作者：逸庐书院

 

书法落款，不单是尾部，是包含了作者在书法作品中除正文内容以外的所有书写内容。落款包括：正文内容的出处、赠送对象、创作缘由、创作时间、作者姓名、字号等。

落款的字体，一般是隶不用篆，楷不用隶，行草不用楷书。落款。一般是”文古款今””文正款活”。正文是甲骨文、金文、大小篆，落款就用篆书、章草、楷、行书；正文若是隶书、楷书、魏碑，落款可用楷书或行书；在实际运用最多的落款字体还是行书，既易识别，又显活泼。

很多人不懂书法落款，让原本满意的正文内容竟然被落款毁了。下面，我们来看看都有什么问题：

1、落款的字不应该大于正文主题的字。应比正文的字小且协调。

2、题款不能题在整个正文的上面，国展上也有出现很多此类情况，是非常不适合的。

3、印章绝对不能比落款的字大。大幅大印章，小幅小印章。

4、如果正文的最后一行只有2-3个字，落款直接在下面写，请不要转行另起一行写，不要画蛇添足。

5、盖印不要贪多，合适最好，古人作品的印章大多不是自己盖的，是流传导致。盖章数量一定要慎重，不要盖得又多又杂，喧宾夺主。

6、接正文落款的两排小字左边不要超过正文的宽度。

7、落款中的年、月，公历农历不能混写。题款时如落书写地点，用雅称而不用俗称。农历天干不写“年”。

8、横幅或斗方正文在上的，其下面的落款宽度不要超过上面正文的宽度。

9、已经落款盖印，款后不可再署上款赠人，再署就失敬。

10、上款有人名的，上款上端不可盖闲章，压在人名头上。一来失礼，二来破坏画面。

11、如果书写对联，须将上款写在上联，下款落在下联；如果是龙门对，上款在右边，下款在左边。书法四联首幅，右上可盖小印章。其余不可盖，如统统盖上，行气就破坏了。

12、对于横幅作品，一般只落下款而不落上款。

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临帖是在临什么

临帖是每一个学书法者不可缺的功课，首先要弄明白临帖是在临什么。他说，我们入门学古人的时候，就是把古人的规矩摆在了桌面上，临帖就是学规矩，而不是别的。在临帖中你要弄点轻重、虚实、浓淡、正欹出来，这些都是微观变化，是情绪化的东西，而宏观的东西不能没有，这是关键，否则就没有从理上去处理它，让人一看就不合规矩。因此外形的东西从理，也就是说，字的外形、结构、笔画的位置等从理，从字理，即中国汉字的字理，反映的是规则和法度；而笔则从书，反映的是趣和味。这是两个原则。外部形态的东西是一目了然的，合不合规矩一看便知；用笔则是书法本体的东西，粗细，放收，快慢，墨的浓淡，都是书法本身要求，决定字的味道，用笔不同决定趣味不同，而字形结构是理性要求，是中国汉字的形体美要求，必须严谨，无论行书还是隶书，这是书法的基础，这是两个不同的原则，临帖就是在学习这种理法和原则。

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目前的训练你要干什么

知道临帖要临什么后，接下来就是如何去临。训练就是解决如何临的问题，因各人喜好不同，对所临帖子选择不同，但是，无论哪种帖子，拿来后你不管如何取舍，训练时要针对你所取的东西，形成一种科学的训练模式，要有目的性，用研究分析的方法，去反复实验、继承与巩固。在讲评学员的隶书时说，笔画不能单一化，简单化，不能单薄干枯，要立体圆润生动，这就要求你找出同一笔画无数种不同写法，加以对比模仿融合提炼，在对比中找出共性与个性，找出同笔画的不同形态与表现手法。创作时把碑上的字形拿过来，用不同的手法去表现，也就是用古人的字形，但不一定用他的手法，创作中手法决定风格，手法变了风格也就变了，而手法是非常多的，我们现在示范的只是一般的，不同的碑其手法不一样，张迁、鲜于潢相类是一种，礼器是一种，而曹全又是一种，你如果能把这些碑的手法都掌握，创作时把它们用于同一张作品中，那你就是大腕。也就是在用脑子写字而不是用手。

另一方面，我们还要分析自己的症结所在，头痛治头，但如果是由脚气引起的头痛，就应先把脚气治好，对症下药，比如说你们学草书的，应该先学行书，通过行书练技法，使转、提按、收放、笔画之间呼应、上下字的连带关系等等，练好之后，草书就只是草法问题了。

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要过单字关，不能只抄帖

行书的技法是上一笔管着下一笔，下一笔接着上一笔，你的写法是这个不管那个，那个不管这个。行书的上一笔是下一笔的起笔，下一笔是上一笔的收笔，行书在笔画上已经把楷书一笔一画的概念破坏了，可能是三个或五个笔画变成了一个笔画，每一个笔画之间都有内在的联系，相互管着，因此，写字不在于多而在于对，不在于法而在于理，你写得行书理不对，法上才出了问题。

还有一个现象，临帖者往往追求数量，对了一个帖，不停的重复临摹，而不去动脑筋想，形成抄帖，这样很难进步。每一个字要熟练，先向象里写，再往熟练写，再背临，要学会过单字关，不能只抄帖。你现在要换一种方式，一个字写五、六遍即可，照写两遍，一定要往像里写，然后找感觉，比如背着写，看能否记住，再进行用笔的动作训练，从速度、虚实、比例等方面提炼着去写，有针对性、有目的的去训练，把每一个字都写透它，也就是从生到熟到背到各种转换，不断提炼，最后放开去怎么写都高级。

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核心的东西是永远不变的

核心的东西是永远不变的，字再怎么写，关键的部位要控制住，关键部位之外的夸张你不用管他，要靠中间部分来决定中国方块字，任何一个都是这样。凡是夸张的笔画都不是受控制的，不规矩的和不受限制的，古人字形的变化是哪儿来的，实际上是允许夸张的笔画夸张程度的不同引领了风格的不同，同样是在方块中，不同的碑、不同的帖都有一个共同的规律，就是形式美感，其共性部分基本的结构是死的，而只有细微地方的变化，这是一个原则，方块内的不动，而决定字风格的就是那些可以细微变化的地方夸张的不同，这是一个基本规律。有的字为什么老写不好，就是内在的笔画没有写好，内在的部位可以粗细不一样，大小不一样，但都必须摆匀它，你可以夸大或缩小比例，但必须写匀，要求趣味和变化，必须先有这个理，掌握了这个理再去变化，比如这个“张”字，我们画一个方块，方块内的部位是核心部分，是不变的，把“弓”和“长”的某些笔画在方块内部变一下，增加些趣味，不就变成张迁或是鲜于潢了吗，如果把‘“弓”的第二笔横画和第三笔的弯钩向左夸张一些，再把“长”的横画和捺向右夸张舒展一些，这不就成了礼器或者是曹全了吗，以此类推，其它字也是这个道理。因此，临帖方法要变，观察的方法要变，思路要变，训练的模式也要变。

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活学活用，意临不可或缺

在点评一个学生的对联时，刘文华师说，写对联字写得这么大，笔画要加粗，原帖上的笔画粗细是如此，但你把字夸大了五倍、十倍，而只把笔画夸大了两倍甚至不变，这不行，搞创作要活学活用，创作时要有一些调整，比如这个“畫”字，上边轻，中间加粗，然后下边要突出礼器碑的风格，这样才行。你的临帖中缺少一个意临的过程，照着写要往像里写，背着写要往熟里写，然后再照着写时往不像里写，虽然不像但怎么看还都像，然后再怎么看还都不像，在似与不似之间。因此，一定要弄懂原理，直接照搬古人没用，照搬古人是没脑子，你只是古人的手不行，你得是古人的脑子才行。现在讲科学发展观，发展是必须的，能不能发展要看你能不能科学，科学才能发展，不科学还发展什么，事就是这么个理。要站在古人的基础上去把古人的原则借鉴过来，原则、方法、标准、规律、基本技法等借鉴来以后，你自己要做一个加工厂，要思索、研究、试验，而科学的试验、合理的试验，才能是有效的试验，这样用在创作上才行。

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切莫模式化，注意字的自然状态

古人写字不是在搞创作，他要是搞创作求趣味，东歪西斜，恐怕脑袋就没了，官刻，给孔老夫子刻、给皇上刻，你刻得歪七斜八，脑袋不是没了吗。什么叫封建，它是贵族的一种统治，传统文化是按儒家学说走的，儒家推崇礼，说话办事要有分寸，走路要有姿势，干什么都要行个礼、讲个法，那叫一种制约，封建统治就是由统治者确定的那种制约太多，而且中国书法的发展从来就没离开过统治者的意识，所以南北朝统治者多，魏碑就五花八门，皇帝推崇王羲之，1700多年来人们都知道王羲之的字好，这都是以统治者的意识为转移的，那么，它追求的美是什么美呢，不是追求怪异的美，而是端庄的、和谐的美，端庄的美就是站有站像，坐有坐像，庄严、肃穆，和谐的美就是虚实轻重等书法的所有变化都在阴阳的学说当中，和谐来自阴阳的协调。所以，阴阳的协调是书法的味道，而端庄、严谨是正大气象，是书法核心的东西。为什么很多人搞书法不能成家，就是他们认为搞书法是自己的事，“我就这么写，只要我觉得好愿意咋写就咋写”。

另外，隶书本来修饰美感就强，没有必要再去增强这种形式美感，不然就会把字工艺化、模式化。隶书的高级程度应是把形式美感弱化，而不是强化这种形式美感，要完全变成一种自然的书写状态，增加用笔在纸上的平缓，在平缓的同时增加弹性。

在谈到清人的隶书时，刘文华老师又讲到，清人最大的贡献就是把的刻字变成了墨迹，把刻出来的字变成写出来的字了，书写性本身就是一种还原途径，这是清人唯一的东西，再一个，像郑谷口的机灵劲、陈洪授的放浪劲、邓石如的平和劲，赵之谦的结实劲，俞曲园的温润劲等趣味性的东西都可学，但真正的法则还要学汉，字法还是得从汉碑中来，也就是最终的原则把握还是要学古。

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碑阴与碑阳——趣味与法度的互补

汉碑分碑阳和碑阴，其背景知识对我们读帖和临帖有很大帮助，刘文华老师在讲评中谈到，帖上的东西你要会看，碑阳是正文，是给别人看的，碑阴则是说明，古代人刻碑永远都是正面规范、严谨，而背面随意、没那么多限制，对外的碑阳是规矩的，到阴面时就不讲究。碑阳的正文讲究，刻工刻得也讲究，到了碑阴，写得不讲究，他刻得也不讲究，写得随意刻得也随意，这种讲究与随意也反映的是一种刀。因此，要把碑阳的东西方当成规范、法度，把碑阴的奇趣当成变化的手法，研究学习碑阳时是为了取法学成规矩，其笔法的严谨、讲究、细腻，起笔、行笔、收笔等规范度都是碑的极致，而学趣味一般学碑阴。前边法度严、趣味差，死板，后边法度差、趣味妙，两者正好互补。碑阳的规则法度虽然死板，但他也告诉你一种变化意识，这种意识虽然不如碑阴显得活泼、轻灵，却可用碑阴的起收笔的状态去改变碑阳里的那种状态，用后面意的东西去化前面法的死板，这不就行了吗。而一味的夸张，一味的加粗，其实不是变化，只是让人看到我们思路上的一种混乱和模糊。当你理解了这些，就会在临帖时学到碑阳的严谨法度，规范技法，又会学到碑阴的率性个性，艺术趣味，两者结合使作品庄重而不呆板，轻灵而不轻浮。

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临帖上不能出问题

临帖就是在继承你如果能消化的去临，有目的、有思想的去临，临完了那就是古人的第二次创作。你中国历史上的艺术家，先不说艺术大师，只要是在历史上能留下的艺术家，必须具备三个条件：一是从出道开始一直到死在创作上永远都是一种向上的状态；二是他所有的创作，包括个性的张扬和他自己面貌的形成都是建立在传统基础上的一种升华，而不是破坏了传统的模式；三是所有的艺术家都是有思想的，不是玩字体的，而是玩思想玩理念的。如果要成为大师，那还是要有见地的，有身份的，在书法界、艺术界始终都是最活跃的，而且是对全国乃至全世界的艺术发展有重大影响的人物，那就是准大师，而且从一出道开始一直到老始终处在艺术发展的风头浪尖上，他是风云人物，引领着创作一辈子，再加上社会地位，独到的理论，而且他的思想、理念永远在别人前头，像张大千齐白石、李可染、陆严少、黄宾虹，哪个大师不是这样。

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通过学习从而获得一种原则

要把字写活，写出一种生命状态，是一种活的东西，喘气的东西。如是，只要把这种笔势写出来了，怎么写都是米芾，为什么，就是它用笔和习惯、用笔的手法、曲直的控制、还有这种笔势，整个和米是一致的。

我们在学习真正关注的不是技法，而是关注它的理念、理法和原则，我们临帖不是拿起笔就抄，甚至于还哼着小曲，这样你能写好吗？我们所有人写字上的差距是怎么产生的，那就是写得特别好的人他绝对是研究它的专家，不断的进行研究、分析、试验、归纳，再试验、再总结，是在通过字形结构，包括笔势、字势等的研究去获得一个原则，这才是真正意义上的临帖，而不像些人所谓的临帖只是抄了一遍内容，其它的要素与帖一点关系也没有。所以，你们现在临帖的点不对，有时候学员感觉写得像的时候老师不一定说好，写得不像的时候老师不一定说不好，这是为什么，就是因为好坏关键不在于像与不橡，而在于合不合理。

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由动态的势去把握字的生命状态

临帖不是要你临的多像，而是取其外在的态势与内在的品格，技法告诉你的不仅是运动状态，而且是一种生命状态。对于书法，明眼人特别注重势，也就是运动状态的把握，民间写字，一般都是看字形、结构，而从专业上讲，则不是关注其字形结构而主要是关注字势和笔势。势，主要是说一种劲或架势，一定是一种运动状态，人有某种劲或架势，它反映了人的某种心态，字有某种劲或架势则反映了这个字的神采，表象反映出一种运动状态，却告诉你一个内心的东西，同时也就给某一笔画或某一个字赋予了一种品格。米芾就是善于营造种险势，每一个笔画都动起来，还较着劲，特别有味道。因此要通过这种字势和笔势的关注，去把握字的运动状态和生命状态，表现出特有的神采。

 

真正意义上的行书创作，是综合运用作者已经掌握的技法、技能、学养和见识进行独立的、富有个性的运思和笔墨表现的艺术劳动，它不同于集字式的创作，因为，集字创作毕竟有法帖的依傍，作者进行的是加工、整理工作，所完成的作品，在面貌上以酷似所集字帖的风格为最高准则、而行书创作强调独立性、个性化，提倡直抒胸臆，并以完成具有自家风貌的作品为鹄的，下面列举名家行创作的例子，希望对大家有所启发。

黄庭坚

在历史上，有父子齐名的书法家，也有师生齐名的书法家。前者如王羲之、王献之，欧阳询、欧阳通，米芾、米友仁；后者如张旭、颜真卿，苏东坡、黄庭坚，这齐名的理由并非书风相似，亦步亦趋，恰恰相反，而是子(生)承父(师)艺，独辟蹊径。黄庭坚便是这样一位杰出的书法家，他师从苏东坡，学习的不是苏东坡书法的形，而是苏东坡的书法精神和书法观念。他极力赞同苏东坡的“尚意”主张，提倡创新，努力“变法”，他钻研《瘗鹤铭》，大胆地把《瘗鹤铭》中”放射”的结构特征加以吸纳，形成了中官收敛，四周极度开张的造型特色，与苏东坡结字形状偏扁的风格拉开了距离。

王铎

王铎学古但不泥古，他“一日临书，一日应请索”，把临摹和创作有机地结合在一起，为后人创造了学习书法的新模式。在书法学习中，有这样一种情况的确存在，就是临摹归临摹，创作归创作，临摹和创作是两张难以黏合在一起的“”皮。我们以为，临摹着力培养书家高度的控笔能力和造型能力，创作借书法这个载体来抒发作者的情感，在临摹和创作交叉进行的过程中，通过临摹，不断地体会古典的情调和精神，使自己逐步地悟到书法的妙理。通过创作，可以尽情地表达书家的不同想法，包括对所学字帖的取舍、生活的感受、人生的体验和对于灵感的捕捉。临摹的目的是创作，创作的前提是临摹。王铎把临摹和创作结合起来，交叉进行的方法，无疑值得我们效仿。

何绍基

何绍基在行书艺术上的成功主要基三个方面的因素：第一个因素是他对已临摹过的字帖进行了合理的取舍和糅合。他曾在颜真卿的《争坐位帖》上下过很深的功夫，然后又悉心学习篆隶，化解篆隶。他取颜书的宽博、内紧外松和正面示人，取篆书的生拙、圆劲，隶书的压低重心、舒展撇捺，从而将篆隶与颜体行书进行有机的嫁接，成就了让人一看便可辨别的“何体”。第二个因素是，他精研历代执笔方法，在“拨镫法”的基础上，创造了“回腕法”。“回腕法”原本有违于人手的生理构造，每次书写都会大汗淋漓。但何绍基却表现出异常的坚定，持之以恒，锲而不舍。他的别具风格的书风的形成，不能不说和他特有的执笔法分不开。第三个因素是，他选用长锋羊毫。长锋羊毫吸墨多，一笔下去能书写多字。所以，饱蘸浓墨的首字必定是涨墨，而在笔干墨尽时的书写效果又是枯笔连连，飞白不断。样，通篇在墨色上就形成了强烈的反差。书法的发展和演变，器具的作用不可低估。

康有为

作为政治家，康有为力主改革。因而，他的政治主张和想法或多或少地影响到他的书法观和书法创作实。他身处清末，那时，馆阁体书法盛行，书坛靡弱，帖学一系被异化到令人担忧的地步。此时，也正是大量的文物古迹被发掘的时期。如何重视古代非帖学系统的遗产，以碑的粗犷、雄强、气势来拯救书坛的一蹶不振就成为有远见书法家的明智选择。康有为自然成为书法家队伍中的佼佼者，他尊碑贬帖，极力鼓吹碑的高明、碑的艺术价值，并以《广艺舟双楫》的理论著述在书坛引起轰动。不仅如此，他以自己成系统的理论主张指导自己的书法实践，卓然成一家体系，开创出碑体行书的新境地。书法家的成就最终是以作品来说服人的，但潜藏在书法作品背后的却是书法家的思想和观念。在中国书法史上，书法理论往往表现为创作随笔，虽三言两语，却切中要旨。像康有为这样，书法理论有一定的规模和系统，书法实践与书法理论又紧密呼应，形成互动的书法家，在法史上不是太多。康有为先生的例子告诉我们，书法创作需要学问，需要思考力的支撑。

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张羽翔，中央美术学院书法博士、中国艺术研究院中国书法院研究员、中国书法家协会楷书委员会员、北京大学名家工作室导师、清华美院张羽翔书法工作室导师、全国第十届书法篆刻展评委。长期致力于书法教学，其独特的训练方法和神秘的“形式教学法”引起了各界的高度关注，形成轰动书坛的“广西现象”。

书法只有写得“过”，才能掌握出入的尺度

张羽翔

书法就是汉字的书写与表现，篆隶草楷行五种字体即是汉字发展过程中演变与衍生出来的。因此，书法基础的学习首先是对汉字造型基础与造型规律的学习。书法的基础学习无非就是临摹与创作两大部分，临摹就是常规说的入帖，创作就是出帖。

入帖是对原对象的还原，出帖是对原对象的演绎。书法创作就是对对象的还原给出量化的标准，并依据这个标准来提高准确的还原能力。然后在此基础上去认识、分析、推衍原型与艺术表现性的相关规律。具体可参考我部分观念：

形式构成练习要敢于做，学习的时候要大胆尝试。举例子说，学帖要雅，就要让它雅到家。艺术学习，就是要向两极发展，就是要“过”，走到极端。只有知道“过”，才知道退回来的尺度。

张羽翔临王羲之《初月帖》

不向两极发展，就不知道真正的中庸（敢放才能收）。中庸，不是中间的那个点，不是不偏不倚，而是两极发展的宽度。两个方向都经过了，才能找到自己的中心点。艺术家的素质中，胆量也很重要。

书法家、哲学家和艺术家有一点相似之处，那就是都有点像疯子，哲学家就是要动摇已经存在的哲学，总是觉得“世界不是这个样子的”，才能有更新的思想。历史上很多艺术家，往往都是对当时的审美有突破性的发展，有的甚至不被当世所认可接受。

张羽翔 临王羲之《姨母帖》

变形，就是要变，而且要找到自己区别于别人的度，而不仅仅是“像”。变形是为自己的个性选择做铺垫的，是寻找新的发挥空间。按照这秩序、原理，去寻找到一种适合的、距离字帖远近最好的方法去处理，那么自己的个性，即“产品独创性”就出来了。

练习，就是要造作，按套路出招，可能刚开始比较机械，但慢慢的就流畅了。流畅只是时间问题。时间的问题比较容易解决，勤奋就可以了。初级变形，则强度要够，这样才看得清楚，之后再去排序，做自然。我们现在学书法，有的一开始就强调书写性，这往往和技术学习背道而驰。书写性容易形成习惯，很难改。

 张羽翔书法作品

墨色变化一般都是渐变，而不是突兀。如果每个字都变，那就“花”了。自己得做到心里有数才行。就我个人来讲，我偏重于用黑一点的墨。书法家雅淡，是淡，不是灰。雅淡的方式也不一定就是淡墨。

 张羽翔书法作品

字距拉开，制造一些空灵，也是一种雅淡。开始学习的时候，淡墨和枯笔尽量先不要多用，枯笔的难度还是很高的。要慎用淡墨，慎用虚笔、枯笔。

线条质感是应该放在最后一个阶段的，开始学习的时候，还是要把线性做好，把笔势等做好。

 张羽翔书法作品

内齐和外齐比较适合于写大篆。写民间的东西，好处在于目前还没有一个相对完美的标准，也没有形成一个完备的标准，则自由度比较大。即使写得不像，也不容易让人觉得不合适。如果写王羲之，稍微有一点不像，就被人家看出来了。因为对二王的审美标准已经形成了，稍有差池，就显得不完美了。

 张羽翔书法作品

对联的落款不要太常规，对联的配款很重要。正文是一种书体，落款又是一种书体，会让人感觉有两套功夫。所以，要学会锻炼落长款。在落款的可读性上做文章（多发挥自己抒情的优势），要尝试走别人不走的路（不走寻常路）。正文静的，落款就要活泼一点为好。

张羽翔 书辛弃疾《青玉案》

要增强“造形”能力，这和临帖能力是两个概念。比如说我们下去体验生活，也是提炼出来源于生活却高于生活的部分。临摹就是写生。美术方面、文学方面有多少种“写生”的方式，我们就有多少种临摹的方法，临摹的目的就是唤起某一种感觉，最重要的能力就是“取舍”。忠实的临摹比较适合初级的过程，我们要的是怎么处理得好，怎么获得个性的过程。

 张羽翔书法作品

钟繇的小楷，平仰覆、字势、宽、窄、扁，内齐等，这些都做得非常好，属舒朗一路，断点也很多，要仔细研究。

“法度严谨”的书法，其实里面都很凶险。“能杀人的都是内功”，要写出变化，不能“平和”。

 张羽翔书法作品

写米芾，尽量不要写《蜀素帖》或者《苕溪诗卷》，多写点手札好一些。在宋四家里，米芾对晋唐的势，强化的最厉害，技法比较全面。写米芾特别要注意写出八面出锋的感觉。

临二王，不一定要整篇的写，可以随便找一页，反反复覆地琢磨，对于细节的一招一式，都研究到位。举个例子说，比如兰亭序就是武术里最高的一本拳谱，整个套路都会打了，也不一定是高手。一旦具备了“熟”和“顺”的能力，就应该早一点回归到“蹲桩”，扎扎实实地学好几招。摹书不要图摹多，弄好一行字，研究透了，明白了，规律都把握住了总体就上来了。这时，你会发现，原来凭想象的都很粗糙。首先要学会看帖，读“招式”——丰富的内涵创作，要求自然流畅，是短期行为。

我主张，帖学要深入，还是可以尝试“双勾”，然后一笔填满它，就是正确的笔法，也是可以乱真的笔法。没有一定之规，因为和工具材料有关。

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2018年5月7日—11日，历时5天的全国第二届大字书法艺术展评审工作在江苏省镇江市圆满结束。在来自全国各地的22074件投稿作品中，仅有266位作者入展，入展几率仅1.2%。本次展览仅有16位评委，评审过程仅5天，据相关媒体估算，一件作品的评审时间约在10秒左右，如此短暂的时间内决定一件作品的生死，相信入展已成为一种概率事件。

大字展评选现场

随着展览结果的公布，书法圈内投稿人士相告。但是随着第二届大字展获奖入展作品部分照片逐步通过一些微信平台公布出来，入展获奖作品掀起的关于评选水准的讨论丝毫不亚于入展获奖名单公布的热度。

“我们整体运气不好”、“我的学生跟我没学几个月，结果学生入展，老师落选”、“我的书写水准已经跟不上评委的审美眼光了”、“展老手落选多，名不见经传的新手新人入展的不少”等等言论不绝于耳，更有甚者爆出第二届大字展的部分感情名单的检举信。有感于部分平台线上公布入展获奖作品，小编特将部分落选作品整理，与书友们分享，相信自有公论。

二届大字展落选作品欣赏

 

 

东晋穆帝永和九年(353年)三月初三，王羲之与谢安、孙绰等41人，宴聚于绍兴市郊会稽山阴的兰亭溪畔，26人赋诗41首，并聚诗成集，为《兰亭集》，王羲之为之书写序文手稿，曰《兰亭集序》。序中记叙兰亭周围山水之美和聚会的欢乐之情，抒发作者对人之生死、修短随化的感叹。

王羲之《兰亭序》

《兰亭集序》全文28行、324字，通篇遒媚飘逸，字字精妙，有如神助。如其中的20个“之”字，竟无一雷同，成为书法史上的一绝。以后他多次重写，皆不如此次酒酣之作，被历代书界奉为极品。宋代书法大家米芾称其为“中国行书第一帖”，但是，就是这件“贵越群品，古今莫二”的书法极品，直到如今，其下落仍然扑朔迷离，令人无法不惋惜。

《兰亭序》中的“之”字

何延之的《兰亭记》中曾说过，文韬武略的李世民对书法情有独钟，尤其喜爱“书圣”王羲之的墨宝，他利用帝王之便，在天下广为搜寻王羲之的书法作品。

虽然收藏王羲之墨迹不少，其中也有《兰亭集序》，但始终没有找到王羲之的《兰亭集序》的真本。作为一国君主，不能得到前朝的稀世之珍品，太宗每想到此，便显得闷闷不乐。

李世民《温泉铭》

原来，王羲之自己也十分珍惜“神助”之作《兰亭集序》，小心翼翼地保管它，把它作为传家之宝，一直传到他的第七代孙智永。

智永《真草千字文》

智永年百岁乃终，死前他将《兰亭集序》传给弟子辨才和尚。辨才和尚对书法也很有研究，他知道《兰亭集序》的价值，将它珍藏在卧室梁上特意凿好的一个洞内。

当李世民获知《兰亭集序》在辨才和尚那里后，兴奋不已，多次派人去索取，可辨才和尚始终推说不知真迹下落。李世民看硬要不成，便改为智取，他派监察御史萧翼装扮成书生模样，去与辨才接近，寻机取得《兰亭集序》。萧翼对书法也很有研究，和辨才和尚谈得很投机。待两人关系密切之后，萧翼故意拿出几件王羲之的书法作品给辨才和尚欣赏。辨才看后，不以为然地说：“真倒是真的，但不是好的，我有一本真迹，那才是王羲之真正的传世之宝。”

阎立本《萧翼赚兰亭图》南宋摹本

萧翼揣着明白装糊涂，不动声色地问是什么帖子，辨才犹豫再三，才神秘地告诉是《兰亭集序》真迹。辨才见萧翼不信，就决定让他开开眼，从屋梁上的洞内取下《兰亭集序》真迹给萧翼观看。

萧翼仔细察看了一番，果真是《兰亭集序》真迹。只见他脸色一变，迅即将其纳入袖中，同时向辨才出示了唐太宗的有关“诏书”。辨才此时方知上当，但悔之已迟。

张大千《萧翼赚兰亭图》

梦寐以求的东西终于到手了，李世民高兴得不得了。李世民对王羲之书法推崇备至，敕令侍奉在宫内的拓书人赵模、韩道政、冯承素、诸葛真等四人，各拓数本，赏赐给皇太子及诸位王子和近臣，当时这种“下真迹一等”的摹本亦“洛阳纸贵”。此外，还有欧阳询、褚遂良、虞世南等名手的临本传世。

褚遂良摹《兰亭序》

那么，唐太宗死后，王羲之的《兰亭集序》真迹又到了哪里呢?

史书记载：《兰亭集序》在李世民遗诏里说是要枕在脑袋下边。那就是说，这件宝贝应该在昭陵(唐太宗的陵墓)。唐末五代的军阀温韬在任陕西关中北部节度使期间，把昭陵盗了。史籍记载：“在镇七年，唐帝之陵墓在其境内者，悉发掘之，取其所藏金宝。”李世民的昭陵自然难以幸免。盗墓者进入昭陵的地宫后，见其建筑及内部设施之宏丽，简直跟长安皇城宫殿一样。墓室正中是太宗的正寝，床上放置石函，打开石函，内藏铁匣。铁匣里尽是李世民生前珍藏的名贵图书字画，其中最贵重的当推三国时大书法家钟繇和东晋时大书法家王羲之的真迹。打开看，二百多年前的纸张和墨迹如新。这些稀世珍藏，全被温韬取了出来，但迄今千余年来下落不明，谁也不知道这些宝物去向何方。

钟繇《宣示表》

但在温韬写的出土宝物清单上，却并没有《兰亭集序》，而且此后亦从未见真迹流传和收录的任何记载。一些史学家认为，温韬盗掘匆忙草率，未作全面、仔细的清理，故真迹很可能仍藏于昭陵墓室某一更为隐秘之处。

昭陵

史学界还有另一种说法，那就是《兰亭集序》并没有随李世民埋藏到昭陵之中，而是埋在了唐高宗李治的陵墓乾陵之中。持这种观点的人认为：唐太宗死时，并没有提出要将《兰亭集序》随葬，而是将《兰亭集序》交给了同样喜爱传世艺术品的儿子李治。

李治在位34年，于弘道元年(683年)驾崩，葬于乾陵。李治临终前在病榻上遗诏，把生前喜欢的字画随葬。因此，在《兰亭集序》失传之后，就有人怀疑《兰亭集序》并非随葬昭陵，而是被葬在乾陵。

乾陵

唐代皇陵有十八座，据说被温韬挖了十七座，唯独挖到乾陵时风雨大作，无功而还。在唐之后，再没有人见过《兰亭集序》的真迹，这也使更多人相信《兰亭集序》随葬乾陵的说法。

《兰亭集序》真迹的下落，至今仍是一个谜团，看来只有到以后昭陵、乾陵正式发掘之时才能真相大白。历史留下的问题，只有时间最终能回答。

(摘自《国学》2012年第6期，原题：《兰亭集序》真迹下落之谜，刘继兴 文。)

有的作品机构在做，做得不温不火、风花雪月似的，倒让人比较尊敬，这个圈毕竟不是娱乐圈、基金股市圈，不兴一夜暴富的。有人帮你炒，不管炒得香不香，省去你很多事，这便是福气，能保证生活，能提升学术地位，名利双收，何乐不为？人家炒总比自己炒上品位。

炒艺术犹如炖汤，时间长慢慢炖这锅汤味道不会差，怕只怕急火攻心，食材再好也炖不出好汤。

画家要取得社会化成功显然不是画家一个人的事，画家要取得艺术上的成功却是一个人可以把握的。谋事在人，成事在天，谋事就是要把画画好，画好了便提供了社会化的前提。

画一般，整天急切关注着圈子里的是是非非、风起云涌，想找个机会混进去，就算你运气好混了进去，也只有出丑的份，还不如不要进去。好多画家画还没有画好，就眼红他人炒作后的成功；也有好多画家本来画得蛮好的，有一批说得过去的作品，自己又缺乏定力，一旦被机构绑架，再也没有好的作品出炉。

这几十年，见过许多原本比较优秀的画家渐渐迷失了，主要还是在名利面前心态把握不住。

画家把握不住，和合作运作者的心态是有直接关系的。现在，凡是有点钱的老板，看到拍卖行一幅作品动辄几百万，都心痒痒想玩玩艺术，为何少有成功者？

赚过大钱的成功人士往往主观得很，不太愿意听专业人士的话，凭自己浅薄的审意识交朋友，今天听你的，明天听他的，以为靠生意脑子很快能找到艺术市场规律，却往往忽视了艺术本身，意气行事，在交了一笔笔高额的学费之后，一般惨淡收场。北京和上海的文化创意园区里面，当年层出不穷兴致高昂的画廊还剩几家？

艺术市场的虚胖吸引了很多成功人士，都想来分享这块看上去很美的蛋糕，以为商机无限，其实是清水衙门。

据说这两年的艺术市场是一帮只懂金融不懂艺术的人在玩，他们玩了房产，发了；他们玩了股票，又发了；他们玩了煤矿，也发了；他们什么都敢玩，都玩得转，唯独玩艺术玩不转。

艺术品是特殊商品，不懂艺术的想在里面发大财是做美梦，迟早被美梦耍了。离开艺术本身高谈论盲目投入的商人，最后只能吞下自酿的苦酒。在一波波不愿醒来的艺术市场风潮中，艺术家们确实得到了实惠，输掉的是自以为是的企业家。

在成都画派的历史上，四川现当代有两位划时代的大师，在技术上理论上对现代中国画的推动影响深远，其一是张大千，其二便是陈子庄。陈子庄生前寂寞，死后10年也鲜为人知。直到1988年春天，“陈子庄遗作展”在北京中国美术馆举行，每天参观人数达万人之多，人们才“发现”了他，惊呼为“中国的梵高”。

作为历史文化名城，成都自古就与中国书画结缘，历史上第一个翰林国画院，历史上第一部地区性断代画史《益州名画录》都诞生在成都。古今书画名家黄荃、苏东坡、徐悲鸿、傅抱石等都曾在成都生活过。成都这座美丽的城市培育、滋养了大批中国艺术名家，风起云涌，灿如星辰。陈子庄既是成都画派的代表性人物，更是一位个性独特，命运坎坷的艺术家。在过去的百年间，成都画派的谱系里，大师张大千成名最早，近有晏济元，间有陈子庄之崛立。陈子庄的画不仅是技法笔墨的出神入胜，而且得益于他深厚精湛的学养。 有人说真正的大师百年才出一个，也有说要二百年、三百年、甚至五百年。有评论称他是“一位伟大的山水诗人”，美术家吴凡则直接感叹道：“三百年出一个陈子庄。”

 

今年恰逢陈子庄百年诞辰之际，三儿子陈寿民编著了有关父亲的专著《石壶艺术研究》。今日，我们将走进这位艺术大师传奇一生，揭秘他与成都的不解艺术之缘。

“陈子庄的画面以小喻，他的大画很少，而都是精巧寓意的小画，展现了他对于四川的浓浓乡情。”成都画院副院长叶瑞琨说，成都画派传承数千年，有的在变，可更重要的是没变的东西，这个没变的东西就是文脉和气质，陈子庄作品中的乡情与笔法表达就是例子，这是成都这块土地所滋养出来的。

一提到陈子庄，最让人感慨的除了他的艺术创作，还有其坎坷波折的一生。陈子庄的艺术成熟于20世纪六七十年代，是他在世的最后10年。在贫病交加异常困难的条件下，却在艺术上取得了辉煌的成就，达到了艺术上的高峰，是那个时代罕见的特例。在他顽强意志的支撑下，只要一息尚存，仍在孜孜不倦地坚持着艺术的实践和向更高境界的追求。“在这样的生存环境下，陈子庄却依然保持着他自由的思想，潜心创作，难能可贵。”叶瑞琨说。

正如陈子庄自己说：处境困厄，心地愈澈。也许正是这恶劣的环境，更加坚定了他的信念，磨砺了他的意志，成就了他的艺术。陈子庄从传统文化中汲了丰富的营养，他把儒释道各家的文化精粹冶于一炉，并掇取西方文艺理论中的有益成分，形成了他那开放、包容，以人性、仁爱为核心价值的艺术思想体系。这是完全超越于他所处的那个时代的、大胆的思想突破。

 

陆俨少（1909－1993年）

学画早年成名，不定是好事。成了名，应酬多了，妨碍基本功的锻炼，也没有工夫去写字读书，有碍于提高。所以学画切忌名利心太多。陆俨少倡导沉的下来，心在追求艺术的道路上应该是单纯的。

陆俨少山水

年纪轻，扎扎实实做些基本的功去，博收众长，冶炉自铸，逐渐形成自己的风格。但这种风格也不宜凝固不变。30岁定了型，到60岁还是这样，说明不再探索，坐吃老本。所以必须变，不断地变。学会思考。

陆俨少白塔

一个成名的画家，有早年、中年、晚年之分，各个阶段，虽然可以看到有一条线挂下来，其个性笔性有踪迹可寻。而其风貌，每个时期，各不相同。因之可贵者老年变法。黄宾虹早、中年画，在70岁以前，无可观，及其晚年，当八九十岁时，突然一变，墨法神奇，开了面目，这点精神，我们应该学习。

陆俨少山水

画切忌有甜俗气、犷悍气、陈腐气以及黑气等等。

犯甜俗气就是用笔没有沉着痛快的感觉，也就是不辣，一味软疲疲，用墨浮涨，用色无方，绚红搭绿，甜腻不清，一股馊气，令人作呕。

犯犷悍气的就是大笔挥洒，力量外露，有筋无肉，有笔无韵，对待物象，交代不清，但求快意，毫无含蓄，看似雄壮，实则外强而中干，内部虚弱。

陆俨少山水

犯陈腐气的为前人法度所拘，不能自拔，即学前人，也只学到一些糟粕，陈腔滥调，酸溜溜一点也不新鲜。

以上三病，是容易看出，独有黑气，不是画面上多用了焦墨浓墨，就有黑气。殊不知黑气的有无，不关用墨的浓淡。

所以没有黑气的画，即使通体用浓墨焦墨，甚至用宿墨，横涂竖抹，也不觉有黑气。有黑气的，即使淡淡几笔，还是有黑气。此种关键，全在看它气清不清，从外表看是在用墨上，实则用笔占主要的因素。

陆俨少国画

墨仅仅是记录笔的运动，所以墨也是从笔出来的。其所以气清最为紧要，不论粗服乱头，不事修饰，或则用笔狼藉，泼墨淋漓，或则境界重叠，笔墨繁复，或则矜持严正，一丝不苟，面目虽异，首要清气往来，灵光四射，笔墨精妙，令人享受到一种新鲜而美的感觉，方是好画。

称赞一幅好画，往往有样的评语，叫做“神完气足”。就是说这幅画笔墨精湛，章法严密，来龙去脉，交代清楚，不造作，不疲沓，精神饱满，气势旺盛，面面俱到，无懈可击。

陆俨少国画

要做到这点，首先画的人也要神完气足。如得到好好休息之后，早上起来，脑子清醒，思路开通，对纸凝想，有得于心，于是全神贯注，目无旁骛，解衣盘礴，旁若无人，全部思想，进入画里，再有平日基本功的扎实，加上明窗净几，纸笔称手，创作的条件齐备，然后可以达到这个境地，所以绝对不是偶然的。

否则笔欲下而又止，划未到而已断，心中无数，疑虑重重，色厉内荏，冒充雄强，或则病体奄奄，昏昏欲睡，头重脚轻，失去重心，得过且过，懒于动弹，如果象这样的情况，且宜停画几天，等精神恢复，有所振作之时，心中好象有一幅画等着要画，酝酿成熟，然后动笔为好。

陆俨少山水

从前人谈到书法，有“偶然欲书，一合也”的说法。这个“偶然欲书”就是说胸中有一股冲动的力量，要借笔墨发泄出来。那末写出的字，也合乎要求。画亦同然。所以下笔之际，要有激情。我们对新时代，是有热爱的激情，看到新的事物，新的山川风貌，发生热爱，要借笔墨以发之，有一股激情不自禁地要求把它描写出来。

但是新事物、新山川，不同于旧事物、旧山川，客观的对象不同，在主观的描绘上，一定是老技法不够用，需要创立新技法。技法有了创新，才能情调合拍，互相统一。我们如果把新事物如新式楼房、拖拉机、高压电线等，置之于四王山水画中，一定感到别扭。因为这种山川，是旧的情调，何能与新事物相调和，发生血肉相联的关系。

陆俨少国画

所以如果仅仅只在把具体的事物，生搬硬套，而没有一股对新时代热爱的激情，即使写上新题材，画上新的具体事物，也决不能反映出新的时代气息来。

因之画要新，首先要有热爱新时代的激情，在这个基础上，创立新技法，创立前人所没有过的新技法，才能体现出新的时代精神。自古作者，能自名家，代表他们所处的时代精神者，都有所创新，创新越突出，家数也越大，也越能和时代精神共脉搏、同呼吸。

隶书创新的方法很多，特别是在当代，由于多元化文化的发展，书法家们越来越注重个性的张扬，再加上出土文物的丰富，可以借鉴和取法的资料日益增加，人们不再满足于只从正统汉碑中吸取隶书的精华，而是更多地着眼于早期隶书（像简牍、帛书、摩崖、石刻等），例如《西汉武威仪礼汉简》、《开通褒斜道刻石》、《莱子侯刻石》、《马王堆汉墓帛书》等，包括西晋时期的《好大王》和前秦时期的《广武将军碑》等，从中寻求隶书创新的方法。

具体来说，当代隶书创作的异变现象主要有篆隶结合、造型奇特、融入行草、金石趣味、碑简杂糅等五个方面，以下结合书家及作品进行分析。

1

篆隶结合

我们知道，隶书是在篆书的基础上发展变化而来的，所以经常有人讲“篆隶不分家”，“篆中有隶，隶中有篆”。当代书家时常以篆书的笔法和隶书的结构来进行创作探索，取得了通常状态下所得不到的艺术效果，增加了意想不到的审美情趣。篆隶结合是指将隶书和篆书结合在一起写，在用笔上表现为线条的圆浑，多使用中锋，在结体上也是方折的体势较少，多取圆势。

2

造型奇特

隶书的造型具有突出的特点，或纵长取势，或宽扁见长，皆具风神。传统的隶书造型多取横扁之势，而当代隶书作品的造型则多纵长取势，这是当代隶书创作特别注重的一种变异方法，反其意而用之，却取得了一种特殊的造型效果。

3

融入行草

每一种字体的发展都是建立在实用书写的基础之上的，隶书也不例外，当人们在实用书写时为了追求便捷，便会加入一些行草书的笔意。在当代书法家中，张海先生以擅长草隶而闻名。他早年的隶书以汉隶为本，多求精美，取法《乙瑛碑》、《封龙山颂》等，后来潜心研究汉代帛书、简牍，并将其和行草书融入到传统的汉隶之中，开辟了隶书的新的写法——草隶，也充分体现了书家的性灵之美。

4

金石趣味

当代书法家在篆书和隶书的创作中追求金石趣味，是清代以来书法家所进行的探索的继续，清代书法家何绍基在这一方面作出了突出的贡献，直接影响了当代隶书的发展。在隶书作品中融入一些金石气息，可以增加作品的视觉冲击力，使得原本就古朴厚重的隶书更添苍茫、浑厚的感觉，作品看起来也更加有质感。

5

碑简杂糅

在隶书作品中融入简牍笔意和情趣，是当代隶书发展变化的又一特点。简牍帛书是隶书发展和创作的一个宝贵的取法之源，并且也是隶书发展最为快速的载体。许多书家都潜心研究简牍帛书，从中寻求隶书创新的道路。