唐岱(1673-1752)，字毓东，号静岩，又号知生、爱庐、默庄等。他是满洲正白旗人，承祖爵，官至内务府总管。他绘画初学焦秉贞，后拜于王原祁门下。康熙、雍正、乾隆三代帝王均赏识唐岱的绘画才能，康熙更称其为“画状元”，令其名重一时。唐岱精画理，有《绘事发微》传世。

唐岱的《摹李成雪景山水图》(见上图)为绢本设色，纵115.8厘米、横48.8厘米，现藏于广西博物馆。作品描绘的是主峰高峙、群山环绕的冬日雪景，具有浑厚大气之感。画家在画面左下角自题：“摹李成，臣唐岱恭画。”下钤“臣唐岱”白文方印、“恭绘”朱文方印。由此可见，此作是唐岱奉上谕所作的恭敬之作。

中国绘画史上常见有“仿某某笔意”之作。至“清初四王”，这种仿前人笔意的创作形式几乎成为惯例。唐岱的《摹李成雪景山水图》虽然打着仿李成笔意的旗号，但仔细观察则会发现其中具有许多不同于李成的表现方式。宋代邓椿认为，李成画雪景与众不同。古人画雪，一般都是以粉着于峰峦、林屋之上，而水天处多用水墨晕染，以形成对比。而在李成的雪景山水画中，峰峦、林屋为黑色，水天处则为白色。这种画法更像是一种大胆的写实手法，展现出骤雪初起、风雪飘摇的景象。这与唐代王维《雪溪图》中的空勾无皴、以粉堆雪的画法截然不同，也有别于元代黄子久“借地为雪”的反衬手法。唐岱在《摹李成雪景山水图》中运用的并不是李成的雪景画法。画面中的一笔一画反而能从明末清初王原祁的笔墨中找到踪影。

从构图上看，王原祁讲究画面的气势通贯，注重展现山峦的起伏变化。唐岱受王原祁“龙脉”说影响颇深。在《摹李成雪景山水图》中，他将坡、树、山进行组合，用较长的轮廓线表现山石的流转之势，以层叠的山石展现山川的雄伟与浑厚。近景处，自楼阁而下的“S”形山脉在回环扭转中展现出强烈的力量感。这是典型的王原祁式构图形式。左侧两山夹缝间，溪水自上而下流淌，水流从窄变宽，由急变缓。这种以动衬静的手法为静谧的雪景增添了灵动之感。

从笔墨上看，王原祁笔力遒劲，用墨浑厚华滋，使画面层次丰富，展现出勃勃生机。而唐岱的《摹李成雪景山水图》短皴少而长皴多，力量稍逊，但用墨十分讲究。画中山顶处有大面积的留白，阴暗处的石根被染成黑色，更显雪白石黑。全画以干笔渴墨为主。画面由淡转浓处，笔墨层层堆积，丰富了画面层次。在山体背阴处、交叠处，画家通过渴墨干擦加上淡墨晕染，使画面变化生动、过渡自然。

从设色上看，王原祁注重墨中有色、色中有墨，把设色也纳入笔墨之中。在《摹李成雪景山水图》中，唐岱也用设色来补笔墨之不足，显雪景之瑰丽。在绢上设色要比在纸上复杂，同时雪景山水以惨淡险峻为胜，故画家以赭石、石青为主，结合墨法进行了渲染，使画面显现出深冬寒意。此作色墨交融，深得王原祁“色墨一体”的设色精髓。

唐岱在《绘事发微》中对如何画雪景总结道：“用笔须在石之阴凹处皴染，在石面高平处留白，白即雪也。雪压之石，皴要收短，石根要黑暗，但染法非一次而成，须数次染之，方显雪白石黑……雪图之作无别诀，在能分黑白中之妙，万壑千岩，如白玉合成，令人心胆澄彻。”由此也可看出唐岱与李成在雪景画法上的不同。《摹李成雪景山水图》以复古的名义，追求画面的美感。此作强调笔墨情趣的特点完全继承了“清初四王”的衣钵。唐岱虽自称“摹李成”，但在谋篇布局、笔墨技巧、艺术风格方面所展现出的均非营丘面貌。画面中景的围墙、楼阁有着焦秉贞的工细，展现出清代院体画家的基本功。整个画面的空间感很强，这与唐岱受过西画透视方法的影响有关。作品中，只有松树弯曲的虬枝略显出李成秀媚笔意的味道。

能否“借物抒怀”决定着山水画格调的高低。以“清初四王”为代表的正统派画家，纠结于技术性的讨论而忽略了个人艺术风格的创新。自王原祁以下的娄东诸家，“家家大痴，人人一峰”，面目难免呆板。唐岱为满洲正白旗，供职于清廷，又是王原祁的嫡传。这种人生背景、阅历也决定了他绘画成就的高度。

赵佶(1082—1135)，即宋徽宗，北宋书画家。他的书、画出类拔萃、高标独立，均能彪炳史册，开一代新风。其书，瘦直挺拔，创“瘦金体”，在书法史上独树一帜，占有一定地位，为后代学习之楷模;其画，工写皆能，尤擅工笔花鸟，不拘一格，自成“院体”，充满盎然生机和富贵吉祥之意，令自隋唐、五代以来的花鸟画创作步入全盛时期。

宋代是我国历史上上承隋唐、五代，下启元、明、清三代的关键时期，绘画发展具有承前启后、继往开来的作用。就花鸟画，尤其是工笔花鸟画而言，在历经数百年的艺术淬炼和人文教育后，已相当成熟，达到了前所未有的高度，可谓绚烂至极。而赵佶对宋代花鸟画的贡献尤为突出，居功至伟。

作为皇帝，赵佶极不称职。他听信谗言，重用蔡京、童贯、高俅等奸佞之人，政治上十分昏庸，腐败无能，乃至造成“靖康之难”。但是，作为书画艺术的大力弘扬者和倡导者，他却实至名归。

其一，赵佶在位期间十分重视书画事业的发展，创立了我国历史上第一个皇家美术学院——宣和画院，并亲自领导画院工作，指导绘画创作，培养了如王希孟、张择端、苏汉臣、乔仲常等一批杰出的画家。与此同时，他还组织编撰了《宣和书谱》《宣和画谱》和《宣和博古图》等书画图书，辑录了大量的名家书画，为我国宋代之前重要书画文献的收集整理做出了巨大贡献。

其二，赵佶是我国封建社会历史上最富艺术气质和最具艺术天才的皇帝，也可称得上是一位“不爱江山爱丹青”的皇帝，若称其为“书画大师”也当之无愧。他能画山水、人物，尤擅花鸟，不仅勤于写生，且善于创作。可以说，赵佶在中国绘画史上具有举足轻重的作用，是一位承前启后的大家。他的花鸟画《柳鸦芦雁图》《竹禽图》《腊梅山禽图》《红蓼白鹅图》等可谓经典;《芙蓉锦鸡图》《瑞鹤图》《五色鹦鹉图》也早已载入史册，成为“不可不知的中国名画”。下面，笔者就《芙蓉锦鸡图》《瑞鹤图》的艺术特色予以评析。

《芙蓉锦鸡图》绢本立轴，纵81.5厘米、横53.6厘米，是一幅双钩重彩的工笔花鸟画，为我国传世经典名画之一，现藏于故宫博物院。该画色彩艳丽，设计精美，高贵典雅。木芙蓉和菊花都是秋天的产物，且耐寒而不惧霜冻。只见一只美丽而硕大的锦鸡落在稀疏的芙蓉花枝上，把整个芙蓉花枝都压弯了，枝梢好像还在微微颤动。而这只硕大的锦鸡全然不顾，只管高高地昂首翘望右上角那对翩翩起舞的彩蝶，全神贯注。诗情画意，尽在不言之中。

《芙蓉锦鸡图》画面的经营位置相当讲究，疏密有致，完全符合“黄金比例分割”，充分反映了赵佶高超的画技和超群的艺术审美。该画笔法工细，设色美艳，精妙入微。芙蓉花的每一片叶子都各不相同，向背、欹正、轻重、高下错落搭配，营造出满而透气的空间感，耐人寻味。朵朵芙蓉设色淡雅，以白色点蕊，亮丽而鲜活，与颜色鲜艳的锦鸡形成强烈对比，光彩夺目、华贵动人。整幅画面一派祥和，充分显示了皇家的豪华气派。该作近似黄筌风格，说明赵佶的花鸟画延续了黄筌的笔法与富贵之气。

《芙蓉锦鸡图》中，两只翩翩起舞的蝴蝶和昂首翘望的锦鸡为动，左下的菊花和木芙蓉为静，一动一静，动静结合，十分和谐。《芙蓉锦鸡图》相当写实，锦鸡华美的羽毛和细致的斑纹，芙蓉花枝因锦鸡停栖其上而呈现的摇曳动荡之姿，都被刻画得惟妙惟肖、栩栩如生。可以说，这是一幅形神兼备的艺术杰作。

《芙蓉锦鸡图》还从一个侧面反映了赵佶的美学思想与创作意图：一是诗意的含蕴回味，二是诗、书、画、印的巧妙融合，三是观察事物的细致入微与写实的精神表现，四是内心主张和政治理念的融入。画中题“秋劲拒霜盛，峨冠锦羽鸡。已知全五德，安逸胜凫　”，点明了此画通过描绘五彩斑斓的锦鸡来颂扬儒家仁、义、礼、智、信五德的目的与宗旨。很明显，赵佶是想借这幅作品为自己的政治主张张目，宣扬美化自己的封建统治。尽管带有明显的政治目的，但这无损于此画的艺术价值。

《瑞鹤图》作于北宋政和二年(1112)，绢本设色，纵51厘米、横138.2厘米，是宋徽宗赵佶存世不多的几幅工笔写实类花鸟画之一，现藏于辽宁省博物馆。

赵佶笃信道教，执着痴迷，自称“教主道君皇帝”。面对北宋内忧外患的政治局面，他却无能为力，只能幻想着通过某种神力来挽救岌岌可危的国家命运。而恰在此时，有天降“天书”一事出现。对于在全国范围内出现的所谓“祥瑞”之气，一些别有用心的人为了博得宋徽宗的欢心，绞尽脑汁，大做文章、大肆渲染。而昏庸的宋徽宗竟愿意相信这些“祥瑞”都是真的。他不但不予追究，反而大加赞赏，并借助天降“祥瑞”来欺骗百姓，以求得心理安慰。

北宋政和二年(1112)正月十五元宵佳节，汴梁城中举行了规模盛大的灯会，上至皇室，下至平民百姓，都到御街上争相观看各色各样的歌舞和烟火表演。一向喜欢热闹的宋徽宗自然不会闲着，错过这个渲染气氛、“与民同乐”的机会。直至闹到半夜，他才携嫔妃一行回宫歇息。第二天一早，赵佶刚刚起床，就有人向他禀报：宣和殿前有一罕见景象——雾霭缭绕中有18只丹顶鹤，竟围绕着雄伟的宣和殿盘旋飞舞、争相和鸣。听完，徽宗感到十分惊讶：真有此事?那不是我梦中的景象吗?于是他迫不及待地冲出去看个究竟。果然，有几只丹顶鹤停留在宣和殿的屋脊之上。它们亭亭玉立，像一个个天上飞来的仙子，随着微微的清风摇曳身姿，振翅和鸣。这真是一个预示着祥和、宁静、美好的盛世景象。宋徽宗喜不自禁，龙颜大悦，回到宫中便按捺不住兴奋的心情，立刻命人拿出精致的细绢和上等的笔墨颜料，把这一美好景象以半写生半创作的方式画了出来。画画好后，他还用自己独特而秀美的“瘦金体”在旁边题了数行精短的题记：

政和壬辰，上元之次夕，忽有祥云拂郁，低映端门。众皆仰而视之。倏有群鹤飞鸣于空中，仍有二鹤对止于鸱尾之端，颇甚闲适。余皆翱翔，如应奏节。往来都民无不稽首瞻望，叹异久之，经时不散。迤逦归飞西北隅散。感兹祥瑞，故作诗以纪其实。

清晓觚棱拂彩霓，仙禽告瑞忽来仪。飘飘元是三山侣，两两还呈千岁姿。似拟碧鸾栖宝阁，岂同赤雁集天池。徘徊嘹唳当丹阙，故使憧憧庶俗知。御制御画并书，天下一人。

政和二年元宵节清晨是否真有这一幕，现在已无从考证。但身为皇帝的宋徽宗因日思夜想要天降祥瑞，以保他皇位不变、江山永固，竟弄出了这么一幅祥瑞之图，岂不妙哉?然而，带有讽刺意味的是，《瑞鹤图》并没有给宋徽宗带来“祥瑞”。时隔15年后，他还是把皇位和江山给弄丢了。从这个意义上说，上天并没有因为他“思瑞心切”而予以同情与眷顾。

尽管如此，《瑞鹤图》作为一幅名画还是具有很高的观赏性与艺术价值的。它打破了常规花鸟画的构图方式，大胆将花鸟和风景结合起来，并且赋予画面以故事情节，营造出浓浓的诗意。一望无际的蔚蓝天空，用石青色平涂，明朗、洁净。18只神态各异的丹顶鹤在空中盘旋翱翔，上下翻飞，姿态各异，既整齐有序，又富于变化，描写由形入神，实属难能可贵。画中界画屋脊，时而工，时而写，隐去了部分楼层，避免了建筑过多所造成的呆板。白鹤在石青色的天空翱翔，多而不乱，动感十足，仿佛能听到它们齐鸣的叫声。鹤的羽毛黑白相间，强化了画面的灵动与韵律。而群鹤之下正中位置庄严耸立的是汴梁皇城之宣德门，雕甍之上又有两鹤落下。全图共计20只仙鹤，有动有静，动静结合，相互呼应。白鹤与屋顶上排列整齐的黑色琉璃瓦以及皇宫那高大恢宏的朱墙相映衬，形成了鲜明的对比。而群鹤之上环绕的五彩祥云，使整幅作品产生了美妙的神话般的艺术魅力，突出了“祥瑞”的主题寓意。

总之，赵佶的书画创作既有传统又有创新。他在前人的基础上勇于改革，书法形成了自己特有的风格，以全新的面目出现在世人面前;花鸟画在黄筌、黄居寀父子“黄家富贵”和崔白、吴元瑜等人“荒寒萧疏”的基础上大胆革新，进而形成了更为成熟与更具艺术特色的富贵高雅的“院体风格”。笔者认为，赵佶是继黄筌、黄居寀和崔白、吴元瑜这两座花鸟画创作高峰之后的第三座高峰，永远值得后人学习、敬仰。

若

「若」字，象形。

葉玉森《殷墟書契前編集釋》：「若，象一人跽而理髮使順形。」

(日)白川靜《常用字解》：「巫師披散長髮，揮舞雙手，邊舞祈禱得以進入『神託』(神附體示明神意)之境地。」

《說文》：「叒，日出東方湯谷所登榑桑，叒，木也。象形。」然許慎未曾見過甲骨，依據金文「桑」字說「若」，不確。

「若」者，一為依也、順也;二為如也、似也、是也;三為應也、諾也。

《靈性甲骨》：

我取「若」字為貞師巫者之說。

是以朱砂作第一筆婆娑意致為始，管領全字，塗寫貞人巫師披髪若恍若惚;雙手舞天若祈若禱，魂體若顛若狂。若神附體，領受天意。巫神合一，痴迷、顛狂、不能自己若神若痴狀態。

我心是以隨同貞師做恍若神木抖擻、風雲際會舞。不依成法，是開「靈性甲骨」心糜神馳又一新境。

崔学路《玄一书道》

甲骨文

参考书目

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6.《甲骨文合集》郭沫若主编，中华书局，1999年版。

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10.《甲骨文拓片精选》王本兴编著，天津人民美术出版社，2005年1月版。

11.《易经大传新解》殷旵珍泉著，当代世界出版社，2005年7月第一版。

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13.《细说汉字部首》左民安、王尽忠著，九州出版社，2005年9月第一版。

14.《甲骨文书法鉴真》 杨红卫、杜志强编，黄山书社，2005年12月第一版。

15. 《北京大学珍藏甲骨文字》(韩)李钟淑、葛英会编著，上海古籍出版社，2008年11月第一版。

16.《中国书法全集.甲骨文卷》刘正成主编、刘一曼、冯时本卷主编，荣宝斋出版社，2009年7月第一版。

17.《流沙河认字》流沙河著，现代出版社，2010年4月第一版。

18.《常用字解》(日)白川静著，九州出版社，2010年5月第一版。

19·《老子解读》 兰喜编著，中华书局，2009年3月第一版第四次印刷。

20·《易经》徐奇堂译注，广州出版社，2001年5月第一版第一次印刷。

21·《周易全书》林之满主编，中国戏剧出版社，2002年5月第一版第一次印刷。

22.《说文解字今译》许慎原著、汤可敬撰，岳麓书社，2002年4月第一版第二次印刷。

23.《周原甲骨文》曹玮编著，世界图书出版公司，2002年10月第一版第一次印刷。

释文：归去来兮，吾归何处，万里家在岷峨。百年强半，来日苦无多。

坐见黄州载闰，儿童尽、楚语吴歌。山中友，鸡豚社酒，相劝老东坡。

云何。当此际，人生底事，来往如梭。待閒看，秋风洛水清波。

好在堂前细柳，应念我、莫剪柔柯。仍传语，江南父老，时与晒渔蓑。

陈鸿寿(1768-1822)浙江钱塘(今杭州)人。字子恭，号曼生。嘉庆拔贡。工书画、篆刻。是清代艺坛一代大师。

陈鸿寿于艺术涉猎广泛，而且造诣极高，为著名的“西泠八家”之一。他的篆刻出入秦汉，绘画精于山水、花卉，书法以隶书最为著名。他的书法以隶书和行书最为知名。他的隶书清劲潇洒，结体自由。穿插挪让，相映成趣，在当时是一种创新的风格。他广泛学习汉碑，尤其善于从汉摩崖石刻中汲取营养，在用笔上形成了金石气十足、结体奇特的个人面目。笔画圆劲细插，如银画铁钩，意境萧疏简淡，雄浑瓷肆，奇崛老辣。陈鸿寿的隶书较之以往的隶书具有“狂怪”的特点，说明他有创新的勇气和才能,但在结字和章法上，用笔仍然属守古法,笔笔中锋，力透纸背。

清嘉庆时制壶名家杨彭年(字二泉，号大鹏)与陈鸿寿合作，壶由陈鸿寿设计，杨彭年制坯，再由陈鸿寿题铭，创制了紫砂壶与诗书画篆刻为一体的“曼生壶”。“曼生壶”是文人雅士与紫砂壶艺家之间成功协调的典范，“曼生壶”的产生使这时期的紫砂壶走向一个更高的艺术层次。

来楚生(1903-1975)作 来楚生自用印存

连史纸线装 五册一函

署年：1995年10月，朵云轩原石精拓出版

说明：1995年10月《朵云轩》承来楚生夫人赵履真女士支持，将家藏来楚生先生所作自用印一百四十七方原石钤拓成谱，共二百部，此为编号第九十七部，是研究来楚生篆刻艺术的极好范本。

1937年3月(即农历二月)，于非闇、张大千、谢稚柳、黄君璧、方介堪等人结束了在南京举办的“第二次全国美术展览会”后，结伴游览雁荡山，阅遍山中美景，又于归途中同游浙江天台山，于非闇见天台山之“春云满山，时桃花正王(通“旺”)，红颜白雪”之佳境，念念不忘，故有此图也。后于非闇、张大千、方介堪回京之后，值“七七事变”，张大千被困于京，百无聊赖，曾写《西石梁瀑布图》提及游雁荡之事，题识内有“迄今诸人风流云散，惟予与非闇犹得朝夕相见耳”。

一九一九年“五四”新文化运动的爆发，对西方近现代文化思潮的开放性、对中国古代思想道德的激烈批判，给中国的文化艺术以巨大影响。20年代至30年代前期，西方哲学、美学、文学等被广泛引入，中西文化的交融与冲突，都成为推动美术发展的强大动力。和大多数文化青年一样，于非闇的思想也受到了这些新文化思潮的影响，怀着复兴民族传统文化信念和重振工笔花鸟画传统的雄心，他借鉴西方优秀的美术方法，专注学习西方素描、水彩等绘画方法，用素描观察、比较、分析和造型的方法加强线和物体的质感，在现场得到比较真实的记录，再用毛笔按照物象真实用线加以勾勒来完成他的花鸟形象，这也是其花鸟画能够达到“惟妙惟肖”的基本。

在学习西方绘画的同时，于非闇也从古代绘画遗产中吸取传统精华。他最赞赏两宋的花鸟画，认为宋人的花鸟形神兼备，妙造自然。因此，他在宋画的传统摹写上下了很多工夫，对宋人的画无论设色还是用笔，都能摹的惟妙惟肖，对一张心爱的画有时甚至临摹多遍，汲取其优点。诸如崔白的《双喜图》、赵昌的《四喜图》、赵佶的《红蓼白鹅图》、宋人的《翠竹翎毛图》等作品，从内容到形式以及表现技法等方面他都逐一进行研究，对他在用色、用笔、勾线、构图、作品的意境以及着色处理方面都产生了重要的影响。所以此幅萧平先生题堂：“非庵先生一九三七年作，其画自宋院体化出，自具其妙也。”

此帧《雁荡春雪》，于非闇采用传统工笔勾勒，以罩染法层层迭加，植物颜色以白粉为主，辅以淡薄矿物色的敷色法没骨渲染的配彩法等画法，使得画面生动活泼。鸟雀每片羽毛的画法都是由小弧线连接成的一片整体，在其颈部与胸部的衔接处用干笔浓墨梳出上一部分再掺杂到下一部分的羽毛，让人感觉鸟雀在苒苒飞动。竹石线条肯定有力，繁花笔法灵动，婀娜多姿态，虽巧而不漂，突显大家之法。水口与鸟雀成为了“动”的因素，给春雪增添不少生气。

于非闇还特别强调书法的学习，他认为中国画的一大特点就是不能完全脱离书法，中国书法绘画在发生、发展的过程中有着密不可分的关联，书法之理和书法之法可以为绘画所借鉴，正是这种关联，引发了以书入画。由此，他临习了唐代李阳冰的篆书，以求得笔道的劲力圆润;怀素的《自叙帖》让其笔道曲折转换、粗细润枯，有气势且变化多端;1931年开始写“瘦金书”一直持续到晚年，这也是其大多数作品的落款中采用的书体。此帧《雁荡春雪》中便是用“瘦金书”题款：“丁丑二月中旬，游雁荡山归道经天台，春雪满山时桃花正王，红颜白雪真奇观也，非庵写记。”书体紧密遒劲中寓萧疏风流之致，独具灵动锋芒。细细读来，殊耐寻味。

题识：丁丑二月中旬，游雁荡山归道经天台春云满山，时桃花正王，红颜白雪真奇迹也。非闇写记。

诗堂：雁荡春雪?非厂先生一九三七年作其画自宋院体化出，自具其妙也。丁亥之秋，萧平。

关于草书，宋代的米芾与元代的鲜于枢留下了两个名帖，让我们来看他们都是怎么说的——

米芾《论草书》，纸本，册页，纵27.4厘米，横37厘米，行书，台北故宫博物院藏。

【释文】草书若不入晋人格辙。徒成下品。张颠俗子。变乱古法。惊诸凡夫。自有识者。怀素少加平淡。稍到天成。而时代压之。不能高古。高闲而下。但可悬之酒肆。光尤可憎恶也。

放大了看一看——

鲜于枢 草书《论草书帖》

释文：张长史怀素高闲，皆名善草书，长史颠逸，时出法度之外，怀素守法，特多古意，高闲用笔粗，十得六七耳，至山谷乃大坏，不可复理。渔父词。

放大了看一看——

当代中国画“写意精神”式微，是这两年备受诟病的现象。而作为最能够“深沉复杂”地承载写意精神的花鸟画——尤其是大写意花鸟的衰落更是让人痛心不已。

中国人民大学教授、评论家 陈传席——

素描和色彩土壤里开不出写意之花

很多人说全国美展入选的写意画太少，工笔画太多，其实这只是问题的表象，问题的症结在于能把写意画画好的人太少了。坦白讲，全国美展中为数不多的几张写意画，我认为都不该入选，因为水平不行。相比之下，工笔画毕竟在造型、色彩上有真功夫，起码不是欺世盗名之作。

中国画，尤其是写意画，画得好要有灵性，得有学问，传统功力还得扎实。齐白石、黄宾虹等大家，哪个不是诗词歌赋样样精通?所以他们能画出好的写意画。现在的画家画不出好的写意画，简单地说就是因为文化水平太差。因为写意画需要的文化底蕴都是真功夫，甚至是“童子功”，不像工笔画的技法那么容易被训练出来。

怎样才能画好写意画?首先，古代诗词得学，文言文得会，传统著作得读，书法也得会。写意画家如果不懂书法，永远也画不好，绘画格调也上不去。可以说书法功底有多深，绘画格调才能有多高，黄宾虹、齐白石、潘天寿，一个都不例外。中国的写意画，如果有所谓捷径的话，那就是练字。对书法和绘画的力气至少应该下得平均，特别是在学习阶段。

说到这里就不能不提一下现在的美院教育。现在的艺术教育系统，对古典文化、书法都不做要求，考的是素描和色彩。这些都是西画的基础，你怎么能指望在这个基础上开出“写意”之花呢?其实，美院里西画的专业，可以按照西画的方式来招生，而中国画应该考诗词、书法，还有临摹古画——你还是得会画，技术一点没有也不行。只有这样，才能带动整个中国画的创作和发展，真正发扬“写意精神”。

有关机构也可以在这方面做一些事情。据我所知，其实还是有好些不错的写意画家，但是他们反而不会参加全国美展，他们觉得参加一两次就可以了，没有太大的热情持续参加。所以美协如果能动员这些优秀的画家来参加画展，真正地画几张好的写意画来引领全国美展的审美导向，也是个不错的办法。

吴昌硕 1908年作 折梅煮茶图

广州美协主席、西泠印社理事 周国城——

写意精神归根结底是笔墨精神

中国的写意画，虽然追溯到唐代就有，但真正的高峰，是以明清的徐渭、八大山人为代表的。可以说从那个时候起，中国艺术就基本走上了写意的道路，能够立得住脚的艺术大师也都是写意画家。

现代美术大师吴昌硕、齐白石、黄宾虹也都是以写意见长的。这不是历史的偶然，而是艺术发展必然的走向——就是具象和写意，究竟哪个才是艺术的更高境界。八大山人画的一条鱼，不用画水、不用画草，但能让人感觉出这条鱼的灵动。这是非常奇妙的艺术表达方式，也是中国画最精髓、最根本的东西，是一个更加开阔和自由的天地。我不是说工笔画不美，西画不美，但是在写意面前，得承认还是有差距的。

但不仅是当代，其实在写意的整个发展历程中，也曾出现过萧条。那时有人会认为，你就这样“草草几笔”，算什么功夫呢?写意画无论是从创作还是从欣赏上来看，都是有门槛的，而在我们中华的文脉断裂数十年之后，写意精神的失落可以说是积重难返，整个社会上能欣赏写意画的人也不多。而且我们美术界现在也有很不好的导向，5年一届的全国美展，中国画的评选里面，可以说百分之九十八都是工笔画，这和写意画在中国画中的地位是严重不配套的。这个导向造成的后果就是：整个社会对写意画越来越缺少了解，尤其是年轻人。大家都觉得工笔画美，却对中国画最核心的、精神性的东西缺乏了解和欣赏的能力。

而另一方面，我们不得不承认：现在能画好写意画的画家确实不多。因为相对工笔画而言，画好写意画需要更深厚的文化底蕴，也需诗、书、画、印各方面的素质要求。古代很多宫廷里的工笔画家，画好画都不落款，为什么?因为他的书法不过关。而事实上，如果书法不过关，在中国画的创作方面要想达到顶峰是非常难的。写意精神归根结底就是笔墨精神，所以书法写不好，成不了伟大的中国画家。像潘天寿曾说的，7天不画画没有关系，但不能一天不写书法。国画里所有的线条都是用毛笔来表现的，对于花鸟画来说，其实就是线的穿插，线与线的搭配，哪里留白，疏密的安排……你把书法的感觉带进去，你的画面自然就有了独特的地方，有了写意的味道。

广东人文艺术研究会会长、书画家 刘斯奋——

当代花鸟画最缺的是人文情怀

中国画三个组成部分：山水、人物、花鸟，发展最充分、水平最高、成就最大的就是花鸟画。但不论哪种题材，古人基本都画完了。工笔有北宋的院体，写意有明清的徐渭、八大、金农等，都达到了一个极致的高度。

所以在当代，画花鸟是最难的。古代的人物画，对人体没有充分的了解，又受文化的影响，在表达上束手束脚，所以在很多方面，当代画家还有开拓的空间;而古代山水画，因为受生产力的局限，视野比较狭窄，当然中国人因此发明了散点透视法，把群山峻岭都纳入一张画中。但现在生产力提高了，当代人的眼界、胸襟都比古人开阔，也有空间继续开掘;唯独花鸟画，无论是观察的视野、程度，还是艺术的技巧、趣味，古人没有哪方面逊色于当代人，所以当代的花鸟画家面对历史上的一座座高峰，实在没办法。

所以从我个人来说，我敢画山水，敢画人物，就是不太敢画花鸟。因为艺术总得有所超越、有所不同才能凸显价值。如果只能重复前人，创作的意义肯定就被削弱了。

今天的画家如果要画花鸟画，仍纠结于前人的技法就没有意义了，唯一的出路是发挥艺术家的个性，表达出对物象、对花鸟独特的个人感受。在这方面，我觉得当代的画家还是有一些开拓空间的。毕竟，古人眼中的花鸟跟今人眼中的不太一样。比如梅、兰、竹、菊是“四君子”，古人是把自己的文人情怀寄托在其中的。可是现代的人哪还懂什么是“君子”，我们还寄托和古人相同的情怀在里面，其实只是一种浅薄的模仿。我们没有古人的人文情怀、胸襟抱负，只能画一些表面的东西，深度自然会削弱。所以当代画家要仔细琢磨的是：怎么用花鸟寄托当代人的情怀。这就要求花鸟画家必须得增强自身的文化修养，得真正地具有这种人文情怀，才能把它寄托在当代花鸟画的创作中。

而工笔和写意，归根结底都是一种表达方法。就算是写意，也不见得有情怀，也可能只是些表面功夫。相比工笔，写意更加需要情怀，没有情怀的工笔还有些功夫可以看看，而写意已经超越了物象，完全靠笔墨的发挥，没有情怀还有什么可看的?不过从另一个角度来看，我也承认，写意相较于工笔，突破了技术的束缚，也更加适合情怀的发挥，所以这里面也确实蕴藏更大突破的可能。

广州美协副主席、花鸟画艺委会主任 张思燕——

写意精神式微已久

改变绝非一日之功

前年我在国家画院研修，受教于王孟奇先生，他和杨晓阳院长等一再地提及国画创作中写意精神的重要性。而从更大的范围来说，无论是中国画的意境、古典诗词的诗意，戏曲的一唱三叹，道宗、禅宗的精神内核，都离不了“意”。可能是从那个时候，我对这个问题有了特别的关注和思考。

写意精神是中国画的精髓，也是核心价值——这基本是所有艺术家的共识，但在当代，这种精神却面临式微的命运。一个最明显的表现就是全国美展：获奖及入选作品，几乎都是对物象的精致刻画，写意可说寥寥无几。以至于有人说笑：假如齐白石、吴昌硕活到今天，恐怕也很难在全国美展入选获奖了。

还有一种说法是：当代的写意水平降低了，根本选不出好的。工笔至少还有个“表面功夫”，总好过“要技术没技术，要思想也没思想”的伪“写意画”。美院的马文西老师曾说，他很难招到一些优秀的画写意的学生，大部分学生都选择以工笔作为主攻方向。为什么?因为想画好写意画特别难，除了对写意精神的感悟外，书法、篆刻、诗词、音乐都得懂。现在美院的招生、教学系统基本采用西方模式，中国传统文化的教学是缺失的。事实上，现在美院的学生，画写意画在技术上不存在任何障碍，画不好是因为在文化底蕴这一块需要补的课太多了。

而且，画写意画有时候跟一个人的年龄、阅历还有关系，很多人可能要到了一定的年龄，才会有那么一点感觉，像黄宾虹、吴昌硕、齐白石等大师是越到老写意艺术越炉火纯青，所以有人也会说中国写意画其实是一种“老人艺术”。

所以，“写意精神”的式微，要想改变绝非一日之功。那么我们面对这个问题，能不能做一些力所能及的事情呢?我们花鸟画艺委会在策划《百花颂花城》活动时就在一起商量，能不能借机宣传一下“写意之美”。毕竟，写意的失落跟整个社会的审美取向有很大的关系。写意画不像工笔画那么容易欣赏，有一种扑面而来的、精致的美感。如果说工笔的花鸟画，描摹的一朵花仅仅是一朵花，那么大写意描绘的一朵花，更像一首用笔墨唱出的心中的歌。歌的旋律有长音有短调，笔墨线条的长短、快慢、舒缓，奇妙的布局和走势也营造出了一种节奏感。对写意画的欣赏，其实也是需要学习的，如果整个艺术界的创作都弥漫工笔之风，那公众欣赏水平的提高也是无从谈起。让人感到欣喜的是，我们的想法得到了许多画家热情的回应。

1、 爱书法的人有翰墨味儿，有人情味儿，更有男人味儿。他有儒雅大方的风骨，有温和淡雅的气韵。

2、 爱书法的人有诚意，有责任心。他如春风般滋润你心，又如大树般挺直竖立，扛起他所能担负的一切。

3、 爱书法的人有个性和独特魅力。他的修养，他的言谈，透露出笔墨修炼而成的情趣。

4、 爱书法的人想象力丰富，会容易看到事物的另一面。在他的眼神中，对于力量的平衡，对于美感的把控，在他的脑海里，容易形成很好的构想与蓝图。爱书法的男人，是一个务实的理想家。

5、 爱书法的人内心肯定丑不了。一个真正有涵养的书法男人，他总是着装得体，懂得克制与修身。

6、 爱书法的人有气质，有内涵，如逆锋般谦让，如藏锋般逊雅。

7、 爱书法的人有种，敢干敢拼，有折笔的力，有回锋的劲儿。

8、 爱书法的人爱生活，有爱心。他们接受到千年诗词的熏陶，吸纳儒学仁厚，出入笔锋的感悟，浓郁翰墨般沉着。他懂的宽厚，懂的关爱。

9、 爱书法的人懂感情，有孝心。很多是出生书香门第，自幼修养上层，懂得尊老爱幼。

10、 爱书法的人懂政治，交际广。善于中庸之道，朋友很多，你要去感受他，理解他，尊重他，倾听他。

11、 爱书法的人懂得谦逊，儒雅大方。不争不怒，不焦不躁。

12、 爱书法的人会忍耐，懂得等待。经过年复一年的苦练，熬过失败与成功，他们的心，在沉着中迸发激情。

13、 爱书法的人会挣钱，铁砚磨穿，退笔成冢…他懂的运作，懂的商业，虽不一定很富有，但必不困于生计。

14、 爱书法的人善于发现你的美。你的时尚美，犹如在传统中创新，你的古典美，如翰墨回眸千年，而你的平凡美，却附和着他的淡雅从容。

15、 爱书法的人热爱大自然，带你去领略山川大河之美!自古墨客多豪情，游遍大山秀水，体验百态人生。这种情怀，没有人能拒绝。

16、 爱书法的人懂得珍惜。

17、 爱书法的人有文化。不愁不闷，谈得了地理生态，聊得来历史文化。

18、 爱书法的人，最温暖。一个真正懂得书法的男人，他有一颗宽博之心，有一份在千年碑帖中渐入佳境的情，和这样的男人在一起，你不会孤独，你会幸福。