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《庐山高》是沈周经典之作，也是他转型时期的代表作，沈周为他的老师陈宽（醒庵）70岁生日祝寿，凭借想象而创作的一幅国画精品。时年沈周41岁。此幅画于成化丁亥（1467年），取法为宋元文人画传统，故精力专注，特为杰出。画中山石林木笔法全仿王蒙，益以本身功力，更觉浑朴雄健。几无空处，山石融合了王蒙的解索皴与董源、巨然的披麻皴法，先以淡墨层层皴染，再施以浓墨逐层醒破。笔法稳健细谨，不恣意逞任，用墨浓淡相间，於满幅布局中有疏朗之感，故觉实中有虚。而画悬泉百丈直泻冲下，涧水轻柔，云光山色极为精彩。

沈周的山水画以北方画风特有的遒劲、浑厚之气，表现南方山水秀美、凄迷之韵，使南北画风有机融合，又各尽其妙。这一绘画风格的形成不仅在于其“师古能化，自出机杼”，还与其人品、阅历及修养的历练有关。他作品风格的发展大体分为两个阶段，早期以“细笔”画为主，晚期呈现出粗笔放逸的风格，《庐山高》可以说是两种风格兼具的代表。

《庐山高》明 沈周 纵193.8cm 横 98.1cm 中国台北故宫博物院藏

沈周与齐名的另一位画家唐寅，都曾以庐山作为审美载体，却表现出不同的意味。沈周用庐山的崇高来比喻老师的学问与道德，同时庐山上有著名的五老峰，沈周就借万古长青的五老峰来祝贺老师的寿诞。所以他选《庐山高》这个画题是含有特殊意义的。因取庐山的崇高博大赞誉其师，故画面上所画崇山峻岭，层层高叠，近似王蒙的笔法、布局，作危峰列岫，长松巨木，起伏轩昂，雄伟瑰丽。近处一人迎飞瀑远眺，比例虽小，却起着点题的作用。由于作者极善于虚、实和黑、白的均衡处理，故画面虽饱满却不觉得挤迫窒息。画面上水的空灵、云的浮动，再加上直泄潭底的飞瀑，使密实的构图里有了生动的气韵。整幅画笔墨显得坚实浑厚，景物郁茂，气势宏大，虽笔法师王蒙，但更显清新空灵，融“崇高”的人格理想与壮丽的大自然为一体，也揭示了画家的胸襟。《庐山高》明 沈周 （局部）

《庐山高》自题：庐山高，高乎哉！郁然二百五十里之盘踞。岌乎二千三百丈之巃嵸。谓即敷浅原。培嵝何敢争其雄？西来天堑濯其足，云霞旦夕吞吐乎其胸。回崖沓嶂鬼手擘，涧道千丈开鸿蒙。瀑流淙淙泻不极，雷霆殷地闻者耳欲聋。时有落叶於其间，直下彭蠡流霜红。金膏水碧不可觅，石林幽黑号绿熊。其阳诸峰五老人，或疑纬星之精坠自空。陈夫子，今仲弓，世家庐之下，有元厥祖迁江东。尚知庐灵有默契，不远千里钟于公。公亦西望怀故都，便欲往依五老巢云松。昔闻紫阳祀六老，不妨添公相与成七翁。我常游公门，仰公弥高庐。不崇丘园肥遁七十，著作 白发如秋蓬。文能合坟诗合雅。自得乐地於其中。荣名利禄云过眼，上不作书自荐，下不公相通。公乎！浩荡在物表，黄鹄高举淩天风。

墨池学院特邀 徐业春老师，通过对《庐山高》局部的临习示范，帮助学员掌握构成山水画基本元素的解析，笔墨的特点，构图与立意的关系。

导 师 介 绍

徐业春，中国当代中青年画家、笔名长林、山石。斋号南州堂。中国山水画研究会会员、江苏美协会员、淮安市美协理事、市美协山水画研究会会员及花鸟画研究会会员。江苏省国画院特聘画师、北京大风堂山水画研究会研究员、北京集文阁书画院画家、中国书画网络签约画家。深造于北京清华美院及中国国家画院。师从施云翔、程大利、陈克永等导师。专研青绿、彩墨、水墨山水画。大风堂张大千再传弟子。

作品多次参加全国性和省市美协及文化部门主办的多项展览并入展和获奖。

艺术成就：

《秋岩山居》入展第二届江苏省山水画作品展

《泉边幽居》入展庆祝中华人民共和国成立六十周年江苏省美术作品展

《山魂》入展江苏省美协第四届新人新作美术作品展

《工笔山水》、《云横翠谷》、分别入展第二届、第五展海峡杯全国书画展

《溪山云居》首届淮安市百姓文化艺术节书法美术作品展获二等奖

《苏北新农家》喜庆十八大淮安市书法美术作品展获三等奖

《文楼小记》走近运河淮安市书法美术作品展莸三等奖

《溪山清幽》入展淮安市美协举办首届美术奖作品展

《夏凉》入围颜真卿杯魅力句容全国书画展。

导 师 作 品

徐业春作品

徐业春作品

徐业春作品

徐业春作品

课 程 安 排

第一节 《庐山高》简析
2017年12月16日 19:00
1、明代绘画的艺术特色及时代背景（讲述+图片演示）
2、《庐山高》笔墨特点（讲述+图片演示）
3、材料及工具的选用（讲述+视频演示）
4、《庐山高》皴法的运用（讲述+视频演示）

第二节 构成《庐山高》基本元素的解析
2017年12月23日 19:00
1、《庐山高》山石法简析（讲述+视频演示）
2、《庐山高》树木法简析（讲述+视频演示）
3、《庐山高》云水法简析（讲述+视频演示）
4、《庐山高》点景法简析（讲述+视频演示）

第三节 《庐山高》章法解析及运用
2017年12月30日 19:00
1、《庐山高》构图分析（讲述+视频演示）
2、《庐山高》立意分析（讲述+视频演示）
3、临习示范（视频演示）

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 日本现代书法的问世，是借助于《每日书道展》《日展》的展览交流途径。最早引起轰动的是1945年上田桑鸠的《爱》、手岛右卿的《崩坏》。

▲ 日本 上田桑鸠《爱》

 

▲ 日本 手岛右卿《崩坏》

战后的日本,一是想借用书法将本来就有的民族亲和力凝聚起来,二是想书法能走向世界。因此,他们们不自觉地关注和融入西方抽象艺术,强调书法的视觉感受、视觉冲击,并对视觉范围内的装被、纸色、镜框、质料以及悬挂的环境都予以安排。再加上“每日新闻社”的参与,书法的各种风格、各种流派得以大规模地展览和比较。 

当年，日本的“新”“旧”书法流派进行大规模的研讨，西川宁将上田、手岛的现代书法归于“表现主义””。现代书法的理论就此产生，起初是以线条为主表现对象，强调造型与抒情。

这种理论似乎何其相似，其实是来源于当时的后期印象派绘画的理论。如果我们记得，20世纪80年代,我国流行过一本美学书，是英国人克菜夫・贝尔的《艺术》，作于1913年。他在书中将除了内容以外的打动人视觉的东西，称为“有意味的形式”。他的理论被认为是现代派艺术理论的柱石。

日本书法在现代绘画的大气候下,很快也取消了汉字结构即内容，出现了墨象”派“前卫”书法。“有意味的形式”，立刻可以作为现代书法最有力的理论依据。此时,西方抽象派绘画的理论与现代书法的理论融为一体。

瞧人家,已经将后期印象派、抽象派绘画的理论说得一清二楚。书法如果像绘画，真的只剩下视觉的感受，克莱夫·贝尔的理论真的适用于书法,其汉字结构是可以不必要了嘛。古言道:“皮之不存,毛将焉附?”

不觉得吗?问题大了!

何谓绘画?何谓书法?

“墨象派”书法与“抽象派”绘画，区别在何处?是不是仅仅一是用油彩、画布,一是用墨、宣纸?观念上已融为一体，是否在于材料的不同?若在宣纸上喷油彩、在帆布上洒墨汁，孰画孰书?孰是孰非?

看来这一刀是切不下去了。

——（文：孙晓云）

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朱乒乓

朱乒乓，中国书法家协会会员，北京丹青盛世书画院副院长。毕业于中国美术学院书法系，获得美术学硕士学位。中国国家画院贾广健工作室画家。

书法作品在全国、省级各类书画展览中参展获奖情况

2006年全国第四届妇女书法篆刻展览特等奖

2007年入展全国首届行书大展

2007年加入中国书法家协会

2008年首届册页大展

2008年全国千人千作书法大展

2009年浙江书法60周年”精英展”等展览

2009年浙江省首届女篆刻家作品展

2010年当代书坛名家系统工程——五百家书法精品展

2011年纪念中书协成立30周年中国书法家协会会员优秀作品展

2011年万山红遍——浙江书法大展优秀作品奖

2011年邓石如书法大展

2011参加”右军麾下,瓯越书风”温州十六人书法展

2011西冷印社出版《温州书法百家系列——朱乒乓书法作品集》

2012年浙江省书法家协会年度提名奖

2012年获得温州市个人精品文艺奖

2012参加”全国青年书法家作品邀请展”

2013年首届“钟繇奖”全国书法篆刻作品展

2014年度浙江省书法家协会青年人才培养“新峰计划”二十家

2014年第三届财富与艺术全国名家书画展览

2014年“花非花”朱乒乓 石双樑于栋华艺术联展（天津站）

2015 年“墨韵芳菲”全国优秀女书法家作品邀请展

2015年 “灼灼其华”-朱乒乓十年书画精品个展（北京）

2015年 《灼灼其华-朱乒乓十年书画精品集》由华艺出版社出版发行

2015年“花笺声声慢”北京博书屋新书发布会暨作品展览

2015年《花笺声声慢——朱乒乓书李清照诗词》由华艺出版社出版发行

2015年“花笺声声慢”北京博书屋新书发布会暨作品展览

2016年 温州市市委宣传部评为“三八”十路英才百名“最美温州女性”

2016年 北京水墨公益基金会提名“旅京十大青年书法家”

朱乒乓作品

 名 家 品 评 

中国绘画和书法的核心是笔墨，精神是写意。写意就是借物抒情，呈现内在心象，通过对象来表达主观的情与意。写意精神贯穿笔墨和线条，文以载道，书画同源，为天地立言，唱出心灵之歌，所以一个优秀的水墨艺术家总是精通写意的内涵，融通书法和绘画。朱乒乓的小行草取法魏晋书风，点画自如，一气呵成，行云流水。她的小写意花鸟画中的线条得益于她的书法，线条勾勒轻松自如，充盈着率性的性情，一花一木，一石一草用写出了事物内在的气韵。

（中国人民大学教授、博士生导师 陈传席）

朱乒乓作品

可以用“运用之妙，存乎一心”这样一句话来形容朱乒乓同学的书法艺术。她有一种安定和持之以恒的心态，使她能够真正地潜心钻研书法艺术，从而挖掘出她内在的艺术天赋。她的作品具有浓郁的文人气息，能够充分地表现“二王”笔法的细腻特征。

（中国美术学院造型艺术学院党总支副书记、书法系主任沈浩）

朱乒乓的书法作品取法传统，从传统的路子里来，这点是可以肯定的。小楷取法钟 ，写的比较拙，而且取横势，写的比较活泼。行草取法二王，线条质量高，字的造型，用墨浓淡效果处理的不错。

小楷和行草比较符合女性柔美的气息，女性书法不一定要写的比较开张，雄奇，符合个性为好。希望继续把这个路子发展下去，使之熟练，最好能融入篆书和隶书等。艺术最后还是综合的，把各种修养和各种书体综合起来形成一个我，这个我就是自己的艺术语言。

（北京师范大学书法专业教授、博士生导师 倪文东）

朱乒乓作品

朱乒乓的小写意花鸟绘画擅长小尺幅，但是咫尺之间能营造出清新古雅的气息。宗法恽南田，笔法秀逸，设色明静。既工整秀丽刻画，又有写意洒脱用笔，工写兼能。特别是书法题字能与画面巧妙结合，书画合璧，透出一股文人气。

（中国国家画院青年画院副院长、天津画院院长 贾广健）

朱乒乓师承古人，技法娴熟，尤其是个人所需要的性情展现在书法里面，现在已经进入一个自由书写的阶段。花鸟画也是有个人的特点。实际上天津的花鸟画霍春阳以水墨为主，非常静雅，贾广健以非常华美的色彩为主。朱乒乓都能吸收此两人的特点，既用水墨还用色彩，有自己的风格。

（天津画院原书记 陈英杰）

朱乒乓作品

面对几十件朱乒乓的书法小品，从用笔到线条质感、从结字到空间、从取法到取舍、从章法到构图，这些更加专业性的书法因素不由得我们不重视她的创作了。

的确，朱乒乓走的也是从魏晋二王经典一路取法的帖学体系，然而她又旁涉了很少有人涉足尤其是女性很少涉足的赵孟頫、苏东坡、米南宫、董其昌等。尽管，人们习惯性的认为女性取法婉约的二王帖学体系是比较适合性情的书写风格，但我们审视当代女性书法创作的时候，很难找到有哪些人对于这个体系做过认真、系统甚至深入的亲密接触。为什么呢？因为二王这个体系技法太过于发杂、风格太过于内敛而难以把握。有关我的这个看法，或许通过对当代女性书法作品的技术分析会得到验证。

朱乒乓以小行草书作为主打方向，对于经典帖学的线条、线质的把握，这除了大的训练量，还应该是来源于她对古人用笔技术的深刻理解和认识，这一点至关重要！

（中国书法家网站首席执行、中国书法家论坛坛主齐玉新）

墨池学院特邀请当代青年实力女书家【朱乒乓】老师开设《兰亭序》课程，将从《兰亭序》的丰富笔法、独特的字法与章法处理方法等方面细致深入地讲解、示范，为广大学员厘清学习思路、掌握学习方法，通过《兰亭序》体悟王羲之行书的奥秘，从而更好地将临摹与创作相结合。

【 课 程 安 排 】
第一节 丰富笔法
2017年12月14日 19:00
1. 露起露收方法
2. 基本笔画的写法及同类笔画的变化
3. 牵丝映带的处理
4. 用笔变化方法（方圆兼施，中侧互用，轻重、粗细变化，借用楷、草笔法）

第二节 字法处理
2017年12月21日 19:00
1. 基本偏旁的写法
2. 相同偏旁的变化
3. 不同结构的处理方法（平正匀实、欹侧取势、穿插避让、呼应有致）

第三节 章法处理
2017年12月28日 19:00
1. 单行的处理
2. 重心线条的处理
3. 章法中的矛盾关系营造
4. 在创作中的应用

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沈 门 七 子 国 博 展

——  李 明 先 生 作 品 欣 赏

名家介绍

李 明

中国国家画院研究员；

中国书法家协会楷书专业委员会委员；

中国书协培训中心教授、导师工作室导师；

清华大学美术学院特聘教授；

北京林业大学MBA国学艺术中心艺委会副秘书长；

全国第十届文代会代表；

中央数字电视台书画频道《名家临碑帖》节目主讲老师，曾主讲赵孟頫行书《洛神赋》32讲；

2007年结业于中国艺术研究院中国书法院硕士研究生班；

中国国家画院沈鹏书法课题班、精英班成员，国书会副会长，沈门七子之一。

作品四十余次在全国大展中参展获奖，曾获全国第十一届书法篆刻展优秀奖(最高奖),第五届兰亭奖佳作奖二等奖，首届中国书法院奖，全国第二届青年书法篆刻展二等奖，第二届兰亭奖、第九届全国展提名奖，纪念老子诞辰2578周年全国书法展一等奖，全国二届扇面展提名奖等。

由中国国家博物馆、中国国家画院联合主办的“沈门七子书法展”于2017年12月9日15时在中国国家博物馆启幕。

中国文联党组书记、副主席李屹，中国国家博物馆馆长吕章申，原总政治部副主任唐天标，空军原副政委王晓龙，全国政协提案委员会副主任、民政部原常务副部长罗平飞，林业部原副部长赵学敏，原总政宣传部部长、第九届中国文联副主席周涛，空军政治工作部原副主任周卫平，解放军报社原总编辑谭健，中部战区空军副政委衣剑辉，武警陕西省总队原司令员王春新，原第二炮兵装备部政委冯传生,中国国家画院院长杨晓阳，中国书法家协会分党组书记、驻会副主席陈洪武，中国书协顾问张飙、申万胜，中国书协副主席何奇耶徒、刘洪彪、刘金凯，中国国家画院副院长曾来德等以及在京部分理事、全国各地书法爱好者、院校学生1000余人参加了开幕式。

中国国家博物馆馆长吕章申，中国国家画院院长杨晓阳，中国书法家协会分党组书记、驻会副主席陈洪武分别讲话，“沈门七子”代表龙开胜致答谢词。沈鹏先生因身体原因未能参加开幕式，但亲自撰写了贺信，表示对七子展览的祝贺与鼓励!开幕式由著名主持人王志主持。

“沈门七子”展作者分别是：王厚祥、刘京闻、龙开胜、周剑初、李明、张志庆、方建光，他们均为中国国家画院开办的沈鹏课题班的优秀学员，都在全国各类书法大赛中获得过一等奖,都是在全国有着广泛影响的中青年书法家。展览从2011年开始已分别在山东滕州、北京、江苏南京、山东济南、四川成都、甘肃张掖等地成功举办了六届，在全国产生了巨大的影响，今年是第七届。七年来，“沈门七子”在沈鹏先生“弘扬原创、尊重个性、书内书外、艺道并进”这16字方针指引下，在执行导师曾来德先生的精心组织下，严格遵从沈鹏先生的教学理念，深挖传统，植根经典，相互切磋，取长补短，取得了令人瞩目的成绩。他们的共同特色是传统功力深厚，艺术感染力强，既有传统笔墨语言，又有鲜明的现代气息，笔法运用的熟练度，线条墨色的表现力，章法构图的掌控力，具有强烈的画面感和震撼力。他们继承古人，又异于古人，相互间都有各自特色，形成了自己富有特色的面貌和艺术语言：王厚祥的大草纵横驰骋，挥洒自由，线质苍茫，千姿百态，具大唐气象；刘京闻深得二王笔意线质古朴厚重，欹正变化，疏密相间，得晋人意韵；龙开胜五种书体均有很好表现，楷行尤佳，结字凝练平和，不激不励，风规自远，颇得魏晋风度；周剑初五体兼习，大字雄浑苍茫，小字险峻耐品，古拙潇洒；李明大字楷书线质老道，结字开张，小楷沉着痛快，疏密得当，行书得晋人法度，悠然自得；张志庆的大字行草线质苍茫老辣，章法疏密相间，小字行草温文尔雅，颇有宋人尚意之风；方建光深得二王意韵，用笔自然，变化丰富，又参以米意，结字奇崛，耐人寻味。他们通过不断地展览，和各地广大书家形成良好的互动，得到了各地书家同道的关注和赞誉。 

据悉，此次展览将持续至12月20日，展览结束后，七位书家将把这次展出的作品全部捐赠给中国国家博物馆收藏。开幕式上，中国国家博物馆馆长吕章申分别向七位作者颁发了捐赠收藏证书。

作 品 欣 赏：

（请点击图片横向欣赏）

此次，墨池学院特聘导师沈门七子李明老师带领大家通过对《汲黯传》的学习，对钟王小楷多做揣摩。学赵孟頫就要学习晋唐，体会古人的章法布局、节奏韵律、书写技巧等。

 

【 课 程 安 排 】

第一节 用笔特点
2017年12月15日 19:00
《汲黯传》的风格特点分析
用笔的轻重与虚实
书写中的发力方法
小楷书写的节奏
临摹示范

第二节 结字特点
2017年12月22日 19:00
适宜小楷书写的笔、纸、墨
点画和结体的丰富性和随意性
结字特点解析
字态的正斜表现手法

第三节 临摹示范
2017年12月29日 19:00
不同的书写状态带来的虚实对比和动感
适宜小楷内容创作的形式
小楷小品创作示范（扇面、斗方、条幅等）

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16世纪上半叶，吴门画派进入了全盛时期，文徵明是继沈周之后吴门画派的核心人物。

他的绘画和书法艺术传承不绝，直接嗣承他书画风格的亲属就有子文彭、文嘉、侄文伯仁，学生陈淳、陆师道、陆治、钱榖、侯懋功、朱朗、周天球等人，私淑者更是众多，形成了以文徵明为核心的庞大画家队伍，后人称之为“吴派”。

▲文徵明 松石高士图

吴门画派继承了元代文人画“遣兴移情”的创作思想，但随着社会时代环境的变迁，文人画的内涵也相应发生着变化。

元末文人山水画流行隐居乐道、草堂雅集、林泉丘壑等主题，以传导寄情山野的高逸之志和清虚超脱或躁动不安等情绪，境界多为淡逸寥寂。文徵明的绘画主题，除了描绘高士的隐逸生活外，还把视野扩大到文人生活的各个方面，更注意文人生活的现实性和具体性。

同时在意境上，也摆脱了元人一味以淡逸空寂为高的程式，而赋于平和明朗的气氛。在一定程度上是明代中期社会趋于安定繁荣、文人生活宁静安适的社会现实的折射，是当时文人理想精神的物化形态。

▲文徵明 千岩竞秀

文徵明的绘画，擅长山水、人物、花卉、兰竹各科，尤以山水著称。他长期活动在吴中和江浙地区，对自然景物有着深切的感受，他创作了许多实景山水画，更为广泛生动地描绘江南的湖光山色和名胜佳地。如《石湖清胜图卷》（1532年）、《吴中胜概图卷》等作品，都以自然景物为蓝本，注入清雅、温馨的情感，情景交融，引人入胜。

▲文徵明 兰竹图纸本

文徵明山水画以浅绛和细笔水墨山水为主体，被称之为“细文”。这两种画法渊源同一，取赵孟頫之婉约、黄公望之松秀，又从王蒙的细密演变成简约的形式。

其细笔山水，笔法工细松秀而不板滞，色彩明洁而无富艳气，墨气清润而不混浊，具有俊逸秀润的风神，成为“文派山水”的主体风格。

《洛原草堂图卷》（1529年）《寒林晴雪图轴》（1531年）、《句曲山房图卷》（1541年）等，都体现出了他的浅绛和细笔山水的艺术特征。文徵明另有一类粗放简疏风格的作品，被称为“粗文”，则发扬了宋元水墨写意画的长处，融书法笔意于画中，水墨酣畅。代表作品如《双柯竹石图》（1531年）、《虞山七星桧图卷》（1532年）等。

▲文徵明 扇面作品

文徵明的老师沈周在发展水墨山水的同时，于青绿山水倾注了颇多的心力，这一事业由文徵明继续下去，他在更加广博的传统滋养根基上，融入自己的才情和艺术意趣，努力改造传统，拓展技法，建立起新颖的青绿山水画风格范式。

他的青绿山水画宗法元赵孟頫，兼取南宋赵伯驹、赵伯骕技法，综合陶熔，形成笔法工细松秀、设色浏亮明丽的风格。他的青绿山水有小青绿和重青绿两种风貌，小青绿山水以赵孟頫为宗，笔法简略疏放，率意而朴拙，表达出一种清旷高逸的意境，代表作品有《浒溪草堂图卷》（1535年）、《木泾幽居图卷》（1537年）、《赤壁赋图卷》（1558年）等。

另一种重青绿山水画法，具有工整细劲和色彩盈满的特点。主要继承赵伯驹、赵伯骕的造型、笔墨和设色方法。典型之作有《惠山茶会图卷》（1518年）、《花坞春云图卷》（1532年）等。

▲文徵明 惠山茶会图

文徵明偶作人物，主要学习李公麟流畅劲挺的线描技法，又融入元人的简洁洒脱，如他48岁时所画的《湘君湘夫人图轴》，就有高古清逸的气息。到他晚年，如80岁所作的《老子像轴》（1549年），线条趋于细劲简练，造型注重刻划老子静穆沉思的神情。

他的花鸟画多以竹、菊、兰、玉兰为主要题材，很少画禽鸟。这类作品，追求书法的笔墨趣味，写竹如书八分，沉着浑厚，画石多用干笔，时露飞白，如《双柯竹石图轴》、《兰竹图册》等，即充分体现他融入书法性笔意的艺术特征。

▲文徵明 扇面作品

明代中期，吴中书坛有号称“吴中四家”者，即为祝允明、文徵明、王宠、陈淳4人，而影响最深最广的为文徵明。

他的小楷最为人称道，时有“小楷名动海内”之誉。他楷书取习钟繇、智永、虞世南、欧阳询、褚遂良各家，早年体态略扁，起笔尖细，如《小楷铁崖诸公花游唱和诗卷》（1514年）。

明代擅隶书者不多，文徵明是写隶书的高手。他取习魏晋的《受禅表》、《上尊号奏》等碑，字体方正，挑拔平硬，表现一种凝重端庄的美。如书于78岁的《四体千字文卷》（1547年）反映了他在篆隶书方面的深厚功力。

文徵明的行草书，严整、肃然的结体与用笔，与飘逸柔婉的笔法和舒放自然的行气相结合，体现出文人的“士气”，同时又适度增以婉美之意，使文人书法的高雅趣味显得平易近人。

因而，文徵明的行书风格靡行一时，从学者众多，影响波及江、浙、闽一带，成为流播甚广的文派书风。

▲文徵明  山庄客至图

▲文徵明 兰亭修契图

▲文徵明 浒溪草堂

——END——

关仝，长安（今陕西西安）人。五代后梁画家。一作关同、关穜。生卒年不详。画山水早年师法荆浩，刻意学习，几至废寝忘食。他所画山水颇能表现出关陕一带山川的特点和雄伟气势。北宋米芾说他“工关河之势，峰峦少秀气”。关仝在山水画的立意造境上能超出荆浩的格局，而显露出自己独具的风貌，被称之为关家山水。他的画风朴素，形象鲜明突出，简括动人，被誉为“笔愈简而气愈壮，景愈少而意愈长”。

关仝的传世作品有《山溪待渡图》、《关山行旅图》等。取景多是山势雄伟的大山和深山，构图丰富，形象真实。

关山行旅图

秋山晚翠图轴　故宫博物院藏

溪山幽居图轴

分步解析

这幅画的构图为一开一合。下面近景为开，上面远景为合。古人曾把章法总结出几种章式，这幅的章法可称为犄角式，近景占左下角，远景占右上角。

这种构图方式忌对角一样大小。这幅画的左下角坡石向横向发展，树身较高，而右上角的山石向高处发展，树身较矮，这样就避免了构图的平远。

1.勾

用炭条起稿后勾墨线时，近树用最浓的墨，近处坡石用次浓的墨，无处树木房屋用次浓墨，山石用中墨。

注意面面中间的坡石及流水，要用淡的干墨，不宜和前边的树混在一起，一定要做到近实远虚。

2.皴、擦、点

关仝皴法中侧锋并用，人称泥里拔钉皴，笔法严谨。皴后用较淡干墨侧峰按皴笔方向加擦，擦是皴的辅助，不宜过重，否则将皴线掩盖，不见石纹。五代时点苔很少，画面之苔点尖圆并用。水中用立点表示水草，画水草要不齐之齐，既不要整齐一致，也不杂乱无章，应是齐中有变化。

3.染墨

先染淡墨，按轮廓线层层分染，上为受光的部分不染，下边阴暗部，从底线向上染。要求底部稍重，中部轻，上部白。染小范围时先将笔涮净，挤去水分，笔尖蘸淡墨水，由下部开始向上淡化，由于宣纸的渗化作用，就形成自然的深浅变化。至于蘸多少墨，应视被染范围的大小而定。

淡墨染完之后，再逐渐加深，有重点地加。

染远山时，从上向下运笔，用笔要准而快，远山轮廓要反复染，最好一次完成，用羊毫笔，几大笔画成。否则碎笔道多，显得乱。远山应有透明感，才能推得远。

皴擦点染不是一次就能满意的，往往在墨干后和湿时不一致，如果不够，可再加工。要大胆落笔，细心收拾。有时反复几次才能满意。但要注意，收拾并不容易，有时弄不好，反而帮了倒忙。只要认真反复实践，是能解决好的。

4.设色

此图按春景设色：

（1）赭石染树干、房屋木结构部、白衣衣纹及人脸。

（2）桃花用曙红，其他树叶填石绿。

（3）山石凡上部受光部分用淡赭，下部背光部分用墨青（花青和墨），必须注意：赭石和墨青交接处要淡化，不要有明显接痕；设色不同于染墨，要从大处着眼，一组山石当一块山石染。

（4）平地染三绿，极淡。

（5）用墨青或草绿点苔和水草。

（6）用淡花青画远山，勾水纹。天和水无色，全部留白。

北宋山水画的布局代表了社会次序。高山堂堂，主山巍峨，象征着强有力的皇权。但到了南宋，却逐渐向“边角之境”发展，画风变得清淡。

“五代、宋元是中国绘画确立典范风格、达到鼎盛的时期，明清时期的绘画风格基本上源于这个时代。”上海博物馆书画部主任单国霖在接受采访时说。而中国山水画也是在这400多年时间里，渐渐独立为一门画科，进而成为水墨精神的一根主脉。

【山水画科的建立】

在唐代逐步走向衰败、五代长达半个世纪的动荡岁月中，李唐盛世已然逝去，帝国风雨飘摇的背影投射到了艺术领域。外在环境逐渐无法让人满足，那些曾经占据主流的历史叙事画与人物画也便从画者的眼中逐渐退去。如果说还有什么能够让当时文人画师借以安放心绪、彰显画意，那便是自然界的山川秀色、飞鸟走兽。“也正是在五代时期，山水画开始脱离人物画、宗教画中的叙事背景，开始成为一类独立画科。”单国霖告诉记者。

五代仅为半个世纪的岁月加之“纸寿千年”，使得存世五代绘画极罕。展览中，年代最早的作品即为《溪岸图》以及《夏山图》，两幅作品均出自五代画家董源。借此，人们可从1000多年前的人物手笔中探寻中国山水画初创时期的时代气韵。当时书画兴盛之地分布于四川、江南与华北，均是风景良秀、山青水明之处。

不同于北派“荆关山水”的峻伟峭拔，身居南方的董源笔墨秀润、山水舒卷。其早期作品《溪岸图》虽仍带有北方山水的余韵，却体现出江南特有的疏朗与温润。著名美术史家、普林斯顿大学教授方闻评论此作为“十世纪中叶洞悉自然的巅峰之作”。

被视为董源代表作的还有《寒林重汀图》，现藏于日本黑川古文化研究所。单国霖曾经向黑川古文化所提出希望借展上博，可惜未能成行。当时，他在这张画前凝神观看了足足一个小时，“这是董源晚期的一件代表性作品。《寒林重汀图》用了大量披麻皴(一种由董源首创的笔法)来描绘山势，墨染也很多，水波则用软硬穿插的线条来拉。《溪岸图》则连穿带插用很细密的鱼鳞纹来描绘水波”，单国霖对其用笔墨韵如数家珍。

于是，比之《溪岸图》，《寒林重汀图》更凸显了江南山水的空蒙、疏朗之气。在方闻看来，《溪岸图》与《寒林重汀图》是董源树立的两大标杆，前者传达的是一种描述大自然的信息，而后者则达到了一种讲求美学理念的意境。

虽然画法已趋“写意”，但五代的山水画仍保留了“写实”的部分。凑近琢磨《溪岸图》，在不起眼的角落仍可以看到房屋与人物活动，也证明了山水画初创时期对传统的延续。

【走入“边角之境”】

在两宋长达三个世纪的统治下，名家辈出、绘画题材无所不包，加之画院体制的重新建立，南宋皇帝对绘画的钟爱让绘画愈加繁盛。1074年，北宋著名绘画史学家郭若虚在《图画见闻志》中大致勾勒了北宋时期相较于前代的发展特征：“若论佛道人物仕女牛马，则近不及古；若论山水竹石花鸟禽鱼，则古不及近。”背对世事，师法自然，宋代画家似是找到了新的天空。

范宽(传)《雪山楼阁图》，千年光阴已将绢本上的墨迹冲淡，画作呈现出来的雄伟壮阔仍旧可感：迎面而来的主峰直入天空;远山之上曲径交错，山间树林茂密。这件画作描绘的是范宽老家关陕地区山势险峻之特征。另一件北宋名件李成《晴峦萧寺图》主峰迎面兀立，肃然有高山压顶之感。侧边的群山均匀环绕，另有枯木散枝点缀其间。范宽笔下的山水恍如一片井然有序、主次分明的梦幻世界，邀约观赏者进入其中云游一番。

比起前朝，宋代的山水画多了一些“政治气象”。“郭熙在《林泉高致》中提到，北宋山水画的布局代表了社会次序。高山堂堂，主山巍峨，象征着强有力的皇权。侧峰代表群臣，而周围的荆棘乱草则代表一些小人。”单国霖对记者介绍，《林泉高致》是当时一篇占有主导地位的画论。如果说五代画作表现一种面向自然界中的心态，带有一种隐居的思想，那么北宋山水则带有一种回归社会次序的意味。

北宋主要特征是大山堂堂，构图饱满而充盈。但到了南宋，却逐渐向“边角之境”发展，画风变得清淡，主题也不再寄情庙堂，构图于视角的变化大概与偏安的心态有关。不过，上博另一位专家告诉记者：“从全景绘画到边角之境的转换并不能完全归于政局变幻，而应该看到艺术本身发展规律。当一个题材被充分挖掘之后，画家转向了另一片土壤。”

【抒发内心的文人画】

政治气候对于艺术风格的影响，从南宋延续到元代。蒙古族统治者在立国之初并不重用汉族知识分子，一向以文章致仕的文人备受冷落。于是，文人开始作画寄情。元代初年的山水画呈现出一种对于个人困境的内心写照，避世隐居成为元代山水的常见意象。在单国霖看来，元代时期的文人画兴盛缘于两点：其一，元代不设宫廷画院，绘画风格更为自由；其二，蒙古族统治者在文化管制上比较松弛，即便知识分子写诗攻击当政者，也不会遭到厄运。“而绘画依旧是朝廷官员往来酬和的重要方式，会画画也更容易升迁。”单国霖补充道。

从元初大文人赵孟頫到后期“元四家”，士大夫画家对笔墨的强调，对诗、书、画融合的注重为元代山水平添更多写意色彩，成为文人抒发内心的媒介。“文人山水的兴起”，呈现元代文人画样貌，其中包括元四家中的三家之作：吴镇的《老松图轴》、倪瓒的《江渚枫林图轴》和《筠石桥柯图轴》以及王蒙的《丹山瀛海图卷》。

以元人赵孟頫为例，他是宋代皇族却又进入元朝为官，随后“荣际五朝，名满四海”，一度为南宋遗民所诟病。人们不难想象，这位大艺术家在家荣国恨间的心情，内心苦楚自是不言而喻。他的画作便表现出对退隐山林的向往，以及笔墨之间对古拙画风的追寻。

赵孟頫花鸟画《竹石幽兰图卷》则笔触潇洒，气韵秀逸，可以觅得其对“书画同源”理念的贯彻。“赵孟頫在山水画上回归了唐代和北宋的画风。他要远离的是南宋风格。”在单国霖看来，对南宋工巧画风的背离是此一时期文人的群体性特点。这种回避则来源于他们对前朝灭亡的反思：南宋重视文治，不重武功。画风精致柔美，洋溢着一股升平气象。不讲求实学的状态导致了政权的衰弱。

“赵孟頫的作品总显露一种贵族之气，而后来元四家的作品中，在野文人清雅散淡的意味则更为明显。”单国霖说。文人画发端于苏轼等宋代士大夫，经元代开拓，沿历史一路向下直到明清。华东师范大学历史系教授陈江在接受本报采访中说：“从整个绘画史脉络来看，文人画风的典范风格的确立是在元代，却一直为涓涓细流，一直到明朝，有了董其昌、文徵明和沈周才将文人画推进为绘画主脉。”

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宋朝有个叫张商英的人，做过宰相，写字非常潦草，人们都讥笑他为“草圣”，可他自己却毫不在意。有一天，他诗兴大发，龙飞凤舞，挥笔写就。他洋洋得意地将诗稿交给侄子去誉写。他侄子誉写时，因为字迹太草，很多字无法辨认，左猜右猜怎么也猜不出来，只好拿着诗稿去请教张商英。张商英接过诗稿，横过来竖过去端详了好久，可还是认不出来。就瞪起眼睛，气呼呼地责骂侄子：“笨蛋！你为什么不早点来问我，现在连我也认不出来了！”

　我们不妨对照一下，自己有没有写字潦草的现象？有没有不但别人看不清楚就是自己过后也认不出来的时候？我们一定不要像张商英那样写字。

　　也许有人会说，毛泽东同志写字不是也很草吗？诚然，毛泽东同志的诗词、文稿很多是用草书写成的。毛泽东同志的草书潇洒、苍劲，是不可多得的书法艺术，一般的书写潦草是不能与之同日而语的。

去韶山参观过韶山纪念馆的人都会看到，展出的毛泽东幼年读书时写的毛笔小楷，字体是那样工整，笔画是那样娟秀。正因为毛泽东同志有深厚的楷书功底，才会在草书书法上取得卓越的成就。

　　楷书是汉字的标准字体。楷，楷模的意思。书籍杂志上的字都是楷书。此外，还有行书和草书。草书笔画简单，写起来灵活流畅，速度快，缺点是难以辨认。行书是介乎楷书和草书之间的一种字体，比楷书容易写，比草书容易认。行书和草书也各有书写规范，不是随便乱写一气。要在练好楷书的基础上练习行书、草书。没有学会行书、草书的人，不要乱用行、草。

　　我们写字，在多数情况下，是给别人看的。为他人着想，应当写规范字，字形要写端正，笔画写清楚，不要潦草。

　　萧红在《回忆鲁迅先生》一文中记述了鲁迅先生一段话：“字不一定要写得好，但必须得使人一看就认识，青年人现在都太忙了……他自己赶快胡乱写完了事，别人看了三遍五遍看不明白，这费了多少工夫，他不管。反正这费的工夫不是他的。这存心是不大好的。”我们都应该记取鲁迅先生的话，不做“存心是不大好的”人！ 

文章转自网络 作者观点仅供参考

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邓石如（1743—1805）清代篆刻家、书法家，邓派创始人，安徽怀宁人。初名琰，字石如，避嘉庆帝讳，遂以字行，后更字顽伯，因居皖公山下，又号完白山人、笈游道人、凤水渔长、龙山樵长，少好篆刻，客居金陵梅镠家八年，尽摹所藏秦汉以来金石善本。遂工四体书，尤长于篆书，以秦李斯、唐李阳冰为宗，稍参隶意，称为神品。性廉介，遍游名山水，以书刻自给,有《完白山人篆刻偶存》。

这件书法册页是邓石如于乾隆五十七年（1792年）冬至抄录给同僚孙香泉的，当时邓石如50岁，也是其诗歌创作的旺盛期。欣赏研究这件书法作品，我们可以看到邓石如的行书本源还是“二王”，尤具颜真卿《祭侄文稿》的味道。自书诗稿，更加轻松自然，运笔流畅，生动活泼。也让我们领略到了邓石如诗作的风韵。诗中丰富的意象、恰当的用典、开阔的胸襟和真挚情意更是令人感叹。对于研习邓氏书法大有裨益，意义非凡。

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