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书法,不简单只是墙壁上的风雅,桌案上的闲情,她是每一位中国人的命里菩萨。回眸风云动荡的民国时期,书法即显现出了尤为特殊的意义——民族危难时的文化信仰。当时西方文化以各种形式进入中国,这个古老的国度,在她历经了文化的辉煌之后,进入了停滞阶段,当时社会的精英,正为国人的自信,谋求一条出路。而书法,正是文化信仰的最好承载。化不开的民族情,凝成一滴笔墨的浓重。

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百年之前的『大时代』,新旧交替、西学东渐,西方文化如坚船利炮一样,猛烈地冲击着中国大地。而钢笔、铅笔的日渐普及,也在一定程度上降低了毛笔的使用程度。民族进程走到了十字路口,国人当何去何从?有识之士们深知,丧失一门国粹,就如同丢掉家国山河。笔墨即血脉,岂能止于当世!于是,孙中山、谭延闿、蔡元培、于右任等人士纷涌而出,他们以墨传心、书写豪情,民国诸君子的风度、气质、学识,都蕴藏在这行笔之中。黑白间,尽是无声的呐喊。

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书法之要义,亦在于培养国人美学情操。梁启超曾言:『吾中国以书法为一美术,故千余年来,此学蔚为大国焉』。这番言语,响彻在华夏大地。而时任教育总长的蔡元培,更以书法为核心载体,对『美育教育』进行了广泛实施。点滴笔墨,注入到了无数有志青年的热血当中,他们明白,此学乃是家国命运之根。一点一画,支起中国脊梁;一提一按,激发民族脉动。

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林语堂在《中国人》中写到:『只有在书法上,我们才能够看到中国人艺术心灵的极致』。因此『不懂得中国书法及其艺术灵感,就无法谈论中国的艺术』;『书法提供给了中国人民以基本的美学』。概括的说,中国美学的基础是书法。而书法常用的术语:平衡、匀称、虚实、对比、呼应等所包容的内涵,构成了『中华民族美学观念的基础』。

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每一代人都有属于他们时代的荣光和记录,《大时代·民国法书清赏》,一本有着『大』名字的小书,只是撷取一个角度,希冀通过前贤们留下的手迹墨宝,成为一窥那个风雷激荡的时代的载体。书法之于民国来说,它是千百年来的延续,也是千百年来的转折。而书法于任何时代来说,都是中国人的性灵归所,因为方块字就是中国人最远古的图腾,是每个中国人膜拜的神像。

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在这泛黄的时代,

每一笔,

都充满人生的色彩。

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1、八面出锋

借助于八面出锋,自然显出墨色浓淡,湿中有干,干中有湿,浓中有淡,淡中有浓,变化千万,使作品富有节奏感。

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2、刚柔相济

刚力,铁划银钩(粗狂或雄壮等);柔力,行云流水(细致或柔丽等)。

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3、惜墨如金

楷书要求蘸一次墨写一个字,甚至数字;行草一笔写3-5字,每笔结束笔毛复原,要求纸上调锋。

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4、豁然开朗

留白处有宽有窄,宽处给人以忽然开朗之感。艺术是制造矛盾,到解决矛盾的过程。

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5、一气呵成

书法是感情的流露,不是技巧的表现。要在身体与心情皆好的状态下写字。书写时随意挥洒,一气呵成。

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6、错落有致

一般情况下,作品的行距要宽,字距要紧。字忌并列,要错开。节数间有空隙,排列组合要有节奏,大小字参差,突出中间书眼。

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7、意趣盎然

书法是无声的音乐,无形的舞蹈。求变化中有呼应,使整体和谐,有强烈的节奏和视觉冲击力。用好拙笔,用略慢,动中有静,写出墨趣。

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8、融会贯通

书法的气,是指点划与不同字之间的呼应,字与字之间的趋向。

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说起文征明行草书,我们一定对其《滕王阁序》很熟悉,因为这篇书法曾经出现在我们语文课本上,隽永潇洒的字迹给我们的青春留下美好的印记。其实,文征明儿子文彭也是一位大书法家,正好也创作过书法《滕王阁序》,而且也十分精彩,我们今天不妨一并拿来对比。

1、文征明《滕王阁序》

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2、文彭《滕王阁序》(精选高清) 640.webp (4)

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明代黄姬水楷书论诗页《白江州与元微之论文书》,纸本44×27CM,憨斋吴南生旧藏。自署:壬戌(1562年)上元日获观因题其后归之。天室外史黄姬水。

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学习书法从何入手?有经验的书家会告诉您,唐楷和隶书。唐楷常见的有三种欧体、颜体、柳体,此三体沿用至今上千年,是书法中的教科书。

你是不是经常会听到这样的言语?“这幅作品很有颜体的味道!”、“此书取法欧体!”、“某某的作品很有柳体风骨!”到底该怎么区分欧体、颜体和柳体呢?下面我们告诉您从笔画、结构两部分来作粗略研习。640.webp

从左至右依次是欧体、颜体、体柳

 一 、笔画,无非是点、横、竖、撇、勾、捺等

(1)欧、颜、柳的“点”画

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典型的欧体的点,是钝角三角形;颜体的有点像个半圆,上班不的圆弧很圆滑;柳体的点则是个类似梯形的四边形,上半部有角有楞。

(2)欧、颜、柳的“横”画

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典型欧体横画,起笔是大约45°倾斜,然后很缓的过渡;颜体起笔也是倾斜,45°或者更小的角度,而且非常突然的过渡,就是起笔比较重,中间行笔的时候突然变细,过度比较突然;柳体的起笔几乎是直的,像刀切的一样90°,行笔过渡也很缓慢。

最终落笔的地方,欧体横画也很缓,成一个圆弧头;颜体顿的很重,都向下耸拉了,不过圆弧疙瘩;柳体落笔也重,也是个疙瘩,但是有角有棱,他的起笔和落笔都像是刀切出来的。

(3)欧、颜、柳的“钩”画

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欧体的钩很有特点,就是含蓄带臊,欲出还羞的感觉,勾出来的很小,很克制;颜体就是一个粗壮树干上的一个小细枝桠;而柳体的钩是最奔放的,形成一个很锐利的等腰直角三角形。

(4)欧、颜、柳的“捺”画

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欧体的捺脚是最平滑的,而且开头细最后粗的很明显;颜体捺脚有个窝,最不平坦,像是一个脚心;柳体也不平坦,但是脚心的凹度比颜体小,而且上细下粗的不明显,粗细比较一致。

(5)欧、颜、柳的“竖”画

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欧体的起笔是45°斜入,边角锐利;颜体也是45°斜入,但是很圆滑,是个圆头;柳体竖的起笔是个菱形,像是个鸟嘴。三者区别很明显。

 二 、欧、颜、柳的结构

颜体的横细竖粗非常明显,某些偏旁的特点也很分明。欧体的三点水排列,有点像是撇、短竖、提的写法;颜体就是点、点、提;柳体也是点、点、提,不过他的点是典型柳体的“梯形”点,而且提很有特点,下面有个大疙瘩。

再比如宝盖头。除了笔画上的不同,比如横钩的写法,欧体很平滑,颜柳有个大疙瘩,宝盖的结构上也有不同。欧体和柳体中间的点,几乎是竖画的写法,就是个短竖,而颜体中间则是一个典型的颜体点;左侧点,欧体和柳体都更竖直,颜体更斜,欧、柳的区别在于,欧体露锋入笔,顶上是尖的,柳体更像个短竖。

欧体受魏碑影响更大,颜柳的特点就是那句最经典的“颜筋柳骨”。

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日本东京大学图书馆藏有一件明孝宗皇帝弘治敕命一卷,这个圣旨中描述的事情并不大,但是写圣旨的小楷书法很端庄。

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叶嘉莹在《说杜甫诗》的序言中说:“李白是难学的,你如果没有李白的天才和理想,就只能学到他那狂放、破坏的缺点,而不能达到他真正的才华和理想的高度。…李白破坏了规范,可他完成了比本来的规范更宝贵的东西。”那么,苏东坡的书法可学还是不可学呢?

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苏东坡是历史上少有的通才。诗词歌赋样样精通,书法也独具一格。其散文成就与欧阳修并称欧苏,为唐宋八大家之一;诗歌清新豪健,与黄庭坚并称苏黄;词开豪放一派,与辛弃疾并称苏辛;书法擅长行书、楷书,与黄庭坚、米芾、蔡襄并称宋四家;画学文同,喜作枯木怪石,论画主张神似。著有《苏东坡全集》和《东坡乐府》等。

他写的《寒食诗帖》就被誉为天下第三行书。我们姑且不论这种定位是否合适,就苏东坡《寒食诗》帖的艺术水准,无疑是肯定的。那么既然苏东坡行书有如此高的水平,那为什么笔者又说苏东坡书法不宜学?

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▲《黄州寒食诗帖》,纸本,25 行,共129字,是苏轼行书的代表作。

一、苏轼的书法与他的文学成就密不可分

苏东坡是中国文化史上的旷世奇才,他的词,豪放广阔,气势磅礴;他的散文,天下颂扬,脍炙人口;他的书画,人文气韵,意高境远,他除了上述成就,在哲学、音乐、茶道、烹饪、养生、园林艺术等方面均有独到的造诣。

苏东坡书法成就,其实就是他精深的文学修养的一种表现形式,是其独特的审美意识的自然流露。割裂苏东坡书法与文学的渊源血脉,就很难探得这位伟大书法家的书法艺术的真谛。

黄庭坚认为苏东坡书法:“学问文章之气,郁郁芊芊,发于笔墨之间,此所以他人莫能及耳。”这就是所谓书法的“文气”“书卷气”。这种格调高雅的作品气息,一般人无论如何是不能达到的。

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▲《李白仙诗卷》 蜡笺 34.5×106cm 日本大阪市立美术馆藏

二、苏东坡的书法与他的哲学、绘画、音乐造诣相映成“趣”

苏东坡曾对唐代王维诗画艺术评价“诗中有画,画中有诗。”实际上也是他自身艺术修养的集中体现。他的书法,他的词章,他的性格,他的为人,构成一个豪放、含蓄、豁达的整体,使他的书法与他的哲学、绘画、音乐造诣相映成趣,造就了一代凡人不可提及的大家。

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▲苏轼《治平帖》卷,宋,苏轼书,纸本,行书,纵29.2cm,横45.2cm。北京故宫博物院藏

他无论是诗词,还是书画,都是立足于继承传统基础上的创新、开拓,靠自己近乎无人能匹的思维理念、学识、见解,汇集总结加工,所表达出来的作品至高无上,极具个性,无法单纯表面复制,不具备他那样的全才学识,也就无法写出真正的苏轼书法,即使有人习苏帖已经很是不错,也只能是表象入门,其实根本没有领会其书法的真正所在。

三、苏东坡的个人经历及当时社会背景对他的书法艺术影响

苏东坡所处的社会时代,是北宋时期最为复杂的政治斗争时期,由于他既反对王安石变法,又反对司马光尽废新法的做法,因而他受到新旧两党夹击,一生坎坷不平。在他人生最为低谷的时期,他保持坚贞气节与独立人格,绝不随波逐流,坚持为官一地,造福一方,始终保持乐观豁达的心态和积极向上的追求……

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▲苏轼《东武帖》,行书,台北故宫博物院藏。

被贬反而成了他创作诗词书画的最佳时期,他的大部分作品出于此时,他的逆境中不断追求,积极进取的精神,激励后人,他用自己全部独特的政治思想,文学修养和书画艺术塑造了崇高的道德典范和艺术典范,展现了他的人格魅力与高尚的人文精神。

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▲苏轼 《次辩才韵诗帖》,行书,台北故宫博物院藏。

综上所述,苏东坡以其特有的综合修养,创作出自己极具个性的书法作品,对于我们后学晚辈除了崇尚苏轼的伟大成就,学习借鉴苏轼的书法特点及精神影响外,如若临摹苏体,亦步亦趋,只是简单的形似追习,恐难入妙道,更难学有所就。所以苏轼的书法只能借鉴、欣赏、感悟,不宜学习临摹。

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一、内容不适、文意不宜

创作时不注意选书切合主题的诗文。例如,参加国庆节的书展,写的是杜甫的《春望)诗:“国破山河在.城春草木深……”又 如,参加纪念红军长征胜利的书展,写的是王维的《竹里馆》诗:“独坐幽篁里,弹琴复长啸……”这显然不合时宜,文不对题。

还有在写完诗词正文后,行款时采用“顿首”一词,这是并末真懂“顿首”含义所致(顿首是磕头,跪拜礼之一)。

再有,行款时“节录”、“节选”、“节抄”与“某某某书”前后并用,亦显得重复。

又有,在写完正文后,落穷款,署名时却有“并记”、“并识”字样,没有任何说明、注释文字,“记”啥“识”甚?

另外,许多作品并无磅礴气势,未见墨色淋漓,却强说“一挥”、“挥汗”,也有矫情和失实之感。

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王羲之《行穰帖》,原迹已失传。

二、形式主义

作品要张挂起来供人审视,形式确实很重要,但采用何种形式,必须合情入理,犯形式主义毛病的作品大致有如下几种:

(1)小字大篇幅。密密麻麻的小字贯穿整张六尺、八尺宣纸,读一行都非常困难,何况全篇。

(2)大字小篇幅。寥寥数字,疾行于短程的纸面上,兀立在狭小的尺牍间,极不协调。

(3)狂草分段写。狂草一首诗,一段文,却切分为多块小纸组合成幅,无异于自断气息,自设障碍。

(4)多色拼贴。将几种色宣拼成一纸,然后书写,或在不同色宣上各书一纸,合为一幅。制作感太强。

(5)多体杂写。一件作品兼有多种书体,表现欲昭然,往往不谐和而显杂乱。

(6)盲目铃印。有的写巨幅字,无大印章,用小印章叠加排列成大印形状或装饰条块,有的写长卷,册页或小幅字,字里行间到处盖章,均无道理。

(7)不恰当的做旧打蜡。用国画颜料,洗笔水、茶水、巩水、盐水之类将新纸染旧以求古色;也有在纸上打蜡使墨道粗涩斑驳以求“金石气”,还有先用排刷画出竹木简形状的色道再写简书,在纸下垫带有纹路肌理的木板、纸板、泡沫塑料板以求墨道飞白…如若不适,弄巧反而成拙。

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《雨后帖》,纸本 25.7X14.9厘米。北京故宫博物院藏 

三、文字错误

这表现在四个方面:

(1)草法不当。不谙草法,想当然减省点画,任笔涂抹,不可识读。

(2)繁简并用。一件作品兼用繁体、简体字,记得起就繁,记不起就简,毫无规范意识。

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王羲之《远宦帖》纸本(摹本) 台北故宫博物院藏

(3)写错字别字。有的是繁体字,异体字和多义字的误用,如茶“几”写成几何之“幾”;“皇后”写成前后之“後”;搅“和”写成和平之“龢”;意我之“余”写成多余之“餘”;千万“里”写成里外之“裏”;说话之“云”写成云雾之“雲”;书“卷”写成卷动之“捲”;头“发”写成发展之“發”;不相“干”写成干部之“幹”……有的是错写繁体字,“闊”字门里门外都有“水”;“憂”字体内体外皆有“心”……有的是画蛇添足, “华”、“神”一类以长竖结尾的字和“海”,“难”一类草体字习惯性地多加一点。

(4)落字缺句。

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王羲之《寒切帖》纸本章草 25.6×21.5cm 天津博物馆藏

四、摆字抄书

大致有四种情况。

(1)依赖格子写字,或画格,或叠格,离开格子就难以成行谋篇。长此下去,削弱了大局观和应变力,抑制了灵性和才情。

(2)查字拼凑,从大字典或不同碑帖中查找所需的范字,凑成一篇,写就一文,纸上各行其是,形离神散。

(3)拘泥于一画一字,一笔一笔地凑,一字一字地摆,点画间少关联,字与宇无呼应,气息不通。

(4)打破书写顺序,不按传统书写方法自上而下、自右至左顺序书写,而是在打好格子的纸上用铅笔写好字样,从上部开始,一格一格地充填,整体下移;或事先叠好格子,从左到右横写,自上而下行复一行…… 如此书写,看不到字间的前后呼应,书卷气荡然无存,墨色变化也毫无道理。

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王羲之《袁生帖》纸本(摹本)日本藤井有邻馆藏 

五、滥用工具

最多见的有四种错误类型:

(1)小笔写大字,或点画细弱,线条绵软;或鼓弩为力、抛筋露骨。

(2)生宣写正书,点线过于渗洇,时有墨猪,满纸疙瘩。

(3)熟纸写大草,线条飘浮,墨色焦燥。

(4)墨中加水多,水多必渗洇,渗洇行笔必快,快则草率,结字不成形,点画不精到,且墨淡伤神。

——END——

 

中国当代书坛的多元格局,造就了书法发展的全新局而。书法家可以自由地选择自己的创作方向,因此也造就了丰富的流派和多样的风格。这在中国的《全国书法篆刻作作品展》力和《企国中青年书法家书法篆刻作品展》中,可以清楚地反映出来。在即将跨人21世纪之时,我们相信传统书法的延续和演进仍然是发展的主流。中国书法的古典主义特征,显然不会因为世纪的交替而突然产生巨变。

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当然我们必须指出,中国当代书坛格局,是近二十年才开始形成的事情。被“文革”摧残后的中国书坛,毕竟才恢复了二十年,因此对于大多数跨世纪的中青年书家来说,传统的学习不是过剩,而是不足。一方面亟待强调向传统的回归,不仅是技法的学习,更包括书法史论,书法美学的研究和开拓;另一方面现代社会的迅速发展,也希望书法能有更新的面貌。这两个方向不同的指向看似完全相反,而实际却是统一的。这是因为没有传统的回归,要想超越前代几乎是不可能的,更因为回归传统的目的不是索取,而是为了创造,只有创造才能前进。

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在二十年中国书坛这种多元格局的形成中,由于饥渴地向传统的各个方面学习,书法获得了长足的进展。比较其他艺术门类,能在如此短的时间内重现辉煌,可谓是绝无仅有的。书坛的有识之士,在加强书法学科的研究,倡导务实的学风,展开书法批评,规范展览体制和拓展对外交流等方面所做出的努力,都推动着书法日益深入,其主流是健康的。

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然而,健康的肌体,也无时没有病菌的侵害。展览会本是展出书家作品的最佳途径,但由于展览会所必须设立的国家、省、地的等级,加上展事频频、媒体传播快,使得书家创作的原本目的——个人情性的抒发在功利面前受到了挑战。应接不暇的展事使不少人以一种投机的心理,瞄准展览会和评委的趣好进行创作,外在形式美的迅速扩张,掩盖了内核——笔法的简单和空乏,因此一些作品表现出浅薄的流行色彩。这种流行书风的出现,成了展览会的腐蚀剂。

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诚然,流行书风中亦包含管合理的流派特征,但更多地则表现为一种“快餐文化”的性质。如同经济领域中的泡沫经济,膨胀了的泡沫背后,隐藏着危机和贫瘠。国展所引出的问题,早在战后的日本和韩国已经出现。在国展中获得殊荣的书家、在商品社会里,润格和他们所开设的书法塾馆的收费标准不断提高、并直接导致了学生以老师书法为蓝本的“学习”和”“创作”。这显然会断绝直接追溯本源的途径,造成近亲繁殖的恶果,也堵塞了书家的创造性思维。中国书坛出现的流行书风中,无疑隐含着同样的病毒,应该引起我们高度的警惕。否则多元格局会变成单调的数个品种,风格的多样化也会变成风格的流行色。

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值得重视的问题当然能列出种种,但中国书法在新的世纪里必将更加展示它艺术的表现力。那些书法穷途末日论,书法必须与西方艺术合轨论,显然不堪一击。同时我也想指出,科技的进步与艺术的发展在人类历史上既有冲突,亦可互补。我们看到在进入电脑的时代里,汉字这一世界古老文字的科学性越来越被证明,它在表意、语言结构和文字符号的严密规律上都要远远胜过拼音文字。电脑的接字之美则正是书法的生命所在,只要汉字还在,书法就不会遭受历史的抛弃相反人们在越来越被机械电器侵占的生活领域里,将会更加珍爱书法艺术给他们带来的生命情感。中国二十年不衰的书法热潮正方兴未艾,这一史实本身已充分说明了现代社会中人们对书法认识的一切。

(作者:黄惇)

END