赤壁赋》相比,《寒食诗帖》彰显动势,洋溢着起伏的情绪。苏轼中年贬黄州团练副使,在政治上从高峰坠入低谷,在物质生活上遇到种种困难,在精神上感到寂寞。他只得在山水间放浪,与樵渔杂处,寻求精神上的寄托。正是在这种境遇中,他的艺术境界升到一个新的高度。此帖用笔或正锋,或侧锋,转换多变,且多藏其锋。如“我”字之“戈”,“黄”字之撇,“寒”字之捺,均敛而不发,然而又数次用悬钟长坚耀其锋铦,如“年”字、“中”字、“苇”字,在藏与露中显示其情感的波澜。“病起须已白”五字,字形由大而小;“坟墓在万里”五字,“墓”字写得特大,另三字则缩得很小;再转为大字“哭涂穷死灰”等。苏轼将心境情感的变化——寓于点画线条的变化中,随意俯仰,顺手断联,自然错落,浑然天成。难怪黄庭坚为之折腰,叹曰:“东坡此诗似李太白,犹恐太白有未到处。此书兼颜鲁公、杨少师、李西台笔意,试使东坡复为之,未必及此。”(《黄州寒食诗跋》)董其昌也有跋语赞云:“余生平见东坡先生真迹不下三十馀卷,必以此为甲观。”

7 8《洞庭春色赋》(图6)与《中山松醪赋》(图7),均为苏轼撰并书。前者行书三十二行,二百八十七字;后者行书三十五行,三百十二字;又有自题十行,八十五字。真迹清初为安岐所藏,后入清内府,刻入《三希堂法帖》。后来又散人民间。1982年由吉林省博物馆收藏。此为苏轼晚年所作,自题云:“绍圣元年(1094)闰四月廿一日将适岭表,遇大雨,留襄邑,书此。”时年已五十九岁,笔墨更为老健,结字极紧,意态闲雅,奇正得宜,豪宕中寓妍秀。乾隆曾评:“精气盘郁豪楮间,首尾丽富,信东坡书中所不多觏。”《佩文斋书画谱》卷七十七赞誉为“当是眉山最上乘”。由此二帖可见苏武的又一种行书风格。

9 10《桤木卷帖》(图8),又称《书杜工部桤木诗卷帖》。苏轼书杜甫诗,墨迹本,澄心堂纸本。行书,十九行,一百五十九字。此帖多用正锋,精神凝聚,结构圆熟,字形匀称,其墨法最有特点。安岐评论说:“此卷字画沉着,用墨浓淡适中,较丰墨者别有生动之趣。”明代金冕跋云:“昔先生尝赞美杜子美诗、颜鲁公书皆求之于声律点画之外,今观先生书杜诗,后千百年,宛然若昨日挥洒者,盖寓精神于翰墨而才品所自到尔。倘拘以宇宙之得而论之,是未可同赏妙也。”在这短幅中,苏轼以其笔墨骨肉赋其形,以其才学品性灌注其神情生气;吟物有所寓,咏诗有所悟,读杜有所思,挥毫有神助,使后人“爱玩不忍舍”。

《东坡苏公帖》,又名《东坡书髓》、《西楼帖》,为苏轼书迹刻帖。宋乾道四年(1168)汪应辰撰集,刻于成都。末尾跋云:“东坡苏公帖三十卷。每搜访所得,即以入石,不复铨次也。乾道四年三月一日,玉山汪应辰书。”又有陆游跋:“成都西楼下有汪圣锡刻东坡帖卅卷。”“西楼下石刻东坡法帖十卷,择其尤奇逸者为一编,号《东坡书髓》,三十年间未尝释手,去岁在京师,脱败,再装缉之。”清道光间,南海廖甡选翻此帖部分而成《观海堂苏帖》, 其后又有长白瑛桂翻刻此帖部分,仍名《东坡苏公帖》。原石刻拓本,今藏天津博物馆。

11天际乌云帖

苏轼还有许多名作,如《祭黄几道文》,行楷书,真迹藏于上海博物馆。《天际乌云帖》(图9),苏轼书蔡襄诗,行书,真迹曾由明代项元汴收藏,清归翁方纲,还有翁氏题跋。又有《新岁未获展庆帖》与《人来得书帖》,均为行书,安岐称为“坡公杰作”。《王斋翰勘书图跋》,原迹藏于南京大学,行书,书于元佑六年(1091)。《李白仙诗卷》,行书,书于元祐八年(1093),现藏日本大阪市立美术馆。又有《春帖子词》、《书和靖林处士诗后帖》、《姑熟帖》(图10)、《次辩才韵诗帖》、《爱酒歌》、《梅花诗帖》(图11)、《养生论》(图12)、《归去来辞卷》(图13)等等。

这里值得一提的是苏轼尺牍的书法特色。中国传统文人极重信礼之书艺,尤以魏晋人为最。苏轼崇尚晋韵,也倾心于此。岳珂《宝真斋法书赞》曾述苏轼若对所书信札不满意,苏轼书法教案会再写一遍,可见其用心。苏轼的尺牍书艺赢得了后人的推许,王履道认为“至于尺牍狎书,姿态横生,不矜而妍,不束而严,不轶而豪,萧散容与,霏霏如甘雨之霖,森竦掩映,熠熠如从月之星,纡徐宛转,纚纚如萦茧之丝,恐学者所未至也。”下面再举例简略评析。

12苏轼《宝月帖》 书于1065年(治平二年) 行书,藏台北故宫博物院。

《宝月帖》(图15),信札,行书,藏台湾。曾编人《苏氏一门十一帖》。此帖四行,四十二字。每字各具姿态,皆以筋骨立形,以神情润色,灵变无常,神采飞扬。行间气脉贯串,全幅气韵生动。笔法精严,但不拘束;姿态妍美,但不做作;一切自在有法、无法之间。作者的学问才气发于笔端,与书札的萧散风格相吻合。苏轼书法教案

13苏轼《啜茶帖》 书于1080年(元丰三年) 行书,藏台湾故宫博物院。

《啜茶帖》(图16),信札,行书,藏台湾。曾编入《苏氏一门十一帖》。内容是通音问,谈啜茶,说起居,落笔如漫不经心,而整体布白自然错落,丰秀雅逸。

14苏轼《治平帖》卷,宋,苏轼书,纸本,行书,纵29.2cm,横45.2cm。北京故宫博物院藏

苏轼名札甚多。如《治平帖》(图14)熙宁二年(1069)三十四岁时书,苏轼书法教案可见其早年书艺的风韵,赵苏轼书法教案孟頫誉为“世间墨宝”。《一夜帖》(图17),又名《致季常尺牍》,行书,书法遒劲茂丽,肥不露肉,神采动人。《久留帖》、《屏事帖》、《作书帖》、《京酒帖》、《令子帖》等,或端庄圆润,或丰秀雅丽,编入《苏氏一门十一帖》。今藏台北故宫博物院的还有《江上帖》、《致运句太博尺牍》、《渡海帖》、《假寐帖》、《延平郭君帖》、《遗过子尺牍》、《尊文帖》等等。

15苏轼《归去来兮辞》卷 32 x 181.1 cm 台北故宫博物院藏

苏轼的《答谢民师论文帖》后有明陈继儒题跋:“东坡碑版照四裔,不如尺牍天真烂漫。所谓“吾写字觉元气十指间拂拂飞出’,此卷等是也。”陈氏又一次指出苏轼尺牍书艺的特色,比之碑版更为“天真烂熳”。由于在不同时期给不同对象写信,书艺风格也有不同。如果按时间排列,其风格大致由流丽而至老辣,由绚烂而归平淡。

1现在还有人混淆水墨画和中国画的概念,并且认为水墨画是中国画“中西融合”之后的产物,是中国画历史发展的新阶段,我认为这种论断没有根据。因为水墨画不等于中国画,它们根本就是有一些相似的两种绘画。

中国画是秉承“一画”、“三远”、“六法”这些基本概念的中国绘画,它的基础是中国历史和中国文化。水墨画则放弃这些基本概念,以水墨材料为主要载体,并且具有更多包容性的“世界”绘画,它的基础是百年来中西文化的交融与碰撞。

2林风眠 《山水》

中国画自古有之,历来为中国人以视觉方式阐释对世界认识的方式之一,重要的是强调精神,与绘画材料没有必然的逻辑关系。虽然就目前的习惯,笔、墨、纸、砚是承载这种绘画的最佳材料,但是不能否认过去其他材料的中国画形式,并且不排斥将来会有新的中国画的材料出现。水墨画则主要从材料的角度考虑,作为一块艺术创造的“新大陆”,20年来蓬勃发展,以水墨画或水墨的名义出现许多当代艺术的尝试,如前卫水墨、实验水墨、装置水墨、行为水墨,或者概念水墨等等。但水墨画也将近百岁,现在可以看清过去有些被怀疑和争论的“中国画家”,实际是在进行水墨画的创作。比如,林风眠就是标准的水墨画家;还有徐悲鸿,虽然有大量的中国画创作,但是作为中国美术史上的改革家,他有中国画家、水墨画家和油画家等多重身份;再如李可染上世纪50年代的一些写生作品,也只能被归为水墨画一类;随后最具有代表性的水墨画家,就是带有更多国际色彩、目前仍然创作不断的吴冠中。此外,建国后曾经有一段时间中央美术学院中国画系被改名为彩墨画系,实际上作为“中西文化的交融与碰撞”,彩墨画在50年前无意中成了水墨画的先声。20世纪中国画发展的脉络也非常清楚,从吴昌硕到齐白石、黄宾虹,再潘天寿,再陆俨少,如此等等。但也是在潘、陆之后,中国画发展停滞不前,过去争论的问题还一轮一轮地在历史舞台上重演。或许潘天寿“中西绘画应该拉开距离”的口号,在今天对中国画而言仍然有着重要的现实意义?!

3吴冠中 渔船泊舟

水墨画与中国画,一个自由,一个纯粹。水墨画自由是指它的包容性,无论古今中外都可以在这片艺术天地里自由驰骋;而中国画纯粹则指它严格的美学要求,只有认同中国画精神的创作才可以被中国画称谓所囊括。所以,我们也就可以理解为什么深圳举办的“国际水墨画双年展”而不是“国际中国画双年展”,中国画研究院为什么就不能改名为中国水墨画研究院,或者李小山的“中国画穷途末路”为什么不是“水墨画穷途末路”,刘骁纯要在今年策展的“中国水墨文献展(1976-2006)”而不是“1976-2006中国画文献展”了。还有就是吴冠中的“笔墨等于零”和张仃的“笔墨是中国画的底线”,说的实际上是水墨画和中国画两件事,为不同的对象发生争执,则完全是鸡对鸭讲了。

一、没骨画的定义:

没骨画:在中国画绘画技法中,用墨笔勾出轮廓线称为骨法,所谓的“骨”指的就是墨线;不用墨笔勾出勾出轮廓线,而是完全用墨或色渲染成,就称为没骨法。用没骨法画出来的画就称为没骨画,也称为无骨画。古代上水、花鸟画都有用无骨法进行绘画的,我们可称之为无骨山水画、无骨花鸟画。

二、没骨画的技法:

1没骨画大师恽寿平 画作

没骨画法作为不勾墨线,直接以色彩塑造物像的画法,从技法上看,有渲染、点染两种。没骨渲染是指不勾轮廓线[或先用炭条、铅笔、淡墨勾出轮廓线,然后用色将其覆盖,或着色后再将铅笔、炭条的痕迹擦掉,最终让人看不到墨线],用层染或混染法,通过多次着色来塑造物象的一种绘画手法。没骨点染是指先在笔上调好墨或色的浓淡,然后一笔或几笔点出物象的一种绘画手法。没骨点染有粗细之分,细致的在工笔花鸟中常用来表现草虫、小花、小草和枝梗等。较粗的则是兼工带写。

三、没骨画的特点:

从历代关于没骨画的论述及流传的作品来看,没骨画最根本的特点是“直以彩色图之”,就是不用墨线勾勒,直接用色点、色线和色彩的晕染去塑造画面形象。没骨画技法是中国画的三大表现技法体系之一[其他两种为水墨画技法和工笔重彩画技法]。

2张大千 没骨荷花

四、没骨画的起源:

[说法之一]:在中国古代绘画中早有此法的应用,如远古的彩陶纹样。

[说法之二]:据记载,南北朝时期的张僧繇曾在建康一乘寺用朱及青绿画凹凸花。相传,张僧繇所作的《观碑图》也是全部用色彩画成,故张僧繇被视为没骨法的开创者。张僧繇是公元6 世纪时的一位佛画[写真]高手,相传他可以用印度的阴影法作佛画。关于他曾在一乘寺用天竺(古印度)画法画“凸凹花”,《建康实录》有如下记载:“一乘寺,梁邵陵王王纶造,寺门遗画凸凹花,称张僧繇手迹。其花乃天竺遗法,朱及青绿所造,远望眼晕如凹凸,近视即平,世咸异之,乃名凹凸寺云。”在色彩上,他吸取了域外画家的用色技法。相传他还创造了不用勾出轮廓线,纯用色彩绘画的“没骨”画法。宋人楼观在一幅山水画题识中说:“梁天监中张僧繇每于缣素上不用笔墨,独以青绿重色图成峰岚泉石,谓之抹(没)骨法,驰誉一时,后唯杨升学之,能得其秘”。

[说法之三]:唐代明皇時,有一位叫杨升的画家,因为受到张僧繇的影响,在画山水时,其山石不用墨线勾勒轮廓,也不用皴法分凹凸阴阳,而是直接以不同的颜色来表现。画树时一笔就画出树干,树叶也是直接用颜色画出。人们将杨升的画称为没骨山水画。

[说法之四]:在唐代壁画中,没骨画作为一种基本的绘画手法已被大量应用,这说明没骨画法应该是产生于唐代或唐以前。比如敦煌壁画中61窟西侧北壁的《五台山图局部·大佛光寺》是五代时期作品,其中的芭蕉树就是用没骨法画出。该树不用墨线勾染,直接用颜色绘出,其形体结构关系是通过留白和色度变化来表现的。再如95窟南壁西侧的《长眉罗汉图》,其中对罗汉脚前的一株植物也应用了没骨法,以留白的方式表达形体结构关系,与另一株用白描法画出的植物形成对比。

3董其昌 仿唐 杨生 峒关蒲雪图 立轴 设色绢本

[说法之五]:据宋代郭若虚《图画见闻志》记载,没骨画法始于五代的徐熙、徐崇嗣祖孙,或更确切地说是始于徐崇嗣。“没骨图”这个名称,最早见于北宋郭若虚所著《图画见闻志》:“徐崇嗣画没骨图,以其无笔墨骨气而名之,但取其浓丽生态以定品。后因出示两禁宾客,蔡君谟乃命笔题云:前世所画,皆以笔墨为上,至崇嗣始用布彩逼真,故赵昌辈效之也。愚谓崇嗣遇兴偶有此作,后来所画未必皆废笔墨。且考之六法,用笔为次。至如赵昌,亦非全无笔墨,但多用定本临模,笔气嬴弱,惟尚傅彩之功也。” 可见徐崇嗣的画并非都是没骨画,而只是“遇兴偶有此作”,“所画未必皆废笔墨”。书中还记载,徐崇嗣有一幅花卉作品,其中有芍药五本,所画皆无笔墨,惟用五彩布成,画旁题“翰林待诏臣黄居等定到上品徐崇嗣画没骨图”。与郭若虚同时的沈括在《梦溪笔谈》中说:“(徐)崇嗣,创造新意,画花不墨巻,直叠色渍染,号没骨花。”徐崇嗣“乃效诸黄之格,更不用笔墨,直以彩色图之,谓之没骨图”。稍后,文学家苏辙也在《栾城集》中提到徐崇嗣的画“以五色染就,不见笔迹,谓之没骨”。

4徐崇嗣 《雪树情侣》 没骨花鸟

[说法之六]::没骨画其实始于黄筌,徐崇嗣仅是“效诸黄之格”而已。宋代《洞天清禄》:“黄筌,孟蜀王画师,目阅富贵,所作多绮园花锦,真似粉[指各种颜色]堆者而不作圈线[指的是墨线]”。明代《格古要论》称:“尝有一独梭熟绢,黄筌作榴花百合,皆无笔墨,惟用五彩布成,其榴花一树百余花,百合一本四花,花色如初开,极有生意,信乎神妙也”。明代《清河书画舫》称:“黄筌善为没骨画,凡花果多不用墨,惟用五彩布成。其花色如初开,极有生意,信妙绝也。”黄筌也曾参与过壁画创作,黄休复在《益州名画录》中记载,黄筌曾“画四时花木,兔雉鸟雀”于八卦殿,欧阳迥还为之撰写过《壁画奇异记》。《宣和画谱》著录有黄筌《没骨花枝图》一件。黄筌的贡献在于,他将古已有之的没骨画技法引入了卷轴作品创作中。

五、没骨画的重要画家

[1]南北朝:张僧繇。

[2]唐代:杨升、王洽。杨升、王洽擅长山水。杨升的作品已失传,我们可从明代董其昌的《仿唐杨升峒关蒲雪图》中窥其一斑。

[3]宋代:黄筌、徐崇嗣、赵昌、梁楷、米有仁。黄筌、徐崇嗣、赵昌均擅长花草和鱼虫。

[4]元代:王冕。

[5]明代:徐渭、董其昌、蓝瑛、孙隆。没骨画技法有了新的发展,从接近双勾填彩的渲染画法发展为放笔点染的画法,讲究用色的干湿浓淡,水色交融,色彩有冷暖变化,形象生动,用笔挥洒自如,是没骨画技法臻于成熟的标志。

[6] 清代:恽寿平、居廉、任伯年、吴昌硕等。

[8]近现代:齐白石等。

这里,有一个问题需要说明:所谓没骨画,是指以没骨画技法为主画出来的绘画。在现实中,对画家和画种的界定并不那么容易,比如,有些画,既有没骨技法,又有墨线的勾勒,现在的很多写意画就是这样;再有比如,有的画家,既画墨骨画又画没骨画。因此,凡是曾经大量使用过没骨画技法的,比如恽寿平、居廉、任伯年、吴昌硕、齐白石等人,在论及没骨画时,我们也将他们列进来,正是基于这种看法。

六、没骨画分类:

以前,尚未见到对没骨画的详细分类。以我观之中国画中的没骨画还可以从几个不同角度进一步分成若干小类:

[1]从大的画种上看,可将没骨画分为没骨山水、没骨人物、没骨画鸟。比如杨升、米有仁的一部分画,就属于没骨山水,梁楷的泼墨仙人图就是没骨人物,黄筌、徐崇嗣擅长的则是没骨花鸟。

[2]从着色上看,可将没骨画分为水墨[纯以墨绘画出来的]没骨画、五彩没骨画或者成为傅彩没骨画。比如梁楷的泼墨仙人图、米有仁的水墨山水就是水墨没骨画,黄筌、徐崇嗣以及恽寿平等人则擅长五彩没骨画。

[3]从绘画精细程度上看,还可以将没骨画分为工笔没骨画、写真没骨画[与传统的工笔画不同,写真画突出了光色的运用]、写意没骨画和半工半写没骨画。

[4]从运用没骨技法的程度上来看,又可以将没骨画分为全没骨画和半没骨画。在欣赏中国古代乃至现代绘画时,我们不难发现,有很多绘画,既使用了有骨画法,也使用没骨画法,这种情况,在齐白石绘画中最为常见。

七、关于没骨画的若干评论:

[1]关于起源:(1)最为原始的没骨画法,应该是在新石器时代就已经存在了。(2)至南北朝时,张僧繇在借鉴印度绘画技巧的同时,进一步发展了中国画的用色理念和用色技法,为没骨画技法的成熟奠定了坚实的基础。因为我们知道,没骨画技法的成熟,需要解决的几个基本问题是:第一,必须具有相当多的颜料种类,以用来表现色彩、色阶乃至光照的不同,如果只有一两种色彩,只能是原始绘画;第二,对于颜料的运用已经相当成熟,也就是已经基本学会了什么情况下用什么颜色去表现;第三,对于光色的理解一定要突破轮廓线的限制。原始绘画中,人们最先认识到也是印象最深刻的,是通过外轮廓线的描绘来表现物象。如果不能突破这一认识,就无法直接用色彩却表现物象。王翚在题恽寿平一牡丹画时说:“北宋徐崇嗣创制没骨花,远宗僧繇传染之妙,一变黄荃勾勒之工,盖不用笔墨,全以色彩染成,阴阳向背,曲尽其态,超乎法外,合于自然,写生之极致也。南田子拟议神明,真能得造化之意。”(3)没骨法山水技法成熟于唐代的杨升,而没骨花鸟画则成熟于宋代的黄筌,徐熙只是“效诸黄之格”而已。

[2]所谓没骨画,按《梦溪笔谈》中的定义是“不用笔墨,直以彩色图之”。但是,这种没骨,并不表明没骨画的画面,会给人一种软弱无力的感觉。因为没骨画法,通过点染花瓣、叶子,也可以表现画家的笔力和物象的自然结构、光色影响等。而且,由于没骨画法直接使用色彩造型,直接用色彩描绘物象的光感、色感和质感,比之于用墨线造型的手法,更接近于客观真实,更富有真实感,更适用于写实绘画。那么,为什么没骨画技法不如水墨画技法和工笔重彩画技法那样受国人的重视呢?其原因是受到了唐宋以来绘画理论和审美观的影响。根据谢赫“气韵生动,骨法用笔,应物象形,随类赋彩,经营位置,传移模写”六法的要求,用笔是次要的,“没骨”也即意味着没了“笔”的表现力。因此,自谢赫“六法论”提出以后,对用笔的要求影响了中国绘画一千多年。张彦远在唐代提出“夫象物必在于形式,形式须全其骨气,骨气、形式,皆本于立意而归乎用笔”。这一品评标准不可避免地影响到没骨画的创作和市场。在这种对笔墨极力追捧的审美环境下,“不用笔墨,直以彩色图之”的没骨画受到压抑和贬斥是不足为怪的。