唐诗宋词是我国的文化瑰宝，其中很多句子让我们拍案叫绝，流传千古。近日，再次翻阅这些书籍时发现一个趣味的话题，唐诗宋词中的很多诗词绝句中蕴含着妙语之最，且意味无穷。

最快的船——两岸猿声啼不住，轻舟已过万重山。

最开心的事——山穷水复疑无路，柳暗花明又一村。

最难找的人——只在此山中，云深不知处。

最害羞的人——千呼万唤始出来，犹抱琵琶半遮面。

最多的愁——问君能有几多愁，恰似一江春水向东流。

最瘦的人——帘卷西风，人比黄花瘦。

最憔悴的人——衣带渐宽终不悔，为伊消得人憔悴。

最大的瀑布——飞流直下三千尺，疑是银河落九天。

最深的情——桃花潭水深千尺，不及汪伦送我情。

最长的头发——白发三千丈，缘愁似个长。

最穷的女人——右手秉遗穗，左臂悬敝筐。

最长的脸——去年一滴相思泪，今年刚流到腮边。

最大的额头——未出庭院三五步，额头已到画堂前。

最大的门窗——窗含西岭千秋雪，门泊东吴万里船。

最寂寞的时候——举杯邀明月，对影成三人。

最恐惧的地方——千山鸟飞绝，万径人踪灭。

最深的雪——夜来城外三尺雪，晓驾碳车辗冰辙。

最无才的人——两句三年得，一吟双泪流。

最多的爱——后宫佳丽三千人，三千宠爱在一身。

最浓的情——金风玉露一相逢，便胜却人间无数。

最忧愁的人——抽刀断水水更流，举杯消愁愁更愁。

最长的情——天长地久有时尽，此恨绵绵无绝期。

最苦的酒——酒入愁肠，化作相思泪。

最孤独的人——孤舟蓑笠翁,独钓寒江雪。

最喜欢喝酒的人——醉卧沙场君莫笑，古来征战几人回。

最悠闲的人——采菊东篱下，悠然见南山。

最勇敢的人——但使龙城飞将在，不教胡马度阴山。

最有志气的人——至今思项羽，不肯过江东。

最孤独的人——前不见古人，后不见来者。

最美的女人——回媚一笑百媚生，六宫粉黛无颜色。

最不安分的女人——春色满园关不住，一只红杏出墙来。

最高的危楼——危楼高百尺，手可摘星辰。

最远的朋友——海内存知己，天涯若比邻。

最难寻找的东西：上穷碧落下黄泉，两处茫茫皆不见。

最强烈的春风：忽如一夜春风来，千树万树梨花开。

醉得最死的人——昨夜风急雨骤，浓睡难消残酒。

最忙碌的人——城头铁鼓声又震，匣里金刀血未干。

酒量最大的人——百年三万六千日，一日须倾三百杯。

爬得最高的人——举手可近月，前行若无山。

脸皮最厚的人——待到重阳日，还来就菊花。

最有计谋的士兵——射人先射马，擒贼先擒王。

离家最久的人——少小离家老大回，乡音无改鬓毛衰。

架子最大的人——天子呼来不上船，自称臣是酒中仙。

被风吹得最远的房子——茅飞渡江撒江郊，高者挂之长林梢。

眼力最差的人——众里寻他千百度，蓦然回首，那人却在灯火阑珊处。

为人处事之中对分寸的把握可能是一个人能否成功的重要因素，由此我想到书法的分寸问题，并用分寸而引深到对书法艺术标准的探索。古人把历史上那么多优秀的书法家按水平造诣分成三六九等，形成一套相对完善的评判标准。现代人喜欢仁者见仁，智者见智，公说公有理，婆说婆有理，似乎艺术一下子失去了标准，让我们无所适从。我们在书法学习创作中所应该追求的高境界是什么?真的没有答案吗?于是我想到了用书法的分寸来作为自己学习的一种规范。

一、个性与共性的分寸

每个人在创作中总想体现自己的个性，这其实非常好，但关键是你对书法中经典共性的表达有多少，如果没有传统经典的共性或共性太少，所表达的个性其实就成了极为简单的事情。不是所有的个性都是好的，只有在书法共性的基础上能体现出自己一点点淡淡的个性那才是最高级的。

二、形式与内容的分寸

所谓形式，就是我们第一眼能看到的东西，所谓内容是我们认真解读之后所了解的东西，就像我们欣赏一个姑娘：服饰的讲究和化妆固然很重要，但是姑娘是否具有美丽、才情和气质那才是最重要的，我想现在的选美和模特大赛，参赛选手都要穿上比基尼走两步，可能就是评委研究了形式与内容的分寸吧。

三、味道浓与淡的分寸

我们经常去饭店吃饭，很多人喜欢吃一些味道特别浓的东西，比如四川火锅，麻辣虾等等，这些东西我们偶尔吃一次可以，吃多了会腻的，所以味道清淡的家常菜才是大多数客人的常选，最健康也最离不开的食品可能就是自己家里做的馒头、米粥、大白菜，由此我想到赵孟畹淖髌肺裁椿崃鞔吕矗艹晌洌执硕忌儆腥诵郎退淖髌罚踔劣腥诵μ杆淖髌凡渭庸苟佳〔簧稀D训牢颐堑那氨捕际鞘榉ㄐ郎偷陌壮章穑靠隙ú皇牵涫嫡悦项作品之中那点难以让人察觉的淡淡的味道就是其作品具有生命力的原因。反观我们现代人，那些极具夸张之能事的作品，虽然能第一眼打动你，但谁又能保证看久了还不腻呢?

四、自然与刻意的分寸

人们都崇尚自然、讨厌刻意这是毫无疑问的。如果自然仅仅是没有任何内容的自然那就是简单，刻意的深化就是造作。没有刻意的自然是经不起推敲的，没有自然的刻意是低级的，只有经过严格刻意之后的自然才是书法的高境界：简约而不简单.

五、技与道的分寸

如果用打乒乓球解决技与道的问题相对容易理解些，每个高水平运动员在打比赛中都会深刻领会技术与战术的问题，如果没有高超的技术做后盾，再好的战术和想法都会落空，失败是一定的。如果两个人技术实力相当，就看谁的战术运用得更加得当。战术运用得好会发挥自己的长处而抑制对方的发挥，从而获胜。所以说，技术是战术的保证，战术有利于技术的发挥。书法的技与道也应该如此，忽视任何一方都不能达到艺术的至高境界。

六、文与化的分寸

我们不妨把文化拆开，文是名词，是知识、学问，化是动词，是应用和融会贯通的意思，我们有时把文化简单地理解成知识，其实是强调了文而忽略了化。我们经常接触到一些老板，没有多高的学历，甚至小学都没有毕业，生意却做的红红火火，让有些给老板打工的大学生很是郁闷，其实用文和化来解释就能理解了，这些老板可能没有太多的专业知识，但是勤劳和诚信这一点很多所谓有知识的人并不在意或没有坚持的东西，在他们那里却发挥到极致，也就是他们把知道的那一点点文给“化”了。所以他们成功了。很多有知识的人让知识永远停留在储存知识阶段，而没有化成指导行为的力量，没有化的能力，再多的知识也不会成就一个人，书法的学习不也一样吗?

说到书法的分寸还有很多很多：收与放的分寸;继承与创新的分寸;虚与实的分寸;迟与速的分寸;繁与简的分寸;古朴与灵动的分寸，等等等等，更多的分寸问题会出现在我们书法的学习和创作中，如何解决这些分寸，达到书法整体的和谐与平衡，可能有利于解决书法标准的问题。

▲临帖要注意一笔三抬头，这是临帖的捷径。看三眼再下笔。什么时候叫会写字了?就是离开贴就写不了字。如果离开贴，上来就会写，那叫不会写字。

▲要学会看帖读贴，眼睛要学得尖一些，“贼”一点，要掌握法度。笔画少的字要写小，笔画多的字要写细。写不好不是大问题，但不看贴就写是大问题。既不看贴，又写不好就什么问题也不是了，也无法谈问题了。书法一定要讲法，讲道，因为这是一种学问。

▲书法艺术是学出来的,不是在家闷头练出来的。

▲学书法是受人尊敬的高雅艺术，“两子”都喜欢。上至天子下到(叫)花子都对写字的人非常尊敬，学别的东西，比如武术，就可能有人有非议，但对写字好的人没有说坏话的。

▲写书法的全部核心内容就是临帖临帖再临帖。不管学谁的书体，都要临帖。首先要像，贴上是实笔就写实笔，贴上是虚笔就要写成虚笔，不要随意更改，下一笔要看三眼，直到看好了，才可以落笔。

▲学字不要贪多。有的人写了很多诗词书法，拿给我看，结果一个字都不对，有什么用?我这是说真话。说真话往往听了很不舒服，但我必须说实话，不能骗你，那样没有好处。因此千万不要贪多。我小时候，老父亲就教我写八个字，一直写了若干年。28法都写好了，就能走遍天下。我敢打赌。

▲一个人什么最难受?失去目标最难受。望山跑死马说明还有奔头，但没有目标就很难受。▲有人说书法界“上头一帮痞子，下面一帮傻子”。当然，这与当前国家发展的重点有关。现在国家一心一意搞建设，主要先解决经济问题。书法上不景气，有些混乱，尤其文革以后，把一些东西搞乱了，但总有一天，国家经济发展了，就会来清理这些书法垃圾，当然主要是自然淘汰。有的说，我就在家练。但你找不准方向的时候，只能是越写越不能，越写越晕越糊涂。就像在沙漠里转悠，原地不动。

▲什么时候能把写字当饭吃的时候，字就能写好了。如果当做快乐，就永远写不好。你玩它，它也玩你。我经常说，艺术是最讲良心的，你对它一份好，它就回报你一分。

▲美术写生，书法写熟。

▲写字，只有心里明白，手写不出来，但从未有心里不明白，手上写出来很好的。变戏法一看就明白，体育上有偶然性，艺术上不行。

1、关于写字的姿势

▲写字的时候，一定要坐正，上身不要晃动，要反复去找感觉。

▲行笔的时候，要“两慢一快”，即下笔要慢，中间行笔要快，收笔要慢，还要巧。这样写出字来既合法度，又看起来舒服。这和医院的护士给病人打针的要领“两快一慢”正相反，护士打针时进针要快，推药要慢，拔针要快，这样让人感到舒服，否则疼痛难忍。但我看到学员中，下笔快的不多，行笔慢的人不少。速度慢了写不直，老是打弯，所以行笔要快。快不是慌里慌张，尤其写横折笔更要慢。比如开车，转弯时一定要慢，否则就可能出事故。折笔收笔时，一定要整理好笔锋，一看形状就能知道自己的笔锋会出现什么效果，应该有这种预感，否则就是不会写字。因为你一拿起笔，一看笔杆、笔锋，甚至一看你的姿势，就知道你会不会写字，这是常年坚持学出来的，也是小时候老爹拿棍子敲出来的。启功老先生下乡写对联时候，别人都是站着写，但启功先生躬下身子，认真地枕腕书写。因为他知道这样写的字比站着写的好，有人说站着写好，要的就是这种气魄，这种人实际上不会写字。

2、关于笔画的写法

▲最难写的字笔画，一是右点，一是直勾。

▲勾的写法，直勾不好写，写好了直勾和右点，其他笔画就好写了。

▲凡是左右结构的字，左边的横划都扛肩。

▲一个字里边，越是不起眼的笔画，越是要注意写好，比如“朗”字中间的右下点。凡是写口字的时候，都要向右抬、然后顿笔。

▲什么是跪笔弹锋?跪笔弹锋是我编出来的一个书法技巧名词，还好，目前已经被学生普遍接受了。

3、关于用墨

▲最好使的墨汁是一得阁。用墨时要注意好好调匀，当然也要研究盛墨的容器。我写字不用砚台，尤其新砚台容易伤笔。使用砚台不强求一致，个人可以根据自己的喜好选择，但一定要注意把墨调好调匀，好使为原则。墨调好了，写起字来顺手，干净利落，好看有精神，大家可以试试。

4、关于用笔

▲新笔先放在水中泡10分钟左右，如果上来就用，好笔就完了。一生当中难得几支好笔。既是用废了，都不会扔掉，古人往往把用废的笔挖坑埋掉。

▲涮笔，千万不要放在水杯子里，也不要用热水，可以用温水，甩干后把笔锋理直，最好挂起来，一定要知道这个道理，珍惜毛笔。

5、关于用纸

▲色宣不是好纸，但我感觉写欧楷色宣最好使。工欲善其事，必先利其器。

6、什么是书法

▲书法奥妙无穷，是极高的精神享受。

▲书法既是高山，又是大海。用一个比喻来说，就像一个人沿着悬崖峭壁艰难地向上爬，快爬到山顶的时候，发现一个洞，洞口有两扇门，推开门一看，里面是一片无边无际的大海，门上写着两个字：“书法”。

7、怎样写好字

▲写字就要写好，为了让人说好，逼着自己去找罪受。因为我们还没有看破红尘，所以光想让别人说好。有些字大家都说写得好，但很难一下子说出好在哪里?就是感觉好，因为有些字就是感觉出来的。艺术有时候就是在不自觉的状态下，潜意识写出来的。但光靠感觉不行，最重要的还是要提倡好好临帖。学习书法就是要临帖。我为了学习欧体书法，把欧阳询的书法教材放在桌子上，沙发上，床头上，卫生间里和车上，一有时间就拿起来翻阅、揣摩。我们一定要先临帖，不要老想去改革它。我也写过很多书家的书体，总之还是学欧体，学别的书帖，也是为了研究借鉴如何写好欧体。

▲哪个朝代都有胡写乱画的，但是胡写乱画的字流传不下来，《兰亭序》只所以流传下来，就是因为好。不管它是真是假，能传后世的，就是靠功夫。王羲之不是什么大官，因为他的字好就流传下来了。有些人，看手上功夫是能写出好字来的，可就写不出来。为啥?就是因为他不临帖，有的总认为看明白了，其实再过十年，你还有许多东西看不明白。

▲孔子说，学而知不足。教而知困。这次书法学习内容中的“风”，有个朋友跟我说，看见这个字就想哭，还有一个学生说，看见这个字就想吐，都是写了上百遍了，仍然写不好。其实，没有一个字是好写的，不下苦功夫就永远写不好。

▲人世间，凡是好的东西，做起来都很难。写字也是一样，好看的字难写。每一个笔画都要精确到位，认为差不多不行。失之毫厘，差之千里，在书法艺术上尤其明显。我曾经临过一个拳头大的字，写出来以后总是感觉不太舒服，用尺子量了一下，其实就只差一毫米，这说明差一毫米都不行。这和人一样，长的都差不多，但有的好看，有的不好看。其实仔细研究就差难么一点点。写字差一点，也可能人家看不出来，但人家是花钱买的，要对得起人家。什么时候都要拿出最好的水平来写作品。

▲过去我写的字，现在连看都不想看，但在当时来说也就是那水平，有江郎才尽的感觉。所以，要不断追求进步和完美，只有你精，别人才认为好，千万别认为差不多就行。

▲有些字笔画难写，但只要写长了，就写好了。把写字当玩的时候就写不好，关键是把它摆在什么位置。书法是最讲良心的东西，你对它下一分功夫它就回报你一分。这和做人有所不一样，有的人不论你对他多么好，多么温暖，他都有可能恩将仇报。但艺术不一样，艺术是最讲良心的。

▲很多人笔画写的很粗，细不下来，关键在于提不起笔来，一旦提起笔来，用笔尖行走就能写细。

▲人世间，克服什么最难，克服习惯太难了，幸亏大家来学习，从开始就要注意养成良好习惯，好好临帖。

▲写字时的一些旧习惯能不能改?可以肯定地说能改，问题是有没有那个耐性。

释文：

太湖石赞

猗拳石、来震泽。莽荡荡、太古色。玄云兴、黝如墨。冒八荒，雨万物。卷之怀，不盈尺。

萧子中真赞

臞臞萧子，乃我世交。有之似之，德音孔胶。环堵之中(此字点去)宮，啸歌其中。相彼逸民，可与同风。

题董元溪岸图

石林何苍苍，油云出其下。山高蔽日。阴晦复多雨。窈窕溪谷中，邅回入洲溆。冥冥猿又居，漠漠凫雁聚。幽居波(彼)谁子，孰与玩芳草。因之发长谣，商声动林莽。

题洗马图

齧厀覂驾谁能御，驽蹇纷纷何足顾?青丝络首锦障泥，鞭箠空劳怨长路。明窗戏写桒黄诗，洗刷归来气如怒。不须对此苦怨嗟，男儿自昔多徒步。

“湖州观堂与受益外郎饮酒一杯之余，

便觉醉意横生。

戏书此卷，为他日一笑之资。

孟頫。”

《行书二赞二诗卷》 27×456.3cm 北京故宫博物院藏

高清(局部)：

朱耷(约1626-1705)，号八大山人，又号雪个、个山、入屋、驴屋等，入清后改名道朗，字良月，号破云樵者。汉族，南昌(今属江西)人。明末清初画家、大书法家，明亡后削发为僧，后改信道教，住南昌青云谱道院。

当代画家里边，我比较崇拜的是齐白石、黄宾虹、林风眠、关良。

朱新建《山水》

仔细看，齐白石的技法实际也没有超出吴昌硕多少，他那点技法吴昌硕早就用过。其实这个技法根本不算问题，他用这个技法在表达什么东西，这个很重要。表达出来的东西，表达出来的人文深度，表达出来的对生命的感受深度，吴昌硕不能和齐白石同日而语。所以我觉得齐白石是离我们最近的最后一个花鸟画大师。

越是有文化、有成就的人就越佩服齐白石，反而一些名头小的画家在不停地挑刺，我想是他们看不懂。

齐白石

齐白石属于审美天赋极高的人，是没有办法学的，作为一个学习的榜样和研究画谱式的画家，他是个案，不可重复。

齐白石的功劳非常大，他开始把绘画从书卷气上拉回本体，这很有意义。

齐白石客观上做成了一件事，就是留下了大写意的这个文脉。

黄宾虹

黄宾虹是另外一番景象，他的作品属于那种猪不啃、狼不咬，舅舅不疼、姥姥不爱的玩意儿。……他与齐白石，是中国画坛的两个根，一个肥一点，一个瘦一点，生命力奇强。如果没有这两个根，今天的中国画很难想象出会是什么景象了。

黄宾虹也是天生禀赋太好，他具有一点都不亚于齐白石的天生灵感，又从小接受了良好的教育，有良好的文化的积累。……我觉得他把中国山水画做了一个非常好的总结，是一个集大成的山水画家。

四王那么腐朽的程式，到了黄宾虹手里，突然也是黄土变成金。因为黄宾虹的笔墨里有一贯的非常强的呼吸，那种气息在他的笔下一直流动，而四王是没有的。……黄宾虹的东西抓在手里是会动的，是鲜活的，整个笔墨像一个人的呼吸一样，自然顺畅，这是四王绝对不能企及的高度。……黄宾虹之后，我觉得基本上山水画就走下坡路了。

林风眠

有一个人，差不多把笔墨全部抛弃，而传统上你又不能说他不继承，反而又继承的相当好，这个人是林风眠。他用的完全是另外一种腔调，但画的确实是中国画。你说它是西画，说它是中国画都说得过去，但是里面的中国精神是无可置疑的，而且深度很大。

林风眠造了一个复合体，就是奶油臭豆腐，这确实是挺难让人接受的。……我觉得这也是中国画能见到一线光明的出路之一。这种杂交文化也挺难再生出后代来。林凤眠肯定可以作为一个范例放在那儿。

关良

另个一个人出场也会吓你一跳，光着膀子，不穿衣服，只穿着裤衩，提着一把旱烟袋就上场了。后来发现这个人高雅得要命，文化得要命，这个人就是关良。

我生在这个时代是相对幸运的。类似关良这样的画家，在活着的时候，除了几个真的很有文化教养的，比如老舍、郭沫若能够欣赏他的画，普通老百姓是不理他的。

我个人以为，黄宾虹、齐白石、林风眠这些人，也不是一流大师。一流大师是什么?有了这个人和没有这个人，人类这个物种是不一样的。……比如，有了赵佶和没有赵佶，中国画这个游戏也是不一样的;有了王羲之和没有王羲之，中国人书写汉字是不一样的，我以为这些叫一流大师。齐白石、黄宾虹、林凤眠等，我觉得就是画得很好，是一个好画家，好艺术家，最后是不是会变成一流大师，就不好说了，这跟这个画家已经一点关系都没有了，要看社会，有很多因素互相起作用。

吴冠中

吴冠中在他们同代的画家里，算是思想比较活跃的一个，在艺术实践上也有一定的成就。这个成就我觉得更多地表现在他用西画植被画中国画。不太好说这是西画还是国画，因为他的西画还是有民族精神的。

范曾《孙中山造像》

范曾的画，不是说他的趣味过时，而是虚伪，所以不好，并不是说画古人就不好。

东西洋文化，根本不同。故艺术的表现亦异。大概东洋艺术重主观，西洋艺术重客观。东洋艺术为诗的，西洋艺术为剧的。故在绘画上，中国画重神韵，西洋画重形似。两者比较起来，有下列的五个异点：

(一)中国画盛用线条，西洋画线条都不显著。线条大都不是物象所原有的，是画家用以代表两物象的境界的。例如中国画中，描一条蛋形线表示人的脸孔，其实人脸孔的周围并无此线，此线是脸与背景的界线。又如画一曲尺形线表示人的鼻头，其实鼻头上也并无此线，此线是鼻与脸的界线。又如山水、花卉等，实物上都没有线，而画家盛用线条。山水中的线条特名为“皴法(皴法：中国画技法之一，用以表现山石和树皮的纹理。)”。人物中的线条特名为“衣褶”。都是艰深的研究工夫。西洋画就不然，只有各物的界，界上并不描线。所以西洋画很像实物，而中国画不像实物，一望而知其为画。盖中国书画同源，作画同写字一样，随意挥洒，披露胸怀。19世纪末，西洋人看见中国画中线条的飞舞，非常赞慕，便模仿起来，即成为“后期印象派”(详见本书<本书：指作者《艺术修养基础》一书，1941年桂林版>中《西洋画简史》篇)。但后期印象派以前的西洋画，都是线条不显著的。

(二)中国画不注重透视法，西洋画极注重透视法。透视法，就是在平面上表现立体物。西洋画力求肖似真物，故非常讲究透视法。试看西洋画中的市街、房屋、家具、器物等，形体都很正确，竟同真物一样。若是描走廊的光景，竟可在数寸的地方表出数丈的距离来。若是描正面的(站在铁路中央眺望的)铁路，竟可在数寸的地方表出数里的距离来。中国画就不然，不欢喜画市街、房屋、家具、器物等立体相很显著的东西，而欢喜写云、山、树、瀑布等远望如天然平面物的东西。偶然描房屋器物，亦不讲究透视法，而任意表现。例如画庭院深深的光景，则曲廊洞房，尽行表示，好似飞到半空中时所望见的;且又不是一时间所见，却是飞来飞去，飞上飞下，几次所看见的。故中国画的手卷，山水连绵数丈，好像是火车中所见的。中国画的立幅，山水重重叠叠，好像是飞机中所看见的。因为中国人作画同作诗一样，想到哪里，画到哪里，不能受透视法的拘束。所以中国画中有时透视法会弄错。但这弄错并无大碍。我们不可用西洋画的法则来批评中国画。

(三)东洋人物画不讲解剖学，西洋人物画很重解剖学。解剖学，就是人体骨骼筋肉的表现形状的研究。西洋人作人物画，必先研究解剖学。这解剖学英名曰:anatomy for art students,即艺术解剖学。其所以异于生理解剖学者，生理解剖学讲人体各部的构造与作用，艺术解剖学则专讲表现形状。但也须记诵骨骼筋肉的名称，及其形状的种种变态，是一种艰苦的学问。但西洋画家必须学习。因为西洋画注重写实，必须描得同真的人体一样。但中国人物画家从来不需要这种学问。中国人画人物，目的只在表出人物的姿态的特点，却不讲人物各部的尺寸与比例。故中国画中的男子，相貌奇古，身首不称。女子则蛾眉樱唇，削肩细腰。倘把这些人物的衣服脱掉，其形可怕。但这非但无妨，却是中国画的好处。中国画欲求印象的强烈，故扩张人物的特点，使男子增雄伟，女子增纤丽，而充分表现其性格。故不用写实法而用象征法。不求形似，而求神似。

(四)中国画不重背景，西洋画很重背景。中国画不重背景，例如写梅花，一支悬挂空中，四周都是白纸。写人物，一个人悬挂空中，好像驾云一般。故中国画的画纸，留出空白余地甚多。很长的一条纸，下方描一株菜或一块石头，就成为一张立幅。西洋画就不然，凡物必有背景，例如果物，其背景为桌子。人物，其背景为室内或野外。故画面全部填涂，不留空白。中国画与西洋画这点差别，也是由于写实与传神的不同而生。西洋画重写实，故必描背景。中国画重传神，故必删除琐碎而特写其主题，以求印象的强明。

(五)东洋画题材以自然为主，西洋画题材以人物为主。中国画在汉代以前，也以人物为主要题材。但到了唐代，山水画即独立。一直到今日，山水常为中国画的正格。西洋自希腊时代起，一直以人物为主要题材。中世纪的宗教画，大都以群众为题材。例如《最后的审判》《死之胜利》等，一幅画中人物不计其数。直到19世纪，方始有独立的风景画。风景画独立之后，人物画也并不让位，裸体画在今日仍为西洋画的主要题材。

上述五条，是中国画与西洋画的异点。由此可知中国画趣味高远，西洋画趣味平易。故为艺术研究，西洋画不及中国画的精深。为民众欣赏，中国画不及西洋画的普通。

黄宾虹是一位学者型的画家,也是我国杰出的山水画大师。他既师古人，更师造化。其山水画色调浓黑，浑厚华滋。世人皆知黄宾虹的山水画堪称一代宗师，然而，他的独具风貌的花鸟画也鲜为人们熟知和推崇。他的花鸟画不是偶尔涉笔，而是从年轻到垂暮之年一直在画。

早年他的花鸟画受扬州著名画家陈崇光的影响。继承的是沈周、陈白阳“观物之生”的理念，走的是草书笔法和水墨或色彩渲染来表现“物物有一种生意”的写意路径。所以较早期的花卉题材，多取山花野卉的用笔、落墨、构图，但见轻捷和单纯，尤其用色，唯美唯柔，似手边随意流泻的温情。专擅花鸟大写意的潘天寿先生就称黄宾虹先生山水为“绝妙”，其花鸟为“更妙，妙在自自在在”。

在近现代的中国画坛上，黄宾虹无疑是最具有代表性的杰出画家之一。诗文、书法、金石、画学造诣皆深，其中绘画成就最高，又以山水名气最大，偶作花鸟草虫。黄宾虹与以大写意花鸟名世的齐白石相比，黄宾虹则以其独特的山水画风引人瞩目，他们各自在花鸟、山水领域独树一帜。

齐白石擅长花鸟画，偶作山水;黄宾虹在山水领域驰骋之余，也偶作花鸟。二人皆风格独特，妙趣天成。齐白石以其花鸟画笔墨趣味所作的山水画和黄宾虹以其山水画笔墨精神所作的花鸟画都赢得世人的称誉，这是一个意味深长的现象，从中我们不难发现两人对中国画笔墨法则与精神都有独到的领会，是画坛里难得的能够融会贯通的高手。

作为一个典型的“借古开今”的画家，黄宾虹有深厚的传统功底，修养全面。他的花鸟画属于“偶尔为之”，早年受扬州著名画家陈崇光的影响，后来因为做编辑工作，大量接触历代名画，取法更为广博，在学习传统时能够取其精而不为所囿，敢于创新，造诣很高。

很长时期以来黄宾虹的花鸟画为山水画的盛名所掩盖，这主要和他的花鸟画作品问世较晚且数量相对较少有关，但决不可否认他的花鸟画所达到的艺术高度，所作花鸟，可以说很少有不佳之作。黄宾虹认为画山水要有神韵，画花鸟要有情趣，并且在创作中极力体现，他的花鸟画不像山水那样层层累积，大多构图简洁，轻松自然。

欣赏黄宾虹的花鸟作品，可以看出与其山水作品一样，他比较注重写生，在绘画的过程中不断尝试和实验新的技巧和方法，把文人的深厚学养和艺术家特有的细腻敏感都渗透到作品中。黄宾虹推崇以书法的笔法和金石的趣味作画，一波三折，含蓄有力，刚柔得中而变化万千，下笔重，运笔狠，点、曳、斫、拂、披、转、顿、挫，方法多变，技巧纯熟，或快或慢，或齐或整。

在用笔上他又有特别的优势，讲究平、留、圆、重、变;用墨上他强调笔墨“淋漓而不臃肿”，尤其是关于宿墨与清墨诸法进行突破性的研究与运用，有浓、淡、破、泼、积、焦、宿七墨，这使他的花鸟画别开生面，洋溢着特有的“黄宾虹”味道。正是包括宿墨与清墨这类历来为花鸟画家视为大忌的墨法的渗透与移入，才熔铸成黄宾虹花鸟画华滋浑厚、秀静妍润的魂魄。

黄宾虹的花鸟画在用色上更是出奇的好，相对其山水来说变化更加丰富，他能够率真地去吸收民间色彩的感觉，有些作品有显著的民间瓷绘色彩的特点，青绿和玫红的运用特别得心应手，有民俗感而绝无尘俗味，变戏法似的颜色结合真可谓浑然天成，特别注重用“脏”色和“浊”色，很多作品初看灰灰的一团，细看里面能包含着各种不同的细微变化，丰富厚重，精妙之至。