关于对联的格律

对联的格律，比起诗词来，更复杂一点。因此，要想说清楚对联的格律，并不是一件很容易的事。

从古今对联的实践来看，对联的格律可以分为三种形式：正格联，变格联和无格联。

一、正格联

正格联的基本定义是以对联尾字的平仄作为基准，凡上联尾字为仄，下联尾字为平的，都称之为正格联。在正格联中，又分为三种形式。

1.律联

律联的上下联一般均为五字和七字，其所遵循的格律与律诗基本相同。律诗的基本格律规则为：(1)，二四六位置的平仄相错，即(仄)仄(平)平(平)仄仄或(平)平(仄)仄(平)平仄。下联的的平仄与上联相对，平对仄，仄对平。平仄的相对是针对二四六位置和尾字而言，一三五位置的平仄可以不论。(2)由于下联以平收，因此，联律也得避免律诗中的禁忌。A，忌三连平。即在尾三字中，必须有一个仄声。B，忌犯孤平，即在整句句子中，除了尾字外，必须有两个以上的平声字。注意这两点，就能避免律句中的禁忌。(3)忌诗中的变格：在(仄)仄(平)平平仄仄的句式中，倒数第三字与倒数第二字，在律诗中常常可以互换，即尾三字变为“仄平仄”的格式。例：“无为在歧路”，其中的“在”和“歧”的平仄对换了一下，看上去是不符合平仄相错的规则的。但古人常喜欢在尾联中用这样格式。由于律诗中的尾联是不对仗的，因此，这样的规则就不能借用到联律中。由此，我们可以看出，中国历史上的第一幅对联：“新年纳余庆，嘉节浩长春”其中的纳与余换了位置，因此，虽合诗律，却是不合联律的。(4)关于平仄的古今音问题，在律诗中当按古音取，一般以《平水韵》作蓝本。而在对联中，除了可以按古音外，也完全可以按现在普通话的平仄取音。

2.组合律

对联与律诗不同，对联的句式比较随意，除了五字和七字外，对联的句式不拘一格。有两字，三字，四字，六字，八字甚至几百字的。因此，在平仄的协调上就产生了取舍的困难。后人总结了一种马蹄韵的规则。所谓马蹄韵，是一种形象的表达的方式。马在奔跑的时候，前两蹄提起，后两蹄落地，在声音上呈一轻一重的形态。对联的马蹄韵规则有三种说法：(1)上联尾二字必须为仄。下联尾二字必须为平。呈马蹄起落之势。如：XXXX仄仄，XXXX平平;(2)如果在一幅对联中，有两句以上的句子组成，则每句的尾二字也须平仄相对。如，上联：XX仄仄(或平平)，XXXX仄仄，下联：XX平平(或仄仄)，XXXX平平;(3)，不管一句句子有多少个字，上下联中的尾二字和所有中心词的平仄相对，这种说法比较复杂，而且关于中心词的界定又有一定的随意性，因此，如果不是作一幅很长的联，就不必考虑这种形式。在以上三种说法中，以第二种最常用。

3.宽律

宽律在清代以前是很少存在的，清代以后，由于小说文体的普及以及白话文的兴起，对于联律要求也就越来越宽松。宽律的规则很简单，即上联尾字为仄，下联尾字为平。仅此而已。从现代对联的发展上看，这种形式的对联越来越体现出其优越性。由于现代人对古汉语的掌握达不到古人的程度，词汇量又不够丰富，因此。如果也要求象律联或组合律联一样非常考究每句句子中好几个字的平仄，容易产生因律害意的后果，至少在词意的表达上会出现不准确的现象。有鉴于此，放宽除尾字以外的所有字的平仄，对现代人来说是一种格律的解放。

必须深究得是，对联习惯于以仄收作上，平收作下，并不是从其产生之日前就已经约定好的。这种现象是受了当时的律诗中的对仗句的影响。因为绝大部分律诗都是押平声韵，因此，在对仗的颌颈联中，上句都以仄收，下句都以平声。对联本身就是律诗对仗句的一种演变，长期以来，就难以脱离律句的规定。然后，众所周知，律诗也可以押仄韵，而在词中，押仄的词牌更是数不胜数。这样也就决定了对仗句中会有上句平收的现象。

二、变格联

变格联的定义很简单，就是与传统的正格联不同，上联可以平收，下联可以仄收。变格联如是五字和七字的，也可遵诗联。

关于变格联，目前有很多人不承认这种说法。认为这种形式或者不合规范，或者只是一种偶然现象。然而，从大量的对联实践来看，平声作上的对联虽比仄声作上的少得多，但也已成了一种不容回避的现实。年代越往后，变格的对联也就越多。例：“人不可以无师，物常聚于所好”，“一粒沙子万斛珠，半湾湖水千江月”等等。这样的句子从清代前期就已出现。而且已经从文人互对的技巧联发展到题写在风景名胜和书房书案中。至于技巧联中的变格现象，更是举不胜举。由此可见。网络对联中，常有人认为，只要平收的单句就一定是下联，所求的就一定是上联，这是不符合实际的对联规则的。

现代人受古诗的影响越来越小，离律句的规则也越来越远。因此，平声作上的对联在未来的日子里必然会越来越多，与正格律共同成为对联格律的主流。

三、无格联

所谓无格，也就是对联时根本不讲究平仄，随心所欲，只讲究词与意思的对仗，而不考虑平仄。对于无格联，现代人需慎重运用。在我看来，无格的对联一般只用在对技巧很高的对联上，比如：拆字，典故等等形式。由于对联中存在不实用的形式，比如技巧联。纵然机巧无比，但没有一个与联意适应的场所可张贴，也就具有了不实用性。既不实用，又含很高的技巧，对联的过程在很大程度上就成了一种游戏，对过即算。因此不考虑平仄也是可以的。

如果说对联的格律可以选择多种的形式，甚至无格律的也可以作为对联，那么是不是我们在对联时就不必学习和遵守格律规则呢?事实并无如此。对联的格律与对联的内容息息相关，撇开内容而单讲格律是不可能说得很清楚的。我们可以简要的结合内容形态来规定一下对联的格律。

1.在编写实用性主题对联的时候，应遵守正格律的规则。如果对联中不含技巧，又是五字和七字的，应遵守诗律的规则。

2.在临屏或其他场合制联时，只要是词意精确，尾字无可替代，就可以按变格联创制。即上联的尾字可以用平声。下联的尾字必须对仄声。

3.对于一些纯技巧且难度很高或者临屏急就的游戏式的对联，可以不遵守任何格律的规则。尾字可以仄对仄，也可以平对平。当然，这样的规定一般只适于两个人互对上下联，又没有很多的考虑时间的情况下使用。

对联的格律就象一把双刃剑，既能使对联在意思浑然一体的情况下体现出其音节上的优美感，又能使人在联对时受了格律的约束，从而难以达到信手拈来，自然洒脱的境界。喜欢对联的人可以分为三类，一是懂律而将律视为对联美的一个次重要的方面，二是懂律并拘泥于律的窠臼，有时候会出现因律害意的情况。三是完全不懂律的人，所作所对完全不按规则。对于这三种人，第一种是具备了正确的对联观的人，第二种须跳出来，真正理解格律作为一种音节美的铺助作用。第三种人则需要认真学学格

启功先生说过,临帖要记住四个字——静、近、慢、准。

所谓静

包括人静心静，临帖前，须端正坐姿，腰自然伸直，膝与肩同宽，身离桌一拳头，这样血脉通畅，清气上升，浊气下沉，精神饱满，神闲气定，心无杂念。这是练习书法第一要领，也许书法有健身功效也与此有关。

所谓近

是指把字帖尽量放到离下笔处最近的位置，这样才能看清笔画轻重及位置，还便于临写的字与字帖对照，及时发现问题，初学者应强调形似再追求神似，不要以临得不似而强说自己是意临。

所谓慢

就是临写速度要慢，这个慢是相对而言的，写得慢才能写得似，初学者应放慢速度临写，但要注意慢而不滞，等熟练之后再适当加快速度。

所谓准

即笔画粗细、位置准确。这点须在前面三个条件下才能做到的，初学者须先达到形似之后逐步掌握书家书体特点，掌握规律，每个笔画的轻重长短、结构疏密的比例应与字帖一致。

《大魏赵谧墓志》全称《大魏故持节龙骧将军赵谧墓志铭》，北魏景明二年(501)年岁次辛巳十月壬戊廿四日乙酉造。志长方形，纵45.2厘米、横36.3厘米。青石质。有界格楷书。志文12行，满行15字。志共计152个字。每个字2.5cmX2.5cm。2003年出土于河北赵县赵州桥之西南。全石保存完好，无一字缺损。

新出土的这块大魏墓志完全可以和龙门二十品相媲美。此志刻石人并非民间乱刻之作，石匠十分遵守墨迹，可以说此志书刻俱佳，在魏碑中亦属罕见，是广大同道习书之妙品。

该拓片为专业水平拓出，史料价值和书法价值很高，原石为私人所藏家。

《大魏赵谧墓志》

《大魏故持节龙骧将军定州刺史赵郡赵谧墓志铭》铭文：

远源洪休，与赢分流。族兴夏商，锡氏隆周。曰维汉魏，名哲继进。行义则恭，履仁必信。笃生君侯，体苞玉润。文以表华，质以居镇。含素育志，非道弗崇。声贞琁响，迹馥兰风。贵闲养朴，去竞违丰。形屈百里，情寄丘中。报善芒昧，仁寿多褰。辞光白日，掩驾松山。深灯灭彩，垄草将繁。德仪永往，清尘空传。

魏景明二年岁次辛巳十月壬戌朔廿四日乙酉造

梅兰芳是艺术大师，大多以为是说他的京剧表演艺术。除了舞台表演之外，他爱好十分广泛，特别值得一提的他在书画等多方面的造诣。

梅兰芳先生的书法以楷书见长，小楷尤精，其书韵源自《乐毅论》、《黄庭经》、《十三行》等“二王”碑帖，并有唐人书经笔意。梅兰芳的书法像他的京剧经典剧目一样，根底扎实，清丽娟秀，风格高古。

王羲之在《书论》中说：“每书欲十迟五急，十曲五直，十藏五出，十起五伏，方可谓书。”这里的“迟急”、“曲直”、“藏出”、“起伏”说的都是在用笔过程中行笔的变化。

“迟急”是说行笔速度节奏的变化;

“曲直”是说行笔运动轨迹的变化;

“藏出”是说起笔、收笔的变化;

“起伏”是说行笔过程中提、按的变化。

这些都是用笔的要点，而且不同的行笔方法可以得到不同的艺术效果。通常情况下，“迟”表现“沉着”，“急”表现“得势”;“曲”表现“多姿”;“直”表现“刚劲”;“藏”表现“浑成”;“出”表现“爽利”;“起”表现“灵动”;“伏”表现“稳重”。然而，这些又都不是绝对的，不同情况，不同对待。

这里的“十”、“五”我们应该把它视为辨证关系，而不是绝对的量化标准，更不能把 “十迟五急”作为每字的处理方法，否则将会弄巧成拙。因此，我们要将这些相互对立的元素组成一个和谐的矛盾统一体，使其书法线条丰富多彩，变化无穷。一句话，学会了用笔就等于学会了走路，只有能熟练地驾御毛笔，才能想怎么写就怎么写，想写到那里就写到那里。

王羲之在(题卫夫人《笔陈图》后)说：“若平直相似，状如算子，上下方整，前后齐平，便不是书，但得其点画耳”。这里的平直、相似、算子、方整、齐平，从不同的角度说明了只有雷同，没有变化的字不是书法。

那书法是什么呢?书法是艺术，在书法中处处都要表现艺术。

从形态上讲究对比、变化，从内涵上讲究神采、韵味。故对比、变化是书法的根，神采、韵味是书法的魂。

蔡邕在《九势》中说：“上皆覆下，下以承上，使其形势递相映带，无合势背。”

书法要求笔画搭配适宜、使转有情。线条决定质量，结构决定形态，韵味决定神采。

就像厨师做菜首先讲究菜的质量，然后做成“形”、“色”俱佳、具有艺术品位的菜，一是能吸引食客的眼球，二是能增加食欲，看着就想“吃”。“吃”是厨师做菜的核心内容，要把菜做的很有味道，酸、甜、麻、辣、鲜、香，我们要什么，有什么，回味无穷，吃了就忘不了能得到很好的享受。

书法也是如此，其形在外，味在内，形可视，味可品，做到形似不难，要做到神似，有味道就不那么容易，二者皆佳者，可谓形神兼备也。

二、难在墨法

清包世臣《艺舟双辑?述书下》云：“画法、字法，本于笔，成于墨，则墨法尤书艺一大关键已。笔实则墨沉，笔飘则墨浮。…… ”

墨法在书法中占着中要的地位，善于用墨，是书家一生不断的追求。

素有“惜墨如金”的当代草圣林散之，用墨讲究、变化无穷。“泼墨似水”的清代神笔王铎，用墨大胆、痛快沉着，把笔墨“浓、淡、干、湿、燥”的丰富变化演绎地淋漓尽致。宋姜夔《续书谱·用墨》说的更为详细：“凡作楷，墨欲乾，然不可太燥。行草则燥润相杂，以润取妍，以燥取险。墨浓则笔滞，燥则笔枯，亦不可知也。”

这说明不同的字体对墨的要求也是不一样的，合理的用墨能使字体增彩。

书法中的“浓淡”、“干湿”、“燥韵”的一切变化都在自然形成之中。一味增多，过激都可以引起不良反应。如用墨不可过淡，淡则灰，灰则伤神;不可过浓，浓则滞，滞则不畅(笔);不可过干，干则枯，枯则无华;不可过湿，湿则溢，溢则无韵;不可过燥，燥则焦，焦则狼藉。否则，就会失去天真。我理解的用墨很简单，如同吃饭一样，吃——消化——再吃——再消化，也即蘸墨——书写——再蘸墨——再书写。

三、难在章法

古人作书很讲究章法，蒋骥《续书法论》：“篇幅以章法为先，运实为虚，实处俱灵;以虚为实，断处俱续。行间有高下疏密，须得参差掩映之迹。”

章法是点画与点画之间的呼应，字与字之间的顾盼，行与行之间的相映，整体上气韵通达，虚实相生，神采飞扬。

章法也称“布白”，“布白”就是“布局”，把整幅作品的内容进行布白，如字距、行距、行款以及字的大小、款式的高低，天地的留白等。

四、难在意境

意境是书法家把书法的情感注入笔端，用书法的形象来抒发胸中之意，让读者欣赏到书法作品的丰富内涵，从中得到感悟、启示和滋养。

意境是文化的体现，其表现方法，简单地说是虚实相生，实是虚的基础，虚是实的升华，虚实是相互依托的关系。

在书法的审美过程中，意境的产生，是一种心理现象。

“意境深远”：就是把书法艺术不同的美，展示在想象的空间里，把自然境界和艺术境界的完美结合在一起，创造出新的意境来。如颜体的开阔，表现出了豁达的心胸和包容的雅量。正如一位哲人所说:比陆地宽广的是海洋,比海洋宽广的是天空,比天空宽广的是人的胸怀。胸怀宽宏是一种美德、一种风度、一种仁爱无私的境界。把这种境界表现在书法艺术中，就是意境。

意境表现的形式、方法是多种多样的，但意境应该是出彩的，要出彩就要注入很多美的元素，常用对比、夸张、意料之外的手法来吸引眼球，增加视角的冲击力和提高作品的感染力，只有意境出彩的作品，才能让人回味无穷，激动、兴奋和感慨，并使人们的情感得到净化和升华。

在意境的表达上要考虑抒发情感，追求“情与景汇，意与象通”的境界，把作者的真实情感表现在作品中，就像《祭侄稿》一样悲愤胸中出，至性书正气，达到了内容与形式的高度统一，是颜真卿心情的真实流露。在极度悲愤的情绪下，顾不得笔墨的工拙，随着书家情绪起伏而自然形成，是情感和功夫的自然流露。达到了技术和艺术完美结合的顶峰，在书法历史上树起了一座丰碑。

五、用笔的熟练程度决定着线条的质量

笔画的长短、粗细、俯仰、伸缩的准确与否，决定了结构的形态的优劣

结构的宽窄、高低、大小、斜正、疏密的对比、变化准确与否，决定了章法的优劣

书法是通过汉字表达作者的情感的艺术，把笔画、结构、章法、意境等所有的因素以及对比、变化统一在一起，再注入作者的技术、情感、思想、境界、追求，就是经典的好作品。

中国传统文人究竟有哪些共通的精神素质和心理习惯，这个问题，现在已有不少海内外学者在悉心研究。这种研究的重要性是显而易见的，但也时时遇到麻烦。年代那么长，文人那么多，说任何一点共通都会涌出大量的例外，而例外一多，所谓共通云云也就很不保险了。如果能对例外作一一的解释，当然不错，但这样一来，一篇文章就成了自己出难题又自己补漏洞的尴尬格局。补来补去，痛快淋漓的主题都被消磨掉了，好不为难煞人。

我思忖日久，头脑渐渐由精细归于朴拙，觉得中国传统文人有一个不存在例外的共同点;他们都操作着一副笔墨，写着一种在世界上很独特的毛笔字。不管他们是官屠宰辅还是长为布衣，是侠骨赤胆还是蝇营狗苟，是豪壮奇崛还是脂腻粉渍，这副笔墨总是有的。

笔是竹竿毛笔，墨由烟胶炼成。浓浓地磨好一砚，用笔一舔，便簌簌地写出满纸黑生生的象形文字来。这是中国文人的基本生命形态，也是中国文化的共同技术手段。既然如此，我们何不干脆偷偷懒，先把玩一下这管笔、这锭墨再说呢?

一切精神文化都是需要物态载体的。五四新文化运动就遇到过一场载体的转换，即以白话文代替文言文;这场转换还有一种更本源性的物质基础，即以“钢笔文化”代替“毛笔文化”。五四斗士们自己也使用毛笔，但他们是用毛笔在呼唤着钢笔文化。毛笔与钢笔之所以可以称之为文化，是因为它们各自都牵连着一个完整的世界。

作为一个完整的世界的毛笔文化，现在已经无可挽回地消逝了。

诚然，我并不否定当代书法的成就。有一位朋友对我说，当代书法家没有一个能比得上古代书法家。我不同意这种看法。古代书法家的队伍很大，层次很多，就我见闻所及，当代一些书法高手完全有资格与古代的许多书法家一比高低。但是，一个无法比拟的先决条件是，古代书法是以一种极其广阔的社会必需性为背景的，因而产生得特别自然、随顺、诚恳;而当代书法终究是一条刻意维修的幽径，美则美矣，却未免失去了整体上的社会性诚恳。

在这一点上有点像写古诗。五四以降，能把古诗写得足以与古人比肩的大有人在，但不管如何提倡张扬，唐诗宋词的时代已绝对不可能复现。诗人自己可以写得非常得心应手(如柳亚子、郁达夫他们)，但社会接纳这些诗作却并不那么热情和从容了。久而久之，敏感的诗人也会因寂寞而陷入某种不自然。他们的艺术人格，或许就会因社会的这种选择而悄悄地重新调整。这里遇到的，首先不是技能技巧的问题。

我非常喜欢的王羲之、王献之父子的几个传本法帖，大多是生活便条。只是为了一件琐事，提笔信手涂了几句，完全不是为了让人珍藏和恳挂。今天看来，用这样美妙绝伦的字写便条实在太奢侈了，而在他们却是再启然不过的事情。接受这张便条的人或许眼睛一亮，却也并不惊骇万状。于是，一种包括书写者、接受者和周围无数相类似的文人们在内的整体文化人格气韵，就在这短短的便条中泄露无遗。在这里，艺术的生活化和生活的艺术化相溶相依，一支毛笔并不意味着一种特殊的职业和手艺，而是点化了整体生活的美的精灵。我相信，后代习摹二王而惟妙惟肖的人不少，但谁也不能把写这些便条的随意性学到家。

在富丽的大观园中筑一个稻香村未免失之矫揉，农舍野趣只在最平易的乡村里。时装表演可以引出阵阵惊叹，但最使人舒心畅意的，莫过于街市间无数服饰的整体鲜亮。成年人能保持天真也不失可喜，但最灿烂的天真必然只在孩童们之间。在毛笔文化鼎盛的古代，文人们的衣衫步履、谈吐行止、居室布置、交际往来，都与书法构成和谐，他们的生命行为，整个儿散发着墨香。

相传汉代书法家师宜官喜欢喝酒，却又常常窘于酒资，他的办法是边喝边在酒店墙壁上写字，一时观者云集，纷纷投钱。你看，他轻轻发出了一个生命的信号，就立即有那么多的感应者。这与今天在书法展览会上让人赞叹，完全是另一回事了。整个社会对书法的感应是那样敏锐和热烈，对善书者又是如此尊敬和崇尚。这使我想起现代的月光晚会，哪个角落突然响起了吉他，整个晚会都安静下来，领受那旋律的力量。

书法在古代的影响是超越社会蕃篱的。师宜官在酒店墙上写字，写完还得亲自把字铲去，把墙壁弄得伤痕斑斑，但店主和酒保并不在意，他们也知书法，他们也在惊叹。师直官的学生梁鸽在书法上超越了老师，结果成了当时的政治权势者争夺的人物。他曾投于刘表门下，曹操破荆州后还特意寻访他，既为他的字，也为他的人。在当时，字和人的关系难分难舍。曹操把他的字悬挂在营帐中，运筹帷幄之余悉心观赏。在这里，甚至连政治军事大业也与书法艺术相依相傍。

我们今天失去的不是书法艺术，而是烘托书法艺术的社会气氛和人文趋向。我听过当代几位大科学家的演讲，他们写在黑板上的中文字实在很不像样，但丝毫没有改变人们对他们的尊敬。如果他们在微积分算式边上写出了几行优雅流丽的粉笔行书，反而会使人们惊讶，甚至感到不协调。当代许多著名人物用毛笔写下的各种题词，恕我不敬，从书法角度看也大多功力不济，但不会因此而受到人们的鄙弃。这种情景，在古代是不可想象的。因为这里存在着两种完全不同的文化信号系统和生命信号系统。

古代文人苦练书法，也就是在修炼着自己的生命形象，就像现代西方女子终身不懈地进行着健美训练，不计时间和辛劳。

由此，一系列现代人难以想象的奇迹也随之产生。传说有人磨墨写字，日复一日，把贮在屋檐下的几缸水都磨干了;有人写毕洗砚，把一个池塘的水都洗黑了;有人边走路边在衣衫上用手指划字，把衣衫都划破了……最令人惊异的是，隋唐时的书法家智永，写坏的笔头竟积了满满五大麓子，这种簏子每只可容一百多斤的重量，笔头很轻，但五簏子加在一起，也总该有一二百斤吧。唐代书法家怀素练字，用坏的笔堆成了一座小丘，他索性挖了一个坑来掩埋，起名曰“笔冢”。没有那么多的纸供他写字，他就摘芭蕉叶代纸，据说，近旁的上万株芭蕉都被他摘得光秃秃的。这种记载，即便打下几成折扣，仍然是十分惊人的。如果仅仅为了练字谋生，完全犯不着如此。

文徵明草书《湖光披素练诗卷》

书于世宗嘉靖八年(1529年)，时年60岁。文徵明草书师法怀素、黄庭坚而能遗其貌，取其神。本卷草书，点画苍劲有力，结体开展奔放、张弛有致，整幅作品上下呼应，左右映带，血脉相通，气贯神溢，是一件不可多得的绝佳作品。我们一起来欣赏这幅佳作。

1、轻重互见、虚实相生的强化

小楷用笔应当有轻有重，不但一字之中，而且一笔之内，都应有轻重的区别，不能像中楷、大楷那样纯用重笔浓墨。同时，小楷中有许多虚笔，蹲驻提衄，只在毫发之间，似有若无，以长篇小楷为例，创作者往往会将这些特点予以强化，进行一点发挥，使笔墨在整幅之中来点机智、灵动，避免整体写得过实。这时，创作者往往是用性灵、意绪在把笔运转，理性色彩淡去了，浪漫情调浓厚了。常见一些作者书写长篇小楷，通篇没有精彩之处，极平极稳也极乏味。书写时过于理性，人为外加装饰太多，这样的长篇往往成了众多字数的罗列，堆积品。长此以往，作者的感觉能力就逐渐失灵了，书匠产生了，这样的作品也往往不会被人看好。

2、取法途径、个性追求的开放

在小楷学习途径选择上，当代书家一改过去单纯从大字入手的传统思路，更注重从“能力”出发，从“本体之外求本体”，力避俗套。即使在小楷本体或他体的学习中，也一改以往一味“贵似”或临习侧重“似”的思维惯性，开始注重“不似”的成分，表现出学习过程中对自我的发现和肯定，珍视创造性因素的发挥，珍视个性的显现。

3、 时间节奏的调控

小楷的书写状态，应该闲庭信步，是悠闲的。初学时宜慢，熟练后自然稍快，而后达到闲庭信步式的自然状态，快慢节奏的调控游刃有余。

4、 空间节奏的调控

“一枝一叶一世界”，小楷作品一般字数不会太少，在一个具有众多成员的大家庭中，如果单调重复。那就更显乏味了，给人的视觉审美肯定也会产生疲劳。由于小楷的实用功能，钟繇之后的书家，大都把它当作抄写的字体了，使这种原本极富灵性的东西，一步步变成了任人排列与组合的“印刷字”，像明清的台阁体、馆阁体，千篇一律，毫无个性。只有不满抄录功能的书家，才有一些表现的意识在里头。所以艺术层面小楷学习与创作字型空间节奏的调控就尤显重要了。

以下是唐代书法家 韦续写的《五十六种书并序》。他说书法有56种书体，分的非常之细。

自三皇以前，结绳为政，至太昊氏，文字生焉。所谓依类象形谓之文，形声相益谓之字，著于竹帛谓之书。书者以代结绳之政也，故字有六文： 一曰象形，“日”“月”是也;二曰指事，“上”、“下”是也;三曰形声，“江”、“河”是也;四曰会意，“武”、“信”是也;五曰转注，“考”、“老” 是也;六曰假借，“令”、“长”是也。又曰字有五易，苍颉变古文，史籀制大篆，李斯制小篆，程邈制隶书，汉代作章草是也。其八体者，更加刻符、摹印、虫书、署书、殳书、传信并大小篆，为八体也。后汉东阳公徐安于搜诸史籍，得十二时书，皆象神形也。又加二十三体，共定五十有六，列之于后:

一、太昊庖牺氏获景龙之瑞，始作龙书。

二、炎帝神农氏因上党羊头山始生嘉禾八穗，作八穗书， 用颁行时令。

三、黄帝史苍颉写鸟迹为文，作篆书。

四、黄帝时，因卿云作云书。

五、少昊金天时以鸟纪官，作鸾风书，文章衣眼，取以 为象。

六、蝌蚪书因蝌蚪之名，故饰之以形。不知年代，或云 颛顼高阳氏所制，今古文是也。

七、帝喾高辛氏以人纪事，象仙人形书，车器衣眼皆为之。

八、帝尧陶唐氏因轩辕灵龟负图作龟书。

九、夏后氏象钟鼎形为篆，作钟鼎书。

十、殷汤时仙人务光作倒薤书，今薤叶篆是也。

十一、周文王史史佚因驺虞作虎书，有虎不害人，驺虞因此始也。

十二、周文王时赤雀衔书集户，武士时丹鸟入室，以二祥瑞，故作鸟书。

十三、周法鱼书因素鳞跃舟所作。一云汉武帝游昆明池，学士陈遵所作。

十四、填书，周媒氏作。魏韦诞用题宫阙，王廙、王隐皆好之。

十五、大篆书，周宣王史史籀所作也。亦曰籀篆，《石鼓文》是也。

十六、复篆，因大篆而重复之，亦史籀作。汉武帝用题建章阙。

十七、殳书，伯氏所职。文记笏，武纪殳，因而制之。

十八、小篆，周时所作。汉武帝得汾阴鼎，即其文也。

十九、仙人篆，古之所有。李斯善辨古文字，改为篆形也。

二十、麒麟书，鲁哀公十三年西狩获麟，仲尼反袂拭面，叹“吾道穷矣”，弟子用为素王纪瑞所制也。

二十一、转宿篆，宋司马以荧惑退舍所作也，象莲花未开形。

二十二、虫书，鲁秋胡妇浣蚕所作，亦曰雕虫篆。

二十三、传信鸟迹书，六国时书节为信，象鸟形也。

二十四、细篆书，李斯摹写始皇碑序，皆用此体，亦曰缪篆。

二十五、小篆书，李斯删古文作也。始皇以祈祷名山，皆用此书。

二十六、刻符书，鸟头云脚，李斯、赵高并善之，用题印玺。

二十七、古隶书，秦程邈系狱中，变大篆所作。始皇嘉焉，拜侍御史，名徒隶之书，今为八分。

二十八、徒隶之书，因程邈幽囚为徒隶书也。邈字元岑。

二十九、署书，汉萧何所作，用题苍龙、白虎二阙。

三十、藁书，行草之文也，董仲舒欲言灾异，主父偃窃而奏之。晋

卫瓘、索靖善之，亦云相闻之用也。

三十一、气候时书，汉文帝令蜀郡司马长卿采日辰会屈伸之体、升伏之势，象四时为书也。

三十二、符信书，六国时各以异体为符信所制也。

三十三、芝英书，汉武代有灵芝三，植于殿前，遂歌《芝房之曲》述焉，又名英芝。

三十四、金错书，古之钱铭，周之皇府、汉之銖两刀布所制也。

三十五、尚方大篆，程邈所述，后人饰之以为法焉。

三十六、鹤头书，与偃波皆诏版所用，汉家尺一之简是也，亦名鹄头。

三十七、偃波书，即版书，状如连文，谓之偃波。

三十八、蚊脚书，尚方诏版也。其字体侧纤垂下，有似蚊脚，因而为名。

三十九、垂露篆，汉章帝时曹喜所作也。

四十、悬针篆，亦曹喜所作。有似针锋，因而名之，用题《五经》篇目。

四十一、章草书，汉齐相杜伯度援藁所作。因章帝所好，名焉。韦诞谓之草圣。

四十二、飞白书，蔡邕待诏，见门下吏垩帚成字所作。

四十三、一笔书，弘农张芝临池所制。其状崎崄，有循环之趣。

四十四、八分书，汉灵帝时上谷王次仲所作。魏钟繇谓之章程书。

四十五、蛇书，鲁人唐终，当汉、魏之际’梦龙绕身，寤而作之。

四十六、行书，正之小伪也。钟繇谓之行狎书。

四十七、散隶书，卫恒所作。迹同飞白。

四十八、龙爪书，晋王右军所作，形如龙爪也。

四十九、藁及行隶，钟繇变之，羲、献重焉。

五十、晋二王重变行隶及藁体为八体书。

五十一、草书，王羲之饰古，亦甚善也。

五十二、虎爪书，王僧虔拟龙爪所作也。

五十三、鬼书，宋元嘉中，京口有人震死，臂上有篆，似八分也，今曰雷书。

五十四、外国书，阿马鬼魅王之所授，其形似小篆。

五十五、天竺书，梵王所作《涅槃经》，所谓“四十二章经”也。

五十六、花书，河东山胤所作。

《五十六种书并序》一卷，旧本题唐韦续撰，续不知何许人。前有小序，言后汉东阳徐安于搜诸史籀，得十二时书，旨象神形，又加三十三体，共定五十六种，似此书为续所传，非续之书也。韦续《墨薮》亦载此篇，《墨薮》皆辑前人之作，亦为此书非续所作之一证。所云东阳徐安于，未详何如人，十二种加三十三种亦不符五十六之数。编中所列太昊庖牺氏之龙书，炎帝神农氏之穗书等，俱无根据，不免附会。上古之时，文字简单，书体未定，作书者仅为符号之用，各以巧意为之缘饰，事或有之，必以为书法之一种而罗列之，颠亦甚矣。宋朱长文《墨池编》曰：“所谓五十六种书者，何其纷纷多说耶?彼皆得于传闻，因于曲说，或重复，或虚诞，未可尽信也。学者惟工大小篆八分楷草行草为法足矣，不必究心于诸体尔。”

1、书法学习需要时间的保证。虽然书法讲究悟性、天赋，这些先天的东西其实个人都差不了多少，最终还是落实到比耐心，比时间的投入上。耐心就是要做好长时间默默无闻的准备，深刻领会书法的精神，要对书法有感觉，或者说要“来电”。这个需要很多时间的投入，去不断的领会的。

2、学书法要深入传统，只有深入传统，真正领会了传统的精神，才会深切爱上书法。传统对于当代来说，不是枯涸的，它的资源仍然新鲜、活泼。对于传统的挖掘程度和理解的不同，可以开出不同的书法走向。

3、清代的碑学运动，传统的说法都认为在帖学系统之外建立了另外一个不同的审美世界。其实，碑学虽然讲究奇趣、古趣，他们的格调和品质仍然是在传统之中的，可以说仍然符合传统文人书法的审美的。我们看清末民初的碑学大家，如康有为、沈曾植、于右任等等，他们的书法突破了传统帖学，但是格调和品质仍然依归传统。我相信，书法同绘画一样，绘画强调所描绘对象的品格的塑造。比如说画松，就要具备松的品格。这个都是客观的对象所具有的基本品质。书法也是一样，我们写的汉字，每个字也都具有基本的品质，书法也是要把这种品质展现出来。而现代的一些学碑的书法家，认为奇趣就是变形，于是书法的取法对象走向民间化便成了众向所趋。这种对形式感的过分强调，其实是完全损害了书法的核心精神，即现代的书法丢掉了格调和品质。

4、书法的正脉乃是魏晋以来到明清书法名家构成的巨大的谱系，就是帖学系统，包括帖学的笔法以及帖学所崇尚的审美价值，即格调和品质。但是帖学在宋以后为什么衰弱了呢?具体原因有很多。

其一：范本的差异性太大。刻帖的流行一方面扩大书法群体，而一方面也引起了诸多误会和混乱。刻帖的不断翻刻，离原本会越来越远，后人学刻帖，难免有雾里看花的遗憾。这个是资料的限制，而我们现在的信息时代，完全可以突破古人资料匮乏的尴尬局面，这个可以说是我们学书法的有利条件。

其二：宋以后楷书的意识太强，可以说深刻影响了行草书的创作和审美。从唐代开始，中国的文字就在走规范化道路，这个大概和印刷术有关系。唐之前，文本的流传都是靠手工抄写来完成，对于每个阅读者来说，每一个文字都是新鲜的、不同的。但是在唐以后，印刷术的流行，带来了美术字在印刷行业的大量运用。

美术字就是规范字，如宋体，虽然刻工的不同会让规范字有所差异，但是总体来说，规范字确立了一个标准的书体形式。对于阅读者来说，天天接触的就是这些一模一样的标准形式，这种规范字的阅读，深刻影响了书法家对于书法创作的理解。这些规范的字体会逐渐在阅读者的心里造成一种心理定势——字的某种写法就是完美的，字的笔画安排符合某种规范就是完美的，等等等等。而这些心理定势在魏晋人那里根本没有。魏晋时代的书法远绍汉代。汉代到魏晋这几百年中，成熟的书体不是楷书，而是草书。也就是说，魏晋人学书法，面对的是一个成熟的草书系统，而不是如宋以后，面对的是一个成熟的唐楷系统。这样差距就出来了。草书对于楷书来说，更加自由开放，从草书化到行书，行书必定具有草书的品格。所谓古法，就是一套从草书中化出来的笔法系统。而宋以后，学书先学楷书的做法成了书法的常识，也可以说是偏见。我们一开始就被灌输规范化的审美。这种审美的最终结果就是馆阁体的出现。明清的帖学笼罩在馆阁体的阴影之下，奄奄一息。帖学的最后一位大家就是明代的董其昌。但是，我们看到董的书法结构平正(正是楷书影响的结果)，笔法单调。唯一出色的就是墨法和格调。而到了清代，更没有帖学大家。对于我们来说，困难也许更大。我们面对的是极其规范的阅读文字，同时离魏晋时代有千年的距离。这些都给我们领会古法造成了困难。

5、那么如何领会古法呢?最重要的是资料一定要丰富。这个可以说是我们的优势。比如说，学习唐楷，必须废除清代对唐楷的歪曲。我们可以参看日本流传下来的诸多书法作品。比如说日本空海和尚的作品中更多的保留了颜真卿的笔法;在嵯峨天皇的书迹中，我们看到了经典的欧阳询笔法，比欧书《千字文》要活泼的多、精彩的多。这些书迹对于我们理解唐人的笔法有着重要的意义。又比如说《兰亭序》，冯承素的摹本现在流传最广，大家对《兰亭序》的误解也最深。冯的摹本解体固然潇洒，但是毕竟是钩摹出来的，不是写出来的，露锋太多，显得尖刻和做作。有些笔画明显是违反运笔规律的，是假的笔画。学习《兰亭》如果不能认识到这一点，那就很麻烦。所以，从某种意义上说，禇遂良、虞世南的临本远比冯摹本和定武本重要。尤其是禇遂良的临本，值得好好研究。因为它是书写的结果，保留了更多唐人的笔法。虽然结构风神不如冯本潇洒，但是线条更真实。

6、学书法一定要占有丰富的资料，可以互相比勘。我们占据的资料多于古人，这个是我们时代的优势。但是，我们的资料更多的是印刷品，于是问题又来了。印刷品说到底还是二手资料，虽然比刻帖要好的多，但是对于理解古人书法还是存在着一定的差距。所以要看真迹，这个非常重要。多比勘资料，多观摩真迹，我们就能发现原来被我们深刻误解的东西。比如说《伯远帖》，我们看印刷品觉得非常精彩。但是上次我去上博参观的时候，发现《伯远帖》的线条居然这么软弱，这个让我很吃惊。

7、接下来讲书法学习问题。要学好书法需要全面的训练，最基本的就是技巧的训练和积累。技巧说到底就是练笔性。这个需要手的灵活性和控制笔锋的能力。所谓全面的技巧训练，就是要拓宽手的敏感度。书法经过历史的积累，技巧非常多。但是真正能被书法家吸收和运用的也不过十多种。但是对于学习者来说，要扩大技巧训练的范围，不要局限于几种技巧的训练。广泛的接触、涉猎，最终找到适合自己生理和心理的技巧。而真正丰富的技巧在二王的书法体系中得到最全面的保留。

8、五种书体各有各的技巧要求，或多或少。论技巧的变化、复杂和难度，行草的技巧要求更多，也更难。但这个不是说技法相对简单的篆、隶、楷不重要。相反，这些静态书法的研习对于我们掌握动态书法(行、草)有着重要的意义。林散之先生是当代草书大家，他成功的基础是隶书。老先生每天悬腕写隶书，慢悠悠的。这种对笔的控制力和稳定性的学习对他的草书影响巨大。而相反，我们看到现代的一些书家，专好写草书，线条打滑，留不住笔，明显是静态书法的功力不够。所以说，技巧的训练要全面。五种书体的学习可以同时展开。即把静态书法和动态书法的学习结合起来。学会每种书体用不同的状态书写。美院那边还有一种方法，同样的一个内容，用同一种书体，尝试用不同的状态来表达，这种训练难度更高，但也更有效。

9、技巧和人文。记得前几年，国美和南艺的书法教学有过争论。在国美一方，讲究完全解剖技巧，“逼真模仿”，这种精微训练见效快。而南艺讲究长远的修为，见效慢。当然，对于我们来说，完全可以结合两种学习的方法。首先，学习书法一定要学会运用理性剖析作品。国美的方法很适合。其次要对书法作品保持新鲜感。如果一件书法作品换不起你的感觉，一是作品肯定没有深度，二是你自己缺少深度。比如对于二王尺牍，需要经常产生新意，就是新鲜感，才能不断深入。王字可以说大有文章可做。最后，当技巧掌握到一定程度，必然要加强人文、品格等等方面的修养。

10、学书法对于整个书法史发展脉络要有清晰的把握。我们之所以说晋、唐是中国书法史上的两座高峰，就是因为书写在那个时候保持了最自由、最本真的状态。前面说过，印刷术带来的美术规范字对宋以后的书写产生了重大影响。在晋、唐时代，书法家的书写思维和现代人完全不一样。我们学传统，尤其是学宋以前的书法，就是要打破自己对文字的“意象”，就是说要突破深藏在自己潜意识中的规范的美术字审美定势。如果我们带着这种潜意识去欣赏晋、唐人的作品，会发现很多奇怪的地方，也就是说超出了我们想象之外。这些奇怪的地方对于古人来说是顺理成章的，对我们来说却是不可理解的。原因就是我们被固定的规范框住了。学习传统，尤其是学习宋以前的传统，说到底就是要打破原来的思路、规范(打破单一的美术字结构)，如此才能真正理解古人。

11、“逼真临摹”非常重要，就是要达到伪造的地步。很多人以为临摹只要抓住大概，他们自称是书法的“气韵”、“神”等等。其实，所有的气韵神采都是建立在笔墨的基础上的。如果笔墨无法达到或者接近古人，大谈“遗形取神”等等都是空洞无物的。所以，在临摹的开始，要无条件的服从古人。要抓住古代作品中丰富多彩的差异性来临摹。比如说，对于一些奇异的结构，很多人会认为是偶然的效果，不必在意。其实这些偶然也透露了一种必然。我建议都要临，临的越像越好。也许一开始觉得很难，难就对了，那是因为我们日常的规矩、定势在作怪。我们总是想把古人的作品在临摹中套入自己的规范体系中。这样就麻烦了。你越是重复，规范就越牢固。到最后，临摹只是加深了自己的偏见，而没有突破。精细临摹古人作品就是要突破我们被美术字深刻影响的规范意识。

12、二王的书法体系笔墨要素更完善。从中可以学到非常多的东西。说二王是中国书法的源头，是有道理的。深刻理解了二王，再学其以后的东西，会有“一览众山小”的畅快感。

13、要掌握“八面出锋”的运笔方法，就是要加强用笔的丰富性、灵活性。切忌笔锋偏在一边，这样字容易薄;也要忌讳把笔当作刷子一样使用，那会让线条变得单调乏味。